bianca come il latte, rossa come il sangue il ministro - l'esercizio ...

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Anno XIX (nuova serie) - Poste Italiane S.p.A. Spedizione in Abbonamento postale 70% - DCB - Roma

Marzo-Giugno 2013

bianca come il latte, rossa come il sangue

122 -123

come Pietra Paziente di atiq rahimi

di giacomo campiotti

come un tuono di derek cianfrance

il ministro - l’esercizio dello stato di Pierre schöller

Il lato posItIvo - di David o. Russell

il grande e Potente oz Euro 5,00

di sam raqimi


la scelta DI baRbaRa - di christian petzold glI amantI passeggeRI - di pedro almodóvar

SOMMARIO Anno XIX (nuova serie) n. 122-123 marzo-giugno 2013 Bimestrale di cultura cinematografica Edito dal Centro Studi Cinematografici 00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6 tel. (06) 63.82.605 Sito Internet: www.cscinema.org E-mail: [email protected] Aut. Tribunale di Roma n. 271/93 Abbonamento annuale: euro 26,00 (estero $50) Versamenti sul c.c.p. n. 26862003 intestato a Centro Studi Cinematografici Spedizione in abb. post. (comma 20, lettera C, Legge 23 dicembre 96, N. 662 Filiale di Roma) Si collabora solo dietro invito della redazione Direttore Responsabile: Flavio Vergerio Direttore Editoriale: Baldo Vallero Segreteria: Cesare Frioni Redazione: Alessandro Paesano Carlo Tagliabue Giancarlo Zappoli Hanno collaborato a questo numero: Giulia Angelucci Veronica Barteri Elena Bartoni Marianna Dell’Aquila Sara Garofalo Giulia Giletta Cristina Giovannini Elena Mandolini Diego Mondella Fabrizio Moresco Danila Petacco Francesca Piano Valerio Sammarco

Stampa: Tipostampa s.r.l. Via dei Tipografi, n. 6 Sangiustino (PG)

Nella seguente filmografia vengono considerati tutti i film usciti a Roma e Milano, ad eccezione delle riedizioni. Le date tra parentesi si riferiscono alle “prime” nelle città considerate.

n. 122 e 123

Amanti passeggeri (Gli) ......................................................................... Amore inatteso (L’) ................................................................................. Anno da leoni (Un) ................................................................................. Attacco al potere .................................................................................... Ballata dell’odio e dell’amore ................................................................. Bed Time ............................................................................................... Benvenuto Presidente! .......................................................................... Bianca come il latte, rossa come il sangue ............................................ Cacciatore di giganti (Il) ......................................................................... Cecchino (Il) .......................................................................................... C’era una volta in Anatolia ..................................................................... Città ideale (La) ..................................................................................... Ci vediamo domani ................................................................................ Come pietra paziente – Syngué Sabour ................................................ Come un tuono ...................................................................................... Croods (I) .............................................................................................. Di nuovo in gioco ................................................................................... Dittatore (Il) ............................................................................................ Dream House ........................................................................................ E la chiamano estate ............................................................................. End of Watch: Tolleranza zero ................................................................ È stato il figlio ........................................................................................ Famiglia perfetta (Una) .......................................................................... Figli della mezzanotte (I) ........................................................................ Giorno devi andare (Un) ........................................................................ Grande e potente Oz (Il) ........................................................................ Host (The) ............................................................................................. Innocenza di Clara (L’) ........................................................................... Iron Man 3 ............................................................................................. Jack Reacher – La prova decisiva ......................................................... Lato positivo (Il) – Silver Linnings Playbook ........................................... Lawless – Senza difetti .......................................................................... Melina – Con rabbia e con sapere ......................................................... Ministro (Il) – L’esercizio dello stato ........................................................ Moonrise Kingdom – Una fuga d’amore ................................................ Mundial dimenticato (Il) – La vera incredibile storia dei mondiali di Patagonia 1942 ..................................................................................... Nave dolce (La) ..................................................................................... Outing – Fidanzati per sbaglio ................................................................ Padroni di casa ...................................................................................... Paludi della morte (Le) – Texas Killing Fields ......................................... Pinocchio ............................................................................................... Quijote ................................................................................................... Scelta di Barbara (La) ............................................................................ Scusa, mi piace tuo padre ..................................................................... Sinister .................................................................................................. Streghe di Salem (Le) ............................................................................ Studio illegale ........................................................................................ Take Shelter .......................................................................................... Tre marmittoni (I) ................................................................................... Troppi amici – Praticamente fratelli ........................................................ Tutti i santi giorni .................................................................................... Un’estate da giganti ............................................................................... Upside Down ......................................................................................... Venuto al mondo .................................................................................... Viaggio sola ........................................................................................... Vicini del terzo tipo ................................................................................. Vitriol ..................................................................................................... Volto di un’altra (Il) ................................................................................. Wedding Party (The) ............................................................................. Zambezia ..............................................................................................

11 5 59 54 42 45 3 7 43 15 50 36 32 2 55 17 61 57 51 63 52 13 28 21 9 46 20 36 18 10 41 24 8 25 34 39 12 26 56 53 29 47 62 60 40 4 16 44 58 14 31 6 23 37 19 29 64 48 49 33

Film

Tutti i film della stagione

COME PIETRA PAZIENTE – SYNGUÉ SABOUR (Syngué Sabour) Francia, Germania, Afghanistan, 2012 Regia: Atiq Rahimi Produzione: The Film, Studio 37, Razor Film, Corniche, Arte FranceCinema, Jahan-E-Honar Productions Distribuzione: Parthénos Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto: Atiq Rahimi Sceneggiatura: Jean-Claude Carrière, Atiq Rahimi Direttore della fotografia: Thierry Arbogast Montaggio: Hervé de Luze Musiche: Max Richter Scenografia: Erwin Prib Costumi: Malak Khazai Interpreti: Golshifteh Farahani (Donna), Hamidreza

n una casa diroccata dalle bombe, una giovane moglie accudisce il marito, eroe di guerra colpito in uno scontro a fuoco e ormai in coma. La guerra fratricida lacera la città e i combattenti sono ormai alle porte. Sarebbe più prudente scappare, ma la donna non riesce ad abbandonare il marito al suo destino. Porta le figlie in salvo dalla zia che gestisce una casa chiusa e torna al capezzale del consorte. Poco a poco, inizia a parlare e a confidare al marito una lunga sequela di verità nascoste e segreti inconfessabili. I suoi pensieri diventano voce: prega, grida, piange e infine ritrova sé stessa. Un giovane soldato irrompe nella casa e abusa di lei ma è solo una ragazzo totalmen-

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Djavdan (Uomo), Massi Mrowat (Soldato giovane), Hassina Burgan (Zia), Mohamed Al Maghraoui (Il mullah), Malak Djaham Khazal (Il vicino di casa), Faiz Fazli (Uomo armato), Hatim Seddiki (Primo soldato), Mouhcine Malzi (Secondo soldato), Amine Ennaji (Terzo soldato), Hiba Lharrak (Figlia maggiore), Aya Abida (Figlia giovane), Fatima Mastouri (Vecchia donna), Sabah Benseddik (Prostituta), Ahmed Ait Mahrabi (Uomo in poltrona), Mustapha Lamsawab (Il marito della vicina), Mostafa Jamai (Il figlio del vicino), Hafida Himouch (Vecchia prostituta), Ghaya El Marouane (La figlia del vicino), Hicham Belaoudi (Uomo sulla bici) Durata: 103’

te inesperto. Tornerà altre volte e tra i due nascerà un sentimento: la donna si apre all’amore e prende coscienza del suo corpo e della sua sessualità. La zia la sostiene con i suoi preziosi consigli di donna navigata. Per la prima volta il sentimento è ricambiato, l’uomo è dolce, attento, partecipe tutto ciò che il marito rozzo e brutale non è mai stato. A lui la donna racconta il suo affrancamento dalla subalternità, la scoperta e le gioie del sesso. Il marito però inaspettatamente si risveglia. Ha ascoltato le ultime parole, intollerabili per la sua cultura e per il suo onore. Agguanta la donna alla gola, deve morire. Ma la giovane nel drammatico, estremo tentativo di difendersi riesce a liberarsi definitivamente del suo carnefice.

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na storia senza tempo in un paese, l’Afghanistan in guerra da 25 anni e in una città, Kabul, ormai in rovina ma emblematica di un mondo distante da noi anni luce. Un film sulla parola: un lungo e intenso soliloquio che rappresenta il viaggio interiore di una giovane donna afgana, costretta a vegliare il marito in coma, e che si rivela in tutta la sua forza e bellezza mettendosi a nudo attraverso il racconto della sua vita. Come pietra paziente – Synguè Sabour è tratto dal romanzo “Pietra di pazienza” dello scrittore e regista afgano Atiq Rahimi, qui al suo secondo lungometraggio dopo Terre et cendres, ed è sceneggiato dallo stesso Rahimi insieme a JeanClaude Carrière. C’è ben poco di cinematografica nell’accezione di “entertainment” in questo film; l’impianto è decisamente teatrale, gran parte della la vicenda si svolge interamente all’interno di un’abitazione con pochissime scene girate in esterno, che riprendono le strade di Kabul in rovina, ispirate al cinema di Rossellini. Si respira un senso di claustrofobia mentre il racconto orale della protagonista si srotola via via in un fiume sì liberatorio ma virato su un noioso appiattimento; è l’orecchio dello spettatore più che il suo occhio a essere stimolato da questo tourbillon di ricordi, di verità nascoste e di sconcertanti rivelazioni. La valenza del film è principalmente nel coraggio del regista di riuscire a mostrare, attraverso questa drammatica vicenda, la straziante situazione delle donne di religione islamica tutt’ora vittime di una cultura maschilista, repressiva e oscurantista. Donne prive di diritti e tutele, oppresse

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Film ovunque a livello sessuale, religioso, politico, sociale e che nell’Afghanistan del talebani vagano come fantasmi, nascoste dietro un pesante burqa che ne cancella l’esistenza e l’identità. Simbolicamente il corpo inerte del marito rappresenta il regime dittatoriale vigente nel paese dominato dai talebani che viene immobilizzato e ferito mentre il corpo dell’eroina, in una società maschilista che tutto vieta alle donne, può finalmente sbocciare. E se la questione della sessualità femminile è l’aspetto determinante del film,


non è un caso se la protagonista prende coscienza della sua libertà e del suo corpo come fonte di piacere, grazie al contatto con la zia che è una prostituta e diventa la sua maestra spirituale. Il film, tutto recitato in lingua farsi, si regge tutto sulla sublime interpretazione di Golshifteh Farahani, bellissima attrice iraniana, già vista in About Elly, Pollo alle prugne, Just like woman. Nella stanza chiusa che rappresenta la sua interiorità parla, prega, ride, piange con un’intensità e una immedesimazione straordinarie. Nella sua interpretazione, la Farahani riesce

a evidenziare anche tutte le contraddizioni del personaggio: “Io per te ero un pezzo di carne!” urla contro l’uomo in preda alla rabbia e poi dolcemente esclama “Non ti ho mai baciato e ora posso fare qualsiasi cosa di te.” E il marito, un mostro di ferocia e di insensibilità, lì davanti a lei privo di conoscenza, inerme diventa la sua “synguè sabour”, la sua pietra paziente quella a cui confidiamo tutti i nostri segreti, disgrazie e sofferenze finchè non va in frantumi. Cristina Giovannini

BENVENUTO PRESIDENTE! Italia, 2013 Regia: Riccardo Milani Produzione: Nicola Giuliano, Francesca Cima per Indigo Film con Rai Cinema, in associazione con Morato Pane Spa, in associazione con Bnl-Gruppo Bnp Paribas Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 21-3-2013; Milano 21-3-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Fabio Bonifacci Direttore della fotografia: Saverio Guarna Montaggio: Giogiò Franchini Musiche: Andrea Guerra

eppino è un bibliotecario col vizio delle storie e della pesca alla trota. Onesto e genuino, vive in un piccolo paese di montagna, sognando un futuro migliore per sé e per il suo unico figlio, venditore rampante di un attrezzo sportivo. A Roma, intanto, Destra, Sinistra e Centro giocano d’ostruzionismo per il desiderio di ognuno di eleggere il proprio Presidente della Repubblica. La partita continua a essere giocata come una sorta di burla in cui ognuno vota un personaggio noto o defunto; senonché durante una votazione, accidentalmente, tutti si accordano sul nome di Giuseppe Garibaldi. Quello con cui non si era fatti i conti è che quel nome e cognome è stato ereditato da almeno cinque italiani. E proprio Peppino si fregia di quel nome e dell’età giusta per ricoprire la carica di presidente. Eletto suo malgrado, viene prelevato dalle sponde del fiume e condotto a Roma. I partiti, colti alla sprovvista da un’elezione imprevista, contano su una rinuncia spontanea, data la palese incapacità di questo Giuseppe Garibaldi a ricoprire l’impegnativa carica, ma Peppino spiazza tutti e alla fine accetta. Al suo fianco a fare le veci del se-

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Scenografia: Paola Comencini Costumi: Alberto Moretti Interpreti: Claudio Bisio (Peppino), Kasia Smutniak (Janis), Beppe Fiorello (Politico con pizzetto), Remo Girone (Morelli), Massimo Popolizio (Politico ruspante), Cesare Bocci (Politico bello), Omero Antonutti (Segretario generale), Michele Alhaique (Piero), Franco Ravera (Luciano), Patrizio Rispo (Generale Cavallo),Gianni Cavina (Signor Fausto), Piera Degli Esposti (Madre di Janis) Durata: 100’

gretario di stato sulla sedia a rotelle e colto un giorno sì e l’altro pure da continui infarti, un’avvenente vice segretario, Janis, che tenta invano di imporgli un rigore istituzionale. All’inizio le gaffes all’ordine del giorno, per l’incapacità di rispettare qualunque protocollo, mettono seriamente a repentaglio la credibilità internazionale. Tuttavia, inaspettatamente, in seguito ad alcune scelte fatte per spontaneo amore per il prossimo, come invitare al Quirinale i barboni, giocare con i bambini in ospedale, rifiutando favori e raccomandazioni anche per i suoi familiari, ma soprattutto rifiutandosi di firmare tutte le leggi non scritte in modo chiaro, riesce a conquistare i cittadini. Tutto questo lo porta gradatamente a una clamorosa popolarità, tale da spiazzare gli stessi partiti in Parlamento. Questi ultimi, allora, ricorrono ai servizi segreti per infangarlo e poi farlo fuori, ma non ci riescono per una serie di vicissitudini e casualità e anche per la loro scarsa popolarità in rapporto a quella dell’immacolato Peppino. Che però scoprirà, alla lunga, che nessuno è perfetto e che un candore totale non può essere vantato neppure a livello personale, con 3

la conseguenza che i comportamenti troppo virtuosi non sono a loro volta credibili, né sostenibili. Infatti s’innamora di Janis e rinuncia al mandato per tornare nel suo paesino. Ritornato alla sua vita, racconta la propria storia ai concittadini, prima che gli arrivi una telefonata…questa volta, però, dal Vaticano. uella scattata da Riccardo Milani, regista di Benvenuto Presidente! sembra la perfetta fotografia della situazione che il nostro Paese sta affrontando in questo periodo, ovvero l’ingovernabilità e l’impresentabilità di molti esponenti che siedono a Montecitorio. Soggetto indovinato, quindi, seppure dal messaggio forse un po’ sempliciotto, ma che, nell’attuale vergognosa situazione politica, non può non arrivare bello diretto alla gente. Puntando non sulla satira esasperata come ha fatto poco tempo prima Albanese, ma più che altro sul macchiettismo e sui bozzetti, Milani scade purtroppo nella facile commediola, se non nella risata forzata, che assomiglia tanto alle esibizioni di Zelig. Non a caso interprete è Claudio Bisio, mattatore assoluto del film,

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Film protagonista inarrestabile e irrefrenabile, sempre pronto alla battuta e all’azione, con camaleontiche capacità e tempi comici che ben conosciamo. Bel lontano dall’interpretazione del simpatico Benvenuti al sud questa volta l’attore, “presidente per caso”, incarna alla perfezione l’uomo qualunque che si ritrova catapultato nella sala dei bottoni, dove le sue regole, quelle di onestà e coerenza, valgono a poco, in un ambiente oramai assuefatto a intrighi e sotterfugi, senza i quali si rischia l’immobilismo. E dunque si reinventa e armandosi di buon senso e fantasia, si mette dalla parte dei cittadini. I suoi atteggiamenti sono spontanei e istintivi. Basterà citare l’incredibile corsa sui pattini nelle stanze e sulle scalinate del Quirinale, o la corsa con la bandiera in mano e il cappello da bersagliere per capire di cosa parliamo. Ma il regista propone un programma di rieducazione civica e responsabilità civile per un paese in cui le nuove generazioni san-


no che va avanti solo chi ha le giuste conoscenze o raccomandazioni varie. Così abbiamo un paese diviso tra onesti puri o per mancanza di alternative e furbetti, tutti pronti, soprattutto questi ultimi, a scagliarsi con chi ci governa, dimenticando spesso che rispecchiano in tutto e per tutto ciò che molti di noi sono. Così attraverso la metafora dell’uomo qualunque, costretto a misurarsi con i gravosi compiti che il ruolo prevede, Peppino Garibaldi si trova a incarnare tutto il popolo italiano, seduto attorno alla tavola apparecchiata e davanti alla televisione accesa, che si piange addosso e scaglia invettive contro una classe politica marcia. Come un mattatore prima raccoglie consensi, nonché miliardi di euro da Cina e Brasile, ma che poi fisiologicamente abbocca all’amo come tutti gli altri. Alla fine, non può che affidare la morale al sermone declamato in Parlamento, prima di dare le dimissioni e auspicare un successore

adatto e competente. Simbolica la trovata dell’improbabile “commissione politica” che vede all’opera quattro personaggi davvero particolari: il regista Pupi Avati e Lina Wertmuller da una parte e il docente di cinema Gianni Rondolino e Steve Della Casa dall’altra. Accanto a Bisio c’è una nuova partner, Kasia Smutniak, che finalmente trova un ruolo comico che le si addice, rubandosi la scena in occasione della cena con i cinesi (in cui viene servita pizza con marijuana al posto dell’origano), in cui imbraccia una chitarra e canta l’“inno” Comandante Che Guevara. Tra le altre performance attoriali è da citare Beppe Fiorello che interpreta di un infido politico, Piera Degli Esposti nel ruolo della inattesa madre hippie di Kasia, Remo Girone addetto stampa del Quirinale e poi Gianni Cavina nei panni ingrati del traffichino signor Fausto. Veronica Barteri

LE STREGHE DI SALEM (The Lords of Salem) Stati Uniti, Gran Bretagna, 2012 Regia: Rob Zombie Produzione: Jason Blum, Michael Brigante, Andy Gould, Oren Peli, Rob Zombie, Steven Schneider per Alliance Films, Automatik Entertainment, Blumhouse Productions Distribuzione: Notorius Pictures Prima: (Roma 24-4-2013; Milano 24-4-2013) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: Rob Zombie Direttore della fotografia: Brandon Trost Montaggio: Glenn Garland Musiche: John 5 Scenografia: Jennifer Spence Costumi: Leah Butler Effetti: Craig A. Mumma

eidi è una deejay radiofonica con un passato da tossicodipendente, che assieme a Whitey e Munster Herman, forma il Big H Radio Team, famosa trasmissione di Salem. La ragazza, un giorno, riceve in redazione una misteriosa scatola di legno, che contiene un disco in vinile di un gruppo chiamato “I signori”. Lei pensa che si tratti di una rock band che vuole pubblicizzare la sua musica. Mentre Heidi e Whitey ascoltano il disco, questo inizia a suonare al contrario e Heidi ricorda, in flashback, un trauma passato. In seguito, Whitey durante la trasmissione mette il disco dei Lord, battezzandoli “The Lords of Salem” e, con sua grande sorpresa, il disco ottiene un enorme suc-

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Interpreti: Sheri Moon (Heidi Hawthorne), Bruce Davison (Francis Matthias), Jeffrey Daniel Phillips (Herman Whitey Salvador), Ken Foree (Herman Jackson), Dee Wallace-Stone (Sonny), Patricia Quinn (Megan), Maria Conchita Alonso (Alice Matthias), Barbara Crampton (Virginia Cable), Judy Geeson (Lacy Doyle), Torsten Voges (Conte Gorgann), Meg Foster (Margaret Morgan), Dustin Quick (Madre Masie), Niko Posey (Cerina Hooten), Bonita Friedericy (Christina), Brandon Cruz (Ted Delta), Gabriel Pimentel (Creatura), Ernest Thomas (Chip Freakshow McDonald), Suzanne Voss (Elizabeth Jacobs), Michael Shamus Wiles (Jarrett Perkins), Michael Berryman (Virgil Magnus), Brynn Horrocks (Mary Webster) Durata: 101’

cesso presso gli ascoltatori. Ogni volta che Heidi però ascolta quel brano inizia ad avere terribili visioni. Arriva un’altra scatola di legno per i Big H da parte dei Lords, con biglietti gratis, poster e dischi, per organizzare un concerto a Salem. La strega Margaret Morgan, quando nel 1692 venne brutalmente giustiziata insieme alle sue sorelle streghe, proclamò la sua maledizione su tutte le donne di Salem del futuro e in particolare sulla stirpe femminile del reverendo Hawthorne, responsabile della loro uccisione. La messa in onda dell’inquietante musica ha riportato in vita una maledizione che si era assopita, dando il via non solo al risveglio delle forze sataniche insite nelle donne in ascolto, ma 4

anche al ritorno di Satana, destinato a venire generato dal ventre della prescelta Heidi, discendente del reverendo. Ha inizio la maledizione della strega Morgan e la discesa agli inferi della povera Heidi e di tutte le donne che, ascoltando la canzone trasmessa alla radio, riconoscono l’antico richiamo al raduno della congregazione delle streghe di Salem. A nulla serve l’interessamento di Whitey, che cerca in tutti i modi di stare vicino alla ragazza, né di uno studioso e scrittore, Francis, direttore del museo delle cere, che trova informazioni sui misteri di Salem e delle streghe e cerca di mettersi in contatto con Heidi. La ragazza è protetta dalle tre sorelle, inquiline del palazzo, che sono a loro

Film volta streghe devote di Satana. Dopo l’incontro e l’unione di Heidi con il caprone, arriva il giorno dell’atteso concerto, a cui partecipano tutte le donne della città. A casa di un’enorme rogo moriranno tutte, ma non verrà mai più ritrovato il cadavere di Heidi. opo aver omaggiato il cinema horror americano anni ’60 e ’70 con pellicole quali La Casa dei 1000 Corpi , La Casa del Diavolo , il remake di Halloween, oltre al divertente film d’animazione The Haunted World of El Superbeasto, Rob Zombie si rifà stavolta alle suggestioni del cinema europeo, imitando, tra gli altri, i nostri Lucio Fulci, Mario Bava e Dario Argento. Il regista attinge però sempre da una tradizione americana: quella delle streghe del Massachussets. Il merito di Zombie è quello di riuscire a creare un’atmosfera lugubre, malsana, angosciosa, che riesce a provocare turbamento nello spettatore, ricorrendo anche a immagini raccapriccianti. Il costrutto narrativo di Le streghe di Salem è semplice e immediato, fin troppo prevedibile e gli effetti, a volte davvero artigianali, non riescono sempre ad avere quell’impatto visivo che il regista vorrebbe e risultano persino ridicoli e fumettistici. Ciò che avviene sullo schermo rimane in su-

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perficie, senza alcun coinvolgimento emotivo. Molte, troppe, le sequenze che, se introdotte in modo diverso, sarebbero risultate assai più inquietanti. Il film prova ad essere un horror psicologico, ma i risultati non sono affatto soddisfacenti. Si fa un grande affidamento sulla tensione, ma a tratti la pellicola risulta persino noiosa. Di violenza ce n’è poca, e, quando c’è, spesso avviene fuori inquadratura. E persino le creature deformate, i “mostri” che dovrebbero apparire tanto angoscianti, sono quasi comici. L’inizio è promettente, ma poi si evolve in una sequenza di scene e di fotogrammi blasfemi, che puntano più allo shock visivo fine a se stesso, che al veicolare qualcosa di realmente funzionale alla vicenda e al dipanarsi della trama. Il tutto in un climax ascendente fino agli ultimi dieci, quindici minuti che conducono all’incomprensibile sequenza finale: donne nude, caproni, preti che masturbano dei falli finti, croci, immagini di Gesù, pentacoli e tutto ciò che si vede nei videoclip di musica heavy-metal anni ’90. La colonna sonora invece riveste grande importanza, come di consueto nei film di Zombie, fondatore e cantante del gruppo rock-metal White Zombie. In questo caso, la musica viene usata anche come elemento narrativo e filo conduttore della storia, passando dai brani dei Velvet fino al “Requiem” di

Mozart, che annuncia l’apocalittico epilogo. La mutazione in strega di Heidi è fatta di visioni deliranti e incubi reali che Zombie ricostruisce attraverso un’atmosfera disturbata. La casa dove Heidi abita diventa una dimora dannata in cui la padrona di casa con le sue due sorelle sono le custodi e protettrici del misterioso appartamento n.5. Heidi diventa la prescelta, la donna attesa nei secoli per procreare l’anticristo. La sua lenta discesa agli inferi può essere tradotta in maniera semplicistica come metafora nel tunnel della droga, che scopriamo aver fatto parte integrante della vita della ragazza. L’elemento poliziesco, portato avanti dal personaggio che indaga sulle streghe, non ha aggiunto quasi nulla alla trama. Nessuno dei personaggi infatti viene risolto, causa la fastidiosissima impossibilità di partecipare con maggior empatia al film. Sheri Moon Zombie, moglie del regista e musa ispiratrice di tutti i suoi film, recita nei panni della protagonista Heidi. L’attrice è affiancata da un cast di nomi misconosciuti, molti dei quali apparsi in pellicole horror cult anni ’70. Ad esempio Ken Foree, uno dei tre conduttori radiofonici, era tra i protagonisti di Zombie di Romero. Bruce Davison è invece lo scrittore che indaga sui misteri di Salem. Veronica Barteri

L’AMORE INATTESO (Qui a envie d’être aimé?) Francia, 2010 Regia: Anne Giafferi Produzione: Guillaume Renouil, Thierry Bizot, Emanuel Chain per Elephant Story, in coproduzione con France 3 Cinéma, Parabole Films, Les 3 Biz, Belvision France, Gpb, Oddo, con la partecipazione di Canal+ Et Cinécinéma, France Télévisions Distribuzione: Microcinema Prima: (Roma 21-3-2013; Milano 21-3-2013) Soggetto: dal romanzo “Catholique Anonyme” di Thierry Bizot Sceneggiatura: Anne Giafferi Direttore della fotografia: Jean-François Hensgens Montaggio: Christophe Pinel

ntoine è un brillante avvocato quarantenne sposato con Claire e padre di due figli che conduce una vita agiata. Dopo il colloquio con un professore del figlio Arthur, con cui negli ultimi tempi ha poco dialogo, Antoine riceve a casa inaspettatamente il volantino di un corso di catechesi. Vinte le resistenze personali, lo scetticismo di Claire e l’ironia degli amici, l’uomo inizia a frequentare il

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Musiche: Jean-Michel Bernard Scenografia: Sylvie Olivé Costumi: Elisabeth Rousseau Interpreti: Éric Caravaca (Antoine), Arly Jover (Claire),Valérie Bonneton (Hortense), Jean-Luc Bideau (Padre di Antoine), Benjamin Biolay (Alain), Philippe Duquesne (Sacerdote), Quentin Grosset (Arthur), Arauna Bernheim-Dennery (Émilie), Agnès Sourdillon (Solange), Guillaume de Tonquedec (Il buon esempio), Joséphine Fresson (Cattolica), Jean-Pol Brissart (Cattolico), Amandine Dewasmes (Cassiera) Durata: 89’

corso, spinto soprattutto da curiosità. Poco alla volta quegli incontri, dopo la derisione iniziale, diventano essenziali per raggiungere un nuovo equilibrio e una nuova serenità. Il percorso intrapreso, aiuta Antoine a modificare le relazioni coi suoi familiari e amici in un ambiente in cui la religione non è tema di discussione. L’uomo si ritrova così a partecipare agli incontri di catechesi 5

di nascosto dalla moglie che comincia a nutrire dei sospetti sul suo comportamento. Oltre a questo, Antoine deve convivere con un rapporto difficile con suo padre e con il fratello Alain, un uomo dalla vita turbolenta. L’unica che sembra non giudicarlo è la sorella Hortense, anima ipersensibile, in cura dall’analista da una vita e sempre alle prese con le sue difficoltà personali, soprattutto in questioni di cuore.

Film Incontro dopo incontro, Antoine comprende molte cose dalle parole del sacerdote, soprattutto sulla difficoltà (sempre maggiore nella società di oggi) di accettare le debolezze che sono parte della natura umana. Un giorno, vincendo le sue resistenze, Antoine entra in una Chiesa e, rimanendo in disparte quasi per vergogna, ascolta una messa. Una sera, decide di fare un passo verso il fratello invitandolo a cena, ma la serata si rivela un disastro perché Alain continua ad avere reazioni rabbiose e comportamenti violenti. Ritenendolo un fallimento nel suo percorso, Antoine decide di non seguire più la catechesi e tenta di riavvicinarsi alla moglie. Ma, qualche tempo dopo, decide di tornare per l’ultima lezione dell’anno. All’invito del sacerdote a esprimere le proprie impressioni sul corso, Antoine prende coraggiosamente la parola e fa un discorso commovente confessando come quegli incontri settimanali abbiano aperto il suo cuore e come sia tornato a emozionarsi nel capire che è umano avere dubbi. Confessa anche di aver imparato da quegli incontri a scendere dal suo piedistallo di uomo borghese, lui che pensava di onorare i suoi compagni di corso solo con la sua presenza, lui che, spogliato della sua “toga” da avvocato, si è sentito davvero nudo davanti ad altre persone. Claire di nascosto ascolta tutto e si commuove. Per strada, Antoine prende Claire sottobraccio e le confessa che d’ora in avanti la domenica andrà a messa. Al rifiuto della moglie a seguirlo, Antoine con un sorriso le suggerisce che potrà usare quel lasso di tempo per fare la spesa. n amore “inatteso” può aiutarci a vivere meglio affrontando le nostre fragilità. Ecco un film che tratta un tema inconsueto con delicatezza, ironia e leggerezza. Già perche L’amore inatteso è soprattutto una piacevole commedia su un uomo folgorato da... Gesù.

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Il protagonista Antoine è un uomo che attraverso la fede ritrova tanto, forse tutto: un abbraccio con il figlio con cui non comunicava più, un rapporto rinvigorito con la moglie, un nuovo dialogo con il padre e forse anche con il fratello “pecora nera” della famiglia. Il film della francese Anne Giafferi ha un grande pregio che lo rende una piccola perla: una profondità lieve, un’apparente contraddizione in termini che ne fa un’opera rara, oltre che di grande attualità in tempi di fresca elezione di un nuovo Pontefice. La regista Anne Giafferi ha scritto la sceneggiatura partendo dal libro di suo marito Thierry Bizot “Catholique Anonyme”, che prende spunto dalla loro vicenda personale. Al marito infatti capitò di aver vissuto un improvviso “rapporto amoroso” proprio con Gesù e la regista visse questa cosa con una velata preoccupazione arrivando anche a confessare di essersi posta un interrogativo: “E se mi scaricasse per diventare prete?”. La stessa regista ha così commentato questo suo esordio dietro la macchina da presa: “È un film che gioca con i cliché e i pregiudizi di cui la Chiesa cattolica è spesso oggetto. Si ironizza garbatamente sui credenti, ma anche su coloro che hanno dei preconcetti nei confronti della religione. Certo il film parla di spiritualità, di interrogativi, di ricerca del senso della vita, ma questi argomenti sono trattati con leggerezza ironia e senza alcun intento di proselitismo”. Davvero, viene da ribattere. In una delle scene più riuscite, la sorella Hortense (una figura decisamente “alleniana” che colleziona disturbi, nevrosi, amori falliti, oltre a anni e anni di psicoanalisi) dice al protagonista: “Ma perché non hai scelto di seguire il Dalai Lama o la Kaballah? Diventare cattolico non è sexy”. Una battuta, questa, che sembra distillare l’essenza della sottile ironia del film: lo stupore, per non dire incredulità, di una donna medio-borghese

alla scoperta della conversione religiosa del fratello, avvocato di successo con bella moglie e frequentazioni mondane. Proprio quelle amicizie un po’ radical-chic che hanno il vezzo di considerare la religione cattolica poco trendy, per non dire del tutto antiquata. Roba da tristi parrocchiani e donnine timorate di Dio, insomma. Ma qui si va oltre, il film è ben più profondo: si toccano temi come la spiritualità, la necessità di andare a fondo e di capire e accettare le debolezze e le fragilità che tutti (nessuno escluso) abbiamo. E infine si parla di quella ricerca del senso della vita con cui ognuno di noi prima o poi impatta. L’amore inatteso è davvero un’opera diversa, fresca nel senso migliore del termine, che tratta un argomento vecchio ma in una luce nuova. E soprattutto lo fa in un tempi in cui il “coming-out spirituale” sembra essere ancora un tabù. Il vero asse portante del film è però qualcosa di più universale che varca i confini della religione cattolica e cioè il bisogno di amore. Tutti i personaggi sono alla ricerca di amore. Il protagonista Antoine ha bisogno di essere amato da suo padre come da suo figlio, sua sorella Hortense cerca l’amore di un uomo, suo fratello il riconoscimento degli altri, sua moglie ha paura che Antoine non l’ami più. Come loro, anche noi tutti abbiamo bisogno di amore e, come loro, a tutti capita, a un certo momento della vita, di aver paura di non essere abbastanza amati. La fede in Dio può essere la risposta a questo bisogno, ci dice la regista. Non a caso la prima domanda posta dal prete al primo incontro di catechesi è: “Chi tra voi vuole essere amato?”. Nella scena del film tutti alzano la mano. Nella vita sarebbe successo altrettanto. Chi di noi non alzerebbe la mano a una simile domanda? Semplice e vero. Chapeau! Elena Bartoni

UN’ESTATE DA GIGANTI (Les Géants) Belgio, Francia, Lussemburgo, 2011 Montaggio: Ewin Ryckaert Musiche: The Bony King of Nowhere Scenografia: Paul Rouschop Costumi: Elise Ancion Interpreti: Zacharie Chasseriaud (Zak), Martin Nissen (Seth), Paul Bartel (Dany), Karim Leklou (Angel), Didier Toupy (Boeuf), Gwen Berrou (Martha), Marthe Keller (Rosa) Durata: 84’

Regia: Bouli Lanners Produzione: Versus Production, Haut et Court Samsa Films, Arte France Cinema, Rtbf Distribuzione: Minerva Pictures Prima: (Roma 31-10-2012; Milano 31-10-2012) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: Bouli Lanners, Elise Ancion Direttore della fotografia: Jean-Paul de Zaeytijd

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Film ue fratelli adolescenti, Zak e Seth, trascorrono le vacanze estive nella casa di campagna dei nonni. Soli, abbandonati da una madre assente, trascorrono le giornate in compagnia di un loro coetaneo, Dany, con cui sperimentano la droga, le armi da fuoco e soprattutto la noia. Sempre in cerca di nuove emozioni i tre ragazzi sperperano tutto il denaro in loro possesso e per questo decidono di affittare la casa dei nonni e di dormire in un rifugio di fortuna. Dany propone come inquilini i datori di lavoro di suo fratello, due loschi individui che trafficano droga. Zak e Seth convinti di aver fatto un affare, accettano. Purtroppo, però, le cose non vanno come sperato: i nuovi abitanti della loro casa si rifiutano di pagare la pigione e li cacciano in malo modo. I tre ragazzi, non sapendo cosa fare, prendono una barca e, dopo aver buttato in acqua il cellulare, navigano lungo il fiume in cerca di nuove avventure.

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es Géants di Bouli Lanners era uno di quei titoli che ogni bravo cinefilo si era appuntato in agenda alla voce “da non perdere”. Una ventina di premi conquistati, fra cui due riconoscimenti al festival di Cannes e gli elogi

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dai critici più esigenti. Insomma una pellicola con tutti gli ingredienti giusti per ingolosire un pubblico alla ricerca di qualcosa di più di un semplice divertissement. Bene, dopo oltre un anno d’attesa, eccolo nelle sale italiane con il titolo Un’estate da giganti. È inutile negarlo, ci si avvicina ad un film del genere con delle aspettative molte alte e, come spesso accade in questi casi, ci si ritrova di fronte a una grossa delusione. Sì, il film che ha fatto spellare le mani per gli applausi e incendiato le penne degli addetti ai lavori, non convince. O, almeno, lo fa solo in parte. L’idea di partenza è raccontare le vacanze estive nella campagna belga di due adolescenti, una sorta di pellicola di “formazione” che, però, si trasforma in un crudo documentario sull’insoddisfazione giovanile. I due ragazzi, più il loro nuovo amico, infatti, non colgono l’opportunità di divertimento nella vacanza, ma coltivano una noia pericolosa. Non sanno che farsene del tempo e lo impiegano in attività distruttive in cui convergono tutte le loro frustrazioni. Il mondo degli adulti è lontano, ma quando fa capolino emerge in tutta la sua grettezza. Una “mostruosità” che non viene colmata neanche dall’unico personaggio positivo, il cui passaggio diventa quasi

un disturbo in una quotidianità d’abbandono consolidata. Ne viene fuori un ritratto spietato e pessimista, non solo di una generazione, ma di un periodo storico in cui l’umanità lascia il posto agli istinti più bassi e, cosa ancor più grave, in cui i ragazzi hanno perso il sapore delle risate. Purtroppo Lanners non riesce a imprimere con la dovuta efficacia questo suo discorso e offre una pellicola debole, soprattutto a livello di scrittura. I molti vuoti narrativi, infatti, non fanno percepire la causa-effetto di determinate azioni, come se tutto fosse già prestabilito. Sarebbe stata opportuna un’analisi più solida dei personaggi, del loro vissuto, per poter comprendere il disgusto, la noia nei loro volti. Ma, si potrebbe azzardare anche un’altra ipotesi, ovvero la scelta consapevole, da parte del regista, di una linea stilistica che apre a più interpretazioni. Pur volendo accettare questa visione il giudizio rimane comunque tiepido. Non bastano il linguaggio sboccato, qualche sottinteso, o i virtuosismi di camera per essere considerati moderni “neorealisti”. Ci vuole ben altro e Lanners, con questa prova, ha dimostrato di essere ancora molto lontano dalla meta. Nonostante i premi vinti. Francesca Piano

BIANCA COME IL LATTE, ROSSA COME IL SANGUE Italia, 2013 Costumi: Gemma Mascagni, Monica Celeste (collaborazione) Effetti: Fabio Traversari, Stefano Marinoni, Paola Trisoglio Interpreti: Filippo Scicchitano (Leo), Aurora Ruffino (Silvia), Gaia Weiss (Beatrice), Luca Argentero (Professore), Romolo Guerreri (Niko), Gabriele Maggio (Proteina), Roberto Salussoglia (Big Mac), Pasquale Salerno (Jack), Michele Codognesi (Sparrow), Flavio Insinna (Padre di Leo), Cecilia Dazzi (Madre di Leo), Ilaria Ingenito (Betta), Eugenio Franceschini (Vandalo), Valerie Sibilia (Madre di Beatrice) Durata: 102’

Regia: Giacomo Campiotti Produzione: Matilde e Luca Bernabei per Lux Vide con RaiCinema Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 4-4-2013; Milano 4-4-2013) Soggetto: dal romanzo omonimo di Alessandro D’Avenia Sceneggiatura: Fabio Bonifaci, Alessandro D’Avenia Direttore della fotografia: Fabrizio Lucci Montaggio: Alessio Doglione Musiche: Andrea Guerra Scenografia: Paola Bizzari

eo è un giovane liceale del terzo anno che ama le chiacchiere con gli amici, il calcetto e vive praticamente in simbiosi con il suo iPod. Le ore passate a scuola sono un vero tormento e, quando arriva un nuovo supplente di lettere, si stupisce nel vedere che questo giovane insegnante è diverso dagli altri. Il Sognatore, soprannome del supplente, li sprona a cercare un proprio sogno da per-

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seguire. Leo ha un sogno: è innamorato di Beatrice, una ragazza più grande di lui di un anno e che vede solo a scuola o alla fermata dell’ autobus. Leo ha anche una compagna di classe che è innamorata di lui da alcuni anni, Silvia, che frequenta spesso e con la quale si confida perché considera un’ottima amica e si rivolge a lei proprio per avere consigli su come conquistare Beatrice. Dopo le vacanze di Pa7

squa, il ragazzo scopre che Beatrice è stata ricoverata in ospedale perché affetta da leucemia. Questo dramma spinge Leo a fare di tutto pur di conoscere la ragazza e continuare a credere nel suo sogno. Scopre così che Beatrice è una bella persona, oltre che una bella ragazza e se ne innamora sempre di più, ma capisce anche che la ragazza non potrà amarlo perché troppo coinvolta nella sua malattia. Nonostante

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tutto, Leo non vuole abbandonare il suo sogno e decide di donarle il sangue e il midollo osseo per fare in modo che lei possa continuare a vivere. Intanto, Silvia, gelosa di Leo e del suo avvicinamento a Beatrice, cerca di impedire che i due siano felici. Il suo comportamento, però, non dura molto e, pentita, decide di aiutare realmente Leo e lo incoraggia così a dichiarare il suo amore all’amata. Beatrice, però, osserva il comportamento di Silvia e Leo insieme e si rende conto che sono fatti l’uno per l’altra. Ormai allo stremo, Beatrice decide di aiutare i due ragazzi e confida a Leo che il suo vero amore è Silvia e non lei. Quando Beatrice muore, Leo si ritrova senza più sogni per cui vivere, ma in compenso trova l’amore di Silvia. l romanzo omonimo di Alessandro D’Avenia diventa un film di Giacomo Campiotti, con Filippo Scicchitano ( Scialla!), Aurora Ruffino, Gaia Weiss e Luca Argentero. Leo è un

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ragazzo di sedici anni che si divide tra la scuola e le amicizie, soprattutto quelle con Silvia e Niko. Per lui la vita ha soltanto due colori e nessuna sfumatura: il bianco del vuoto assoluto e della noia da una parte e dall’altra, il rosso della passione, del sangue, ma soprattutto dei capelli di Beatrice, la donna dei suoi sogni. Bianca come il latte, rossa come il sangue è film diretto a un pubblico di adolescenti, ma che tenta anche di arrivare al cuore degli adulti. Inizialmente commedia, la storia prende man mano le sfumature del dramma, diventando una nuova versione italiana di Love Story. La prima parte, più leggera e scanzonata, non coinvolge come dovrebbe e la voce fuori campo del protagonista non convince. Spesso, nei film italiani, quando gli sceneggiatori lavorano su trasposizioni cinematografiche di romanzi scritti in prima persona, tendono a utilizzare la voce fuori campo, con risultati non sempre buoni. Il film di Campiotti ne è un

esempio lampante. Se una sceneggiatura è ben salda e i personaggi ben strutturati, non si ha il bisogno di usufruire di semplici espedienti; basterebbe una semplice azione, oppure un dialogo tagliente per far comprendere lo stato emotivo del personaggio. La seconda parte del film, vista la tematica affrontata, è più incisiva e vanno a cadere diversi cliché adolescenziali usati precedentemente nella storia. A una prima visione, la gravità della malattia di Beatrice, vista anche la sua giovane età, può coinvolgere emotivamente, ma in seconda analisi risulta trattata in maniera troppo superficiale. Un tema così delicato, è utilizzato in maniera semplicistica e, alcune volte, quasi ridicola. Anche la tecnica del film non è approfondita. La regia è un po’ troppo semplice, quasi mancante, insapore in alcune sequenze, che non sono coordinate fra loro correttamente a causa di un lavoro approssimativo del montaggio. La sceneggiatura è troppo scontata in alcune scene e i personaggi, un po’ banali, raggiungono l’apice della prevedibilità nella figura del professore ‘Sognatore’, deus ex machina idealista che arriva, insegna la lezione al giovane protagonista e poi, sparisce. Tutto sembra confezionato per offrire un prodotto per adolescenti, con tanti stereotipi, seppur tenti una strada tutta nuova. Il film offre, comunque, una vetrina di giovani attori promettenti, fra cui spiccano Aurora Ruffino e Filippo Scicchitano, che accompagnano un bravo Flavio Insinna, un Luca Argentero non troppo in forma e Cecilia Dazzi, qui in un piccolo ruolo. La canzone dei Modà, “Se si potesse non morire”, è solo un espediente per attirare ancor più pubblico. Un film che forse, per la tematica affrontata, sarà sopravvalutato. Elena Mandolini

MELINA – CON RABBIA E CON SAPERE Italia, 2012 Regia: Demetrio Casile Produzione: Eurfilm Distribuzione: Mediaplex Italia Prima: (Roma 29-11-2012; Milano 29-11-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Demetrio Casile Direttore della fotografia: Simone Zampagni Montaggio: Gianmaria Scibilia Musiche: Massimiliano Lazzaretti

Scenografia: Roberto Morea Costumi: Serena Lucisano Interpreti: Giovanna Cacciola (Melina), Antonio Faa (Alfonso), Giada Desideri (Supplente), Alessio Di Clemente (Nicola), Pupi Avati (Se stesso), Antonio Avati (Se stesso), Demetrio Casile (Corrado Alvaro), Cosimo Calabrò (Ragioniere), Giandomenico Gattuso (Ciccio), Davide Maria Bruno (Giuseppe) Durata: 100’

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Film ella piccola realtà locale del profondo sud, in una Calabria ancora forse un po’ dimenticata, vivono i tre ragazzini adolescenti protagonisti di questa storia: Melina, Giuseppe e Ciccio. Carmela, detta Melina è un’aspirante scrittrice che sogna un giorno di diventare famosa e realizzarsi professionalmente, Giuseppe, appassionato di cinema, si fa trasportare nel mondo dei sogni dalle grandi pellicole rubate di nascosto al cinema, mentre il piccolo Ciccio proietta nello sport tutti i suoi più grandi desideri allenandosi instancabilmente per le Olimpiadi. Le vicende dei tre giovani si muovono parallelamente l’una all’altra, ma pur sempre sullo sfondo di quella realtà provinciale del sud, in una continua contrapposizione tra tradizioni e nuove tecnologie, che li protegge e li contrasta senza sosta. Melina è sicuramente protagonista più che gli altri e si rivela il personaggio più forte e solido del film. La ragazza trova continuamente diversi ostacoli lungo il suo cammino in relazione, soprattutto, all’ambiente ostile che la circonda, ma riuscirà a superare tutte le difficoltà senza mai arrendersi e lottando per poter ottenere ciò che ha sempre voluto. La maggiore spinta e forza ad affrontare tutte le avversità proviene dall’apparizione del fantasma di un grande scrittore e poeta calabrese, che, col passare del tempo, diventa guida, confidente e mentore per la giovane nel percorso

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verso la maturità. La vicenda è interamente narrata dal cagnolino di Melina, osservatore esterno, ma pur sempre oggettivo, degli eventi che coinvolgono tutti i protagonisti. Nella cornice di un mondo in cui i pregiudizi spesso superano la realtà e il dato di fatto, questi ragazzi impareranno ad affrontare la vita senza rinunciare ai propri sogni, ma seguendo il proprio cuore e la propria testa sempre con il coraggio e la speranza di poter cambiare. a provincia calabrese non è solo sfondo in questa piccola storia di formazione, ma in un certo senso si pone, o, sarebbe meglio dire, s’impone come quarto protagonista. Luogo tanto amato e anche milieu sociale e culturale che forma profondamente tutti i personaggi rivela tutte le sue debolezze seguendo la vita dei suoi abitanti nello specifico, nel momento in cui i tre giovani decidono di scegliere dei percorsi di vita con la prospettiva di abbandonarlo definitivamente. È così che la dimensione provinciale, nel suo contesto meridionale viene messa in scena con tutte le sue fragilità, diventando il vero antagonista e cercando continuamente di ostacolare i ragazzi proprio durante il passaggio dall’adolescenza alla matura età. Nonostante il riconoscimento dal ministero dei beni culturali come opera di interesse culturale e la partecipazione del regista Pupi Avati e del fratello An-

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tonio, risulta difficile comprendere come sia stata possibile una distribuzione così capillare per un film che non mostra nulla di particolare né sul piano della composizione visuale, né sul piano della narrazione. Risulta ancora più sorprendente il risultato finale visti i precedenti dell’autore Demetrio Casile, pittore regista e professore che da tempo lavora in ambito cinematografico. Nel voler mostrare la provincialità dei personaggi, in realtà, cade spesso nell’errore di luoghi comuni e situazioni artificiose e meccaniche in cui gli attori non riescono a emergere. C’è da dire che i protagonisti sono giovanissimi e quindi sicuramente inesperti, ma il problema si pone anche con gli attori adulti che non riescono proprio a rendere fluida la storia. Per quanto riguarda la composizione scenica invece si rimane sempre su un montaggio e su delle riprese abbastanza banali, che non danno alcun valore aggiunto alla pellicola. L’unica cosa che sembra funzionare è, sicuramente, l’escamotage del canenarratore che cerca di dare al film un’impronta simile alle commedie leggere francesi, ma purtroppo non viene mai aiutato, in questo senso, da dettagli o particolari interessanti, né per quanto riguarda la descrizione dei personaggi, né sulla narrazione dello svolgimento degli eventi del film. Giulia Giletta

UN GIORNO DEVI ANDARE Italia, 2012 Regia: Giorgio Diritti Produzione: Simone Bachini, Giorgio Diritti, Lionello Cerri in collaborazione con Valerio De Paolis per Aranciafilm, Lumière & Co., Rai Cinema, in associazione con Wild Bunch Distribuzione: Bim Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto: Giorgio Diritti, Fredo Valla Sceneggiatura: Giorgio Diritti, Fredo Vala, Tania Pedroni Direttore della fotografia: Roberto Cimatti Montaggio: Esmeralda Calabria Musiche: Marco Biscarini, Daniele Furlati Scenografia: Jean-Louis Leblanc, Paola Comencini Costumi: Hellen Crysthine Bentes Gomes, Lia Francesca Morandini Effetti: Ghost Sfx S.r.l. Interpreti: Jasmine Trinca (Augusta), Anne Alvaro (Anna, mamma di Augusta), Pia Engleberth (Suor Franca), Sonia Gessner (Antonia, nonna di Augusta), Amanda Fonseca Galvão (Janaina), Paulo De Souza (Joao), Eder Frota Dos Santos (Nilson), Manuela Mendonça Marinho (Janete), Federica Fracassi (Suor Teresa), Nilson Trindade Miquiles (Bam-

bino indio sulla spiaggia), Tereza Benevides Schermuly Santos (Arizete), Leonardo Farias Dos Santos (Fabiano), Nilton Avani Rodrigues (Leandro), João Paulo Da Silva Santos (Figlio di Fabiano), Debora Da Silva Medeiros (Donna riunione palafitta), Janio Pinto De Souza (Reginaldo), Sergio Uchoa Lima (Trafficante), Leonardo Fernando Souza Farias (Paulo), Isabel De Assis Miranda (Jeni), Davide Tuniz (Padre Fernando), Tuchaua Alfonso Miniz Miguilis (Capo primo villaggio), Derli Baston Batista (Indio primo villaggio), Aldo Albuquerque (Capo secondo villaggio), Arnoldo Chaves (Prete predicatore TV), Saveriano Pedrosa Moreira (Honorato), Mário Jorge Menezes Gonçalves (Antonio), Marlúcia Bota Araújo (Bambina India maria), Fredo Valla (Padre Mirko), Sara Peixoto Moreira (Donna India villaggio Padre Mirko), Keity Ane Vieira Marialva (Giovane incinta), Josivan Cleto Menezes Barreto (Giovane con moglie incinta), Giovanni Marco Gerbaldo (Vescovo), Marco Cavalli (Italiano), Carlo Ponta (Negoziante), Marco Banal (Direttore banda), Carlos Renee De Souza Fernandes (Giornalista TV), Francisco Mendes de Moura (Politico TV) Durata: 110’

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Film ugusta, trent’anni, è una donna di oggi colpita da avvenimenti che l’hanno prostrata quali la perdita di un bambino, l’impossibilità di averne altri, l’abbandono del marito: ha deciso quindi di tenersi lontano da tutto, alla ricerca di una nuova vita per poter essere un’altra persona o, quantomeno, semplicemente se stessa senza impazzire. La vediamo seguire Suor Franca, un’amica della madre che passa lunghi periodi lontana dal convento della loro provincia del Nord in giro per il mondo ad aiutare gli oppressi, i diseredati di ogni genere, i ragazzi alla deriva. Vediamo le due donne alla guida di un’imbarcazione sul Rio delle Amazzoni a portare viveri, vaccini e medicinali alle popolazioni dei villaggi Indios, da un lato ancora sepolti in un’esistenza poco più che preistorica, dall’altro vessate dai moderni “conquistadores” in caccia di legname, metalli preziosi e aree edificabili per resort a cinque stelle. Augusta però non considera questa strada adatta per ciò che cerca, troppo convenzionale, troppo legata, a suo dire, al proselitismo delle popolazioni “senza Dio”. Preferisce quindi sganciarsi dall’ufficialità rappresentata da Suor Franca per conoscere da vicino la vita terribile delle favelas di Manaus, dove l’essere umano maltrattato da sfruttatori di ogni genere in caccia di bambini utili per adozioni proibite, o per il commercio di organi, vale meno di niente.

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Augusta riesce in questi luoghi a portare aiuto, una presenza umana forte, uno sprazzo di luce e di speranza grazie alle sue iniziative di ogni genere. Per lei però ancora non basta: solo lo sperdersi su coste, territori e atolli isolati, a contatto delle natura più vera e antica sembra darle un po’ di sollievo e domare la sua sofferenza. iorgio Diritti lascia la terra de Il vento fa il suo giro e de L’uomo che verrà, lo studio antropolo gico di popolazioni e comunità stanziali di fronte alla vita e al dolore per prendere una strada fatta di fiume e mare e concentrarsi su di una persona sola, in questo caso alle prese con un soffrire doppio: quello della gente che Augusta incontra lungo il suo cammino e quello proprio, personale, derivato da avvenimenti laceranti, che hanno distrutto la ragazza di prima e preparato la formazione di una donna nuova. Alla base di tutto l’incapacità, l’impossibilità di fornire aiuto da parte delle organizzazioni religiose che, pur animate da buona volontà, possono solo esprimersi in una spiritualità di bandiera e in un proselitismo professionale che non sono in grado di scalfire il muro immane dei problemi delle comunità amazzoniche e dei territori degradati di Manaus. Il film è così la storia di una ricerca, che sia la serenità, o la capacità di gestire le proprie intime sofferenze, o una vita al

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di fuori della materialità occidentale, o, addirittura, qualcosa che possa somigliare alla parola Dio, comunque non si realizza nel trovare alla fine lo scopo di tanto muoversi; non c’è nessun vello d’oro conquistato ma la ricerca stessa è l’oggetto del desiderio e della conquista. Funzionale quindi da parte dell’autore la scelta del corso d’acqua a legare il tutto perchè il tutto diventa possibile in questa dimensione amniotica antimaterna, terribile, dura, violenta ma aperta a verifiche intime e sociali, disponibili a guidarti e sospingerti verso una verità che pur restando solo tua non si solidifica mai, ma ti porta ancora e ancora sempre avanti. La specie di danza che Augusta compie sulla spiaggia dell’ultimo atollo che la accoglie dimostra proprio questo: una circolarità centripeta, adatta a dare all’essere umano (capace di coglierlo) quell’impulso che lo possa portare sempre più a contatto con l’infinito. Nei paesaggi mozzafiato presentati secondo lo spiritualismo antropologico della cinematografia di Malick e di Olmi, il cammino di Jasmine Trinca è ricco di suggestioni, inquetudini e forza sovrumana e dimostra quanto possa essere invincibile la sua strada nel metabolizzare un dolore immenso e quanto profondo il lavoro di un’attrice a contatto con le spinte più autentiche che sorgono da se stessa. Fabrizio Moresco

JACK REACHER – LA PROVA DECISICA (Jack Reacher) Stati Uniti, 2013 Regia: Christopher McQuarrie Produzione: Tom Cruise, Don Granger, Paula Vagner, per Mutual Film Company, Paramount Pictures, Skydance Productions Distribuzione: Universal Pictures International Italy Prima: (Roma 3-1-2013; Milano 3-1-2013) Soggetto: dal romanzo “La prova decisiva” di Lee Child Sceneggiatura: Christopher McQuarrie, Josh Olson Direttore della fotografia: Caleb Deschanel Montaggio: Kevin Stitt Scenografia: James D. Bissell Costumi: Susan Matheson

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na giornata qualunque in una tranquilla cittadina. Cinque persone vengono uccise mentre stanno conducendo le loro vite di tutti i giorni. Le prove sembrano convergere verso un uomo, un ex militare e cecchino ben addestrato. Durante l’interrogatorio il prigio-

Interpreti: Tom Cruise (Jack Reacher), Rosamund Pike (Helen Rodin), Richard Jenkins (Alex Rodin, Procuratore Distrettuale), David Oyelowo (Detective Emerson), Werner Herzog (Zec), Jai Courtney (Charlie), Joseph Sikora (James Barr), Michael Raymond-James (Linsky), Kristen Dalton (Mindy), Alexia Fast (Sandy), Robert Duvall (Cash), Josh Helman (Jeb Oliver), James Martin Kelly (Rob Farrior), Nicole Forester (Nancy Holt), Tammy Felice (Anne Yanni), Scott A. Martin (Wesley), Julia Yorks (Chrissie Farrior), Susan Angelo (Oline Archer), Joe Coyle (Darren Sawyer), Peter Gannon (Archer), David Whalen (Sig. Holt), Alicia Murton (Sig.ra Sawyer) Durata: 131’

niero non rivela nulla ma scrive su un foglio la sua richiesta: “Trovate Jack Reacher”. Ma chi è Jack Reacher? Ex ufficiale della polizia militare, enigmatico e solitario, fedele al suo codice morale, sembra vivere nell’ombra in luoghi imprecisati ed 10

è addirittura difficile dimostrare che sia ancora in vita. Ma è costretto, suo malgrado, a emergere dalle nebbie perché viene tirato in ballo in una fosca vicenda. Quando questi entra in azione, affiancando la polizia nelle indagini, l’accusato è in coma a causa di un pestaggio e il suo

Film avvocato difensore, Helen Rodin, ha molte domande da fare a Reacher: ad esempio perché conosce il suo cliente e perché questi ne ha chiesto l’aiuto. Malgrado i dubbi, l’avvocato ingaggia Reacher come investigatore. A prima vista, sembra che i poliziotti abbiano accuratamente esaminato la scena del crimine e acciuffato il vero colpevole. Ma Reacher che, al contrario, è rapido e attento al minimo dettaglio, pur giocando secondo le sue regole, riesce a evidenziare le più piccole stonature che a altri potrebbero sfuggire. E più approfondisce il caso ne scopre i lati oscuri: nella vicenda è implicato anche il procuratore distrettuale che è però il padre di Helen, l’avvocato difensore. Dunque in questo movimentato viaggio alla ricerca della verità niente è come sembra e dietro agli amici o alla famiglia potrebbero nascondersi dei nemici. Reacher si viene a scontrare con un nemico inaspettato, astuto e molto violento di cui deve riuscire a prevedere in anticipo le mosse. L’aiuto gli viene fornito da Cash, un ex-militare che gestisce un poligono di tiro che, superata una prima diffidenza, suggellerà con Reacher una solida e decisiva alleanza. Dopo uno scontro a fuoco in notturna e all’ultimo sangue i colpevoli sono assicurati alla giustizia ma soprattutto un innocente è salvo. vventura, azione, suspance e un pò di romanticismo. È questa la ricetta base dell’action movie Jack Reacher, eroe nato dalla penna dello scrittore di best seller Lee Child, qui al

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suo primo passaggio sul grande schermo con le fattezze di Tom Cruise. La buona stella dell’attore, reduce da alcuni flop, torna a brillare in un ruolo a lui congeniale grazie a questo movimentato e appassionante film d’azione diretto dal premio Oscar (per la sceneggiatura originale di I soliti sospetti) Christopher McQuarrie. Jack Reacher – La prova decisiva è basato su La prova decisiva, nono romanzo di Lee Child, di sicuro il più cinematografico tra tutti i diciassette libri della serie. Se il titolo iniziale era One Shot, in dirittura d’arrivo la Paramount ha deciso di cambiarlo con il nome e cognome del personaggio, per attirare più pubblico ma, soprattutto, per caratterizzare da subito l’eventuale saga e ciò lascia presagire la messa in cantiere di episodi futuri. Ma torniamo alla domanda di rito. Chi è questo Jack Reacher? Certamente un tipo affascinante perché eccentrico, misterioso, volitivo, solitario, sicuro di sé e animato da un forte senso di giustizia. Un vero eroe che non possiede un cellulare, non ha l’e-mail, paga in contanti insomma totalmente al di fuori degli schemi. Bisogna dare merito al regista e sceneggiatore McQuarrie di essere riuscito a tratteggiare lo spirito del personaggio focalizzandosi su un aspetto importante: i processi mentali che stanno dietro i pensieri di Reacher e che ne sottolineano la forte personalità e il dilemma morale che si trova a vivere. Entra nella storia credendo una cosa e piano piano si rende conto che i fatti e la realtà vanno in un’altra direzione.

Reacher vanta anche un inusuale metodo di combattimento: il Keysi, creato in Spagna e basato sull’istintività naturale in cui si utilizzano gomiti, ginocchia e le leve di peso. Cruise si è allenato sette giorni a settimana per quattro mesi per impadronirsi al meglio di questa tecnica di autodifesa. Grazie agli elementi tipici del thriller, con la giusta dose di tensione, sostenuto da un grande ritmo, la pellicola strizza l’occhio ai classici film d’azione americani ma senza strafare: vedi, ad esempio, l’immancabile e spericolata scena dell’inseguimento in auto attraverso il centro e i vicoli di Pittsburgh dove la storia è ambientata. Quasi obbligata ma felice la scelta di affidare il ruolo a Cruise che aveva già collaborato con il regista McQuarrie per Operazione Valchiria; il nome di Cruise è certamente di grande richiamo sebbene alle volte la sua interpretazione non si discosti molto da quella di Ethan Hunt di Mission Impossible. Lo affiancano l’algida e inespressiva Rosamund Pike (007-La morte può attendere, La versione di Barney) nelle vesti dell’avvocato Helen Rodin, il bravo caratterista Richard Jenkins (una Nomination per L’ospite inatteso) nel ruolo del procuratore distrettuale, il regista-attore tedesco Werner Herzog un perfetto “cattivo” e il venerabile premio Oscar Robert Duvall che è Cash; la sua insolita alleanza con Reacher ci regala uno dei momenti più avvincenti del film. Cristina Giovannini

GLI AMANTI PASSEGGERI (Los amantes passajeros) Spagna, 2013 Regia: Pedro Almodóvar Produzione: Agustín Almodóvar, Ester García per El Deseo S.A. Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia Prima: (Roma 21-3-2013; Milano 21-3-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Pedro Almodóvar Direttore della fotografia: José Luis Alcaine Montaggio: José Salcedo Musiche: Alberto Iglesias Scenografia: Antxón Gómez Costumi: Tatiana Hernández, Davi Delfin (assistente speciale)

n aereo della compagnia Peninsula appena decollato da Madrid per Città del Messico rivela subito un problema a uno dei carrelli, avve-

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Interpreti: Antonio de la Torre (Alex Acero), Hugo Silva (Benito Morón), Miguel Ángel Silvestre (Sposo), Laya Martí (Sposa), Javier Cámara (Joserra), Carlos Areces (Fajas), Raúl Arévalo (Ulloa), José María Yazpik (Infante), Guillermo Toledo (Ricardo Galán), José Luis Torrijo (Dottor Más), Lola Dueñas (Bruna), Cecilia Roth (Norma), Blanca Suárez (Ruth), Antonio Banderas (León), Penélope Cruz (Jessica), Paz Vega (Alba),Carmen Machi (Portiera), Susi Sánchez (Madre di Alba), Pepa Charro (Hostess Piluca), Nasser Saleh (Passeggero), María Morales (Ángeles), Bárbara Santa Cruz (Guillermina), Violeta Pérez (Elvira) Durata: 90’

nuto per la dabbenaggine di due macchinisti al momento della partenza. Il comandante decide di girare a vuoto nei cieli spagnoli in attesa che da terra gli trovino l’ae-

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roporto adatto per un atterraggio di emergenza. Decidono poi, il comandante e il suo secondo, di drogare con i sedativi i passeggeri della classe turistica per evita-

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re scene di panico ad alta quota e tenere sotto controllo la situazione. Il tempo che passa è così occupato dai tre steward omosessuali che approfittano per farsi e rinfacciarsi le loro confidenze, a cui si aggiunge il comportamento bisessuale del comandante, con moglie e figli ma legato a uno degli steward; contemporaneamente affiorano le storie personali dei passeggeri della classe business che interagiscono tra loro e l’equipaggio. Un manager truffaldino è atteso dalla polizia a terra pronta ad arrestarlo ma di questo, in fin dei conti, poco gli importa a paragone del recupero del rapporto con la figlia attraverso delle telefonate struggenti con l’apparecchio di bordo. Un attore libertino è alle prese con il tentativo di suicidio della sua amica (a terra, in città) e il casuale contatto con la sua ex fidanzata da lui tradita e piantata come tutte le altre. Una sensitiva, veggente e infervorata dei suoi poteri riesce a perdere la verginità grazie alle doti erettive di un passeggero della classe turistica pur semiaddormentato per i sedativi. Una ex bellona piena di voglie che esercita da tempo attività sadomaso nel dirigere un gruppo di escort per i piaceri dei potenti è nel mirino di un uomo misterioso che si rivela come killer professionista incaricato di ucciderla da qualcuno che teme i suoi ricatti. Non ci saranno però conseguenze sanguinose perchè i due risolvono ogni problema con una gran botta di sesso sui sedili della prima classe. A questo aggiungiamo due coatti dro-


gati in viaggio di nozze che contribuiscono con dosi di mescalina a irrobustire i cocktail che gli steward servono a tutti per far passare il tempo e la paura, peraltro ammorbidita da sfrenate dosi di sesso. Finalmente l’aereo ha il via libera per atterrare su una pista predisposta per gli incidenti e tutti possono riprendere la propria vita verso il proprio destino. orse Almodovar era a corto d’ispirazione, forse voleva liberarsi delle scorie lasciate dall’ultimo film girato, La pelle che abito, così duro, teso, innervato di ispirazioni neogotiche e di deviazioni di horror puro; ha così pensato di affidarsi ai capisaldi della sua cinematografia sempre rivisitati e riproposti con genialità e immaginazione di film in film per

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esibirceli tutt insieme. Risultato: un festival kitch dell’omosessualità più sgangherata, pacchiana, stupida e, cosa grave, trattandosi di un film, molto noiosa. Forse Almodovar ha voluto esorcizzare i fantasmi che pervadono oggi la Spagna circa i fallimenti individuali e di un’intera nazione sul sociale e i rapporti interpersonali, gli affari, i soldi e le banche, il lavoro e la dignità, i giovani e il futuro per sbatterli tutti insieme in un luogo chiuso e farli esplodere a colpi di sesso. L’arrivo zoppicante dell’aereo sulla pista di schiuma prescelta per affrontare il disastro poi fortunatamente non accaduto, fa così intravedere sale deserte, carrelli ordinati bene in vista senza nessuno che li usi, poltrone vuote senza ospiti in attesa; una vera desolazione, come dire cosa può servire un aeroporto a un Paese agonizzante senza movimenti né traffici né viaggi. Potrebbe essere quindi giusta l’interpretazione che vede i rappresentanti dei vizi capitali raccolti insieme come per salvarli in una rinnovata arca di Noè dove si può fare una sola cosa per passare il tempo in attesa che il diluvio si spenga: sesso, naturalmente e, soprattutto, raccontarlo, più e oltre che farlo, sciorinando situazioni, ricordi, testimonianze, desideri, rimpianti, aspirazioni, pettegolezzi, rivelazioni, confidenze, smancerie, calunnie e smargiassate, tutto intorno a copule frenetiche, gigantesche, ossessive per poter cancellare in un colpo solo i mali di questi naufraghi dell’aria che vorrebbero forse non scendere mai a terra, in pasto ai loro incubi ma rimanere lassù padroni dei loro sogni. Fabrizio Moresco

LA NAVE DOLCE Italia, Albania, 2012 Regia: Daniele Vicari Produzione: Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlotta Calori, Silvio Maselli per Indigo Film, Apulia Film Commission, con Rai Cinema, in co-produzione con Archivio Centrale Statale del Film di Albania, Telenorba, Digitalb Distribuzione: Microcinema Prima: (Roma 8-11-2012; Milano 8-11-2012) Soggetto: Luigi De Luca, Silvio Maselli, Ilir Butka, Antonella Gaeta, Daniele Vicari Sceneggiatura: Antonella Gaeta, Benni Atria, Daniele Vicari Direttore della fotografia: Gherardo Gossi Montaggio: Benni Atria Musiche: Teho Teardo Durata: 90’

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Film l 7 Agosto 1991 il porto di Durazzo in Albania risulta inspiegabilmente aperto (la dittatura di Enver Hoxha non permetteva la libera circolazione per i porti e i luoghi strategici). La notizia si sparge in un lampo per la città e i centri vicini, la gente accorre in massa abbandonando la casa e qualsiasi cosa stesse facendo in quel momento. Una marea di persone si trova al porto mentre il mercantile Vlora, appena attraccato da Cuba per scaricare lo zucchero dei Caraibi, rappresenta la sorpresa magica e improvvisata per potere raggiungere la terra promessa. A migliaia, sembra quasi ventimila, salgono sulla nave ammassandosi in ogni spazio possibile fino a pendere fuori bordo dalle murate e costringono il capitano a prendere il largo verso il porto di Brindisi in Italia. Giunta in prossimità delle coste italiane con il suo carico di profughi praticamente in mutande che comprendeva uomini di ogni età, donne (alcune incinte), bambini e anche qualche criminale è costretta dalle forze costiere italiane a entrare nel porto di Bari, più adatto a controllare la situazione. L’organizzazione locale guidata dal sindaco vorrebbe predisporre una tendopoli al porto per offrire condizioni di assistenza accettabili ma le istruzioni provenienti dal governo centrale di Roma sono ben diverse; tutti gli Albanesi sono così incanalati verso lo stadio dove sono ammassati in condizioni terribili e taglieggiati dai loro stessi compagni criminali che si impadroniscono dell’acqua e dei viveri distribuiti dalla polizia. Entro un paio di giorni i profughi sono di nuovo fatti salire sui

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pulman e condotti al porto o all’aeroporto dove sono imbarcati su traghetti e aerei e riportati in Albania. L’allora Presidente della Repubblica Francesco Cossiga stigmatizza ufficialmente in pubblico il comportamento del sindaco di Bari colpevole, a suo dire, di una sorta di criminale incapacità dimostrata nella gestione di quanto accaduto. aniele Vicari ci dà un’altra dimostrazione dopo Diaz del forte significato che hanno per lui parole come umanità, civiltà, nazione, stato democratico con i mezzi a sua disposizione cioè quelli del cinema. Quindi utilizza immagini di repertorio, spezzoni di girato amatoriale e interviste originali ad alcuni dei protagonisti di quello sbarco per costruire un’opera autonoma nell’ispirazione e nella realizzazione in un racconto di forte impatto drammatico che ci riguarda tutti come appartenenti all’evoluzione storica, sociale e politica di un secolo determinante come il ‘900. La prima parte è concentrata sulla spontaneità della fuga dall’Albania: una massa incredibile di persone fiduciose, allegre, assetate, affamate e in equilibrio precario su una carretta del mare abbraccia l’ignoto pur di rincorrere una speranza, dare corpo alla voglia di un’esistenza civile che in qualche modo, da qualche parte doveva pur esserci per tutti. La parte centrale è tutta concentrata sulla navigazione sotto il sole che ventimila persone sopportano come naufraghi sorretti solo dalla reciproca solidarietà (poi svanita a terra) e dal traguardo da raggiungere.

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La terza parte ha una tonalità in più oltre il dramma, la sofferenza umana, le problematiche sociali, il vuoto delle leggi e dei rapporti internazionali quando gli avvenimenti si colorano di grottesco, un grottesco amaro e vergognoso quando le prime, timide proposte dell’amministrazione cittadina circa l’allestimento di una tendopoli al porto, dove organizzare i soccorsi in maniera più razionale, sono spazzati via dagli ordini perentori provenienti da Roma. L’intervento dello stesso Presidente Cossiga visto a distanza di anni lascia interdetti; non vogliamo dire molto per evidenti motivi, trattandosi per di più di una persona scomparsa, ci limitiamo a esprimere un dubbio: era davvero un Presidente della Repubblica Italiana o un attore a lasciarci così sgomenti di fronte a un senso di responsabilità umana, civile e politica gettato sotto le scarpe? Restano le interviste fatte oggi ad alcuni dei profughi che hanno avuto un destino più fortunato e che ci raccontano quei giorni di caos, paura e violenza con grande autenticità e un profondo senso della vita e dell’ironia. Restano i commenti di chi allora partecipò in prima persona agli eventi di quei giorni: poliziotti, amministratori municipali, gente del porto, gente comune che ha fatto di tutto per esprimere quel senso di responsabilità e serietà civile, senza perdere la testa, per evitare che la barbarie dilagasse e prendesse il sopravvento nell’evanescenza di una rappresentanza istituzionale forte con i deboli e debole con i forti, come spesso accade. Fabrizio Moresco

È STATO IL FIGLIO Italia, Francia, 2011 Regia: Daniele Ciprì Produzione: Alessandra Acciai, Giorgio Magliulo, Carlo Degli Esposti per Passione, Babe Films, in collaborazione con Rai Cinema, Palomar, in associazione con Aleteia Communication, Faro Film Distribuzione: Fandango Prima: (Roma 14-9-2012; Milano 14-9-2012) Soggetto: Roberto Alajmo (dal suo libro omonimo), Massimo Gaudioso, Daniele Ciprì Sceneggiatura: Massimo Gaudioso, Daniele Ciprì, Mirian Rizzo (collaborazione) Direttore della fotografia: Daniele Ciprì, Mimmo Caiuli (collaborazione)

Montaggio: Francesca Calvelli, Francesco Alvigini (collaborazione) Musiche: Carlo Crivelli Scenografia: Marco Dentici Costumi: Grazia Colombini Interpreti: Toni Servillo (Nicola Ciraulo), Giselda Volodi (Loredana Ciraulo), Alfredo Castro (Busu), Fabrizio Falco (Tancredi Ciraulo), Aurora Quattrocchi (Nonna Rosa), Benedetto Raneli (Nonno Fonzio), Piero Misuraca (Masino),Giacomo Civiletti (Giovanni Giacalone), Alessia Zammitti (Serenella Ciraulo), Pier Giorgio Bellocchio (Sordomuto), Giuseppe Vitale (Amico di Nicola) Durata: 90’

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Film eduto nell’ufficio postale in attesa di pagare le bollette, Busu intrattiene i sui vicini raccontando la storia della famiglia Ciraulo. Quella dei Ciraulo è una famiglia povera, in cui gli uomini riescono a mandar avanti le cose recuperando ferro e rame da vecchi scafi dismessi. Nicola è il capofamiglia, figlio di Fonzio e padre del pigro Tancredi. Tancredi è giovane, sembra non avere molta voglia di fare il lavoro imposto dal padre e ama ascoltare le storie che il nonno gli racconta. Nicola detesta il suo modo di fare e vorrebbe che il figlio avesse lo stesso carattere del nipote Masino. Masino vive nell’appartamento accanto, in un condominio della Palermo degli anni Settanta. È un ragazzo sveglio e traffichino che, grazie a un giro d’affari poco chiaro, riesce a guadagnare moltissimo denaro. Accanto a loro tre donne: Rosa la nonna, Loredana la nuora di Rosa e moglie di Nicola e Serenella, la figlia più piccola. Un giorno, mentre Serenella gioca spensierata con le amichette nel cortile del palazzo, viene colpita a morte da un proiettile vagante sparato da alcuni sicari della mafia. La famiglia Ceraulo sembra trovare consolazione solo molto tempo dopo, quando finalmente arriva il risarcimento che lo Stato destina alle famiglie delle vittime della mafia. Dopo aver pagato alcuni debiti che avevano costretto Nicola a rivolgersi agli usurai, l’uomo deci-

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de di “investire” tutto il denaro in quello che secondo lui è un bene necessario alla famiglia: un’auto di lusso. Una sera, di nascosto dal padre, Tancredi prende l’automobile ed esce con il cugino. Un incidente durante il tragitto di ritorno danneggia vistosamente l’automobile. La mattina dopo, accortosi del danno, Nicola aggredisce violentemente il figlio, ma viene ucciso da Masino che intanto era intervento per difendere il ragazzo. Prima che arrivi la polizia, Rosa riesce a convincere tutti ad accusare Tancredi e non Masino perché, dopo la morte di Nicola, è l’unico in grado di assicurare a tutti un discreto benessere. ratto dall’omonimo romanzo di Roberto Alajmo, È stato il figlio è la pellicola firmata da Daniele Ciprì e presentata al 69° Festival del Cinema di Venezia. Palermitano di nascita, Ciprì ha saputo sicuramente riproporre un’immagine di Palermo negli anni Settanta ricca di sfumature linguistiche e caratteri molto precisi (ben interpretati, tra i vari, da Toni Servillo, Aurora Quattrocchi e Alfredo Castro). Quello che più risalta è la capacità di delineare una situazione socio-economica caratterizzata dalla totale estraneità dei personaggi rispetto al resto mondo (si tratta di un’idea esteticamente restituita attraverso l’immagine degli edifici chiusi in cerchio intorno al cortile in cui viene ammaz-

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zata la piccola Serenella). Quello dei Ceraulo infatti è un mondo chiuso in cui le le regole sono dettate da codici completamente diversi. La pratica di mantenersi da vivere rottamando pezzi di ferro e di rame, ad esempio, viene tramandata da generazione a generazione tra gli uomini della famiglia nonostante sia precaria e illegale. Ma questo passaggio di consegne appare culturalmente assodato e socialmente accettato in un mondo in cui la scolarizzazione non esiste e in cui il concetto di lavoro è fondamentalmente legato all’idea di sopravvivenza, piuttosto che a quella di vera attività produttiva finalizzata al recupero di beni primari e, volendo, anche superflui. Basti ricordare che alla fine sarà proprio grazie ai sui traffici loschi che Masino verrà investito del ruolo capofamiglia con l’obbligo, appunto, di occuparsi del benessere di tutti i suoi familiari. Si tratta di una situazione collocata nei “lontani” anni ’70-’80, ma che potrebbe essere rivista attraverso gli occhi della contemporaneità. Alla fine quello che non convince è proprio la fotografia firmata dallo stesso Ciprì. Tecnicamente è uno degli aspetti migliori del film, ma purtroppo restituisce l’immagine di una città del Sud Italia afosa e deprimente di cui negli ultimi tempi il cinema italiano sembra abusare un po’. Marianna Dell’Aquila

TROPPO AMICI – PRATICAMENTE FRATELLI (Tellement proches) Francia, 2009 Regia: Eric Toledano, Olivier Nakache Produzione: Quad+One, Studio 37, Mars Film e Tf1 Films Productions, con la partecipazione di Canal+ e Cinécinéma, in associazione con Cinemage 3 Distribuzione: Moviemax Prima: (Roma 6-12-2012; Milano 6-12-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Eric Toledano, Olivier Nakache Direttore della fotografia: Rémy Chevrin Montaggio: Dorian Rigal-Ansous Musiche: Frédéric Talgorn Scenografia: Hervé Gallet Costumi: Caroline de Vivaise

a vita di Alain, ex animatore di un Club Med, ora disoccupato, e Nathalie, proprietaria di un su permercato, scorre nella “tranquillità” e il disordine quotidiano, scandito dall’irrequieto figlio Lucien e il neonato Prosper. Invitati alla cena settimanale del sabato a casa del fratello di lei, l’avvo-

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Interpreti: Vincent Elbaz (Alain), Isabelle Carré (Nathalie), François-Xavier Demaison (Jean-Pierre), Audrey Dana (Catherine), Omar Sy (Bruno), Joséphine de Meaux (Roxane), Jean Benguigui (Prosper), Max Clavelly (Lucien), Lionel Abelanski (Charly), Renée Le Calm (Geneviève), Catherine Hosmalin (Nicole), Talina Boyaci (Gaëlle), Lizzie Brocheré (Clara), Arsène Mosca (Patrice), Laurence Février (Colette), Jean-Pierre Clami (Étienne), Laurentine Milebo (Fatou), Alain Guillo (Jérôme Lefèvre), Eric Naggar (Sig. Kadoche), Matthieu Boujenah (Lucien adulto),Valérie Karsenti (Chantal) Durata: 102’

cato Jean-Pierre, i due sembrano seguire la vita che scorre davanti ai loro occhi. Ma questo sabato all’ennesima riunione di famiglia, a cui partecipa anche la più giovane sorella di Nathalie, Roxane, con la sua nuova fiamma Bruno, qualcosa porterà inevitabilmente Alain all’esasperazione, al punto di arrivare alla decisio14

ne di separarsi dalla moglie al ritorno a casa. Col trasferimento temporaneo dal padre, Alain, comincerà una sorta di percorso verso la maturità e l’età cosiddetta adulta, non solo per quanto riguarda l’ambito professionale, ma anche a livello emotivo, soprattutto, scoprendo le difficoltà e l’impegno del ruolo del genito-

Film re. Ma la cena non è semplicemente lo snodo cruciale nella vita di Alain; in effetti, porta grandi e piccoli cambiamenti nella vita di tutti i personaggi del film. La famiglia di Nathalie, così fortemente legata mostra tutte le fragilità dei legami, a partire dal matrimonio “perfetto” di Jean Pierre, che viene costretto ad aiutare una banda di piccoli delinquenti di quartiere per sopperire alle spese economiche della moglie Catherine. Per non parlare di Roxane, emotivamente instabile e incapace a instaurare un sano rapporto sentimentale è ossessionata dall’idea del matrimonio e della gravidanza, al punto di proporre al povero Bruno, dottore di colore, appena conosciuto, di voler avere un figlio da lui. Attraverso le diverse vicende che si incrociano tra loro ci si scontra, inoltre, con culture luoghi e vissuti opposti, in uno scenario in cui ognuno dei personaggi, con la sua storia e con il suo percorso, arriverà a scoprire qualcosa di nuovo su sé stesso e sul mondo che lo circonda, arrivando, infine, a


un vero cambiamento e una crescita insieme agli altri. opo il fortunato Quasi amici del 2010 i due autori Eric Toledano e Olivier Nakache hanno voluto rischiare e proseguire sullo stesso filone della commedia a sfondo familiare. Il rischio era, però, molto alto visto il grande successo della precedente pellicola. Il film è una commedia leggera e piacevole, anche se molto spesso risulta difficile seguirla in maniera lineare, poiché le varie ministorie nella narrazione si incrociano, ma non in maniera naturale, spesso un po’ forzatamente. In particolare lo svolgimento e il finale risultano quasi inconcludenti. Ogni personaggio ha un suo percorso e una sua evoluzione metaforica verso il raggiungimento della matura età, non solo anagrafica, ma, di frequente, durante la visione del film le dinamiche sfuggono e sembrano mancare dei pezzi al puzzle. In alcuni punte, si ha come l’impressione che la fretta di chiudere, le storie e il film, fosse an-

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data a scapito di una maggiore chiarezza nella trama. Non mancano momenti esilaranti e freddure che ricordano quelle che hanno contraddistinto il film precedente; il tutto corredato da un’eccellente direzione degli attori che riescono a muoversi con disinvoltura e naturalezza sulla scena. Inoltre, è da notare come la pellicola non tocchi soltanto tematiche legate al percorso individuale dei protagonisti, ma anche grandi temi del nostro tempo quali il razzismo, tramite il personaggio di Bruno, medico di colore scambiato di continuo per barelliere, infermiere o magazziniere, oppure l’integrazione culturale attraverso l’opposizione della comunità ebraica in casa di Catherine e la famiglia indiana ospite in casa di Nathalie. In definitiva, un film che si lascia guardare con serenità e senza impegno, facendoci dimenticare i problemi e consentendoci un vero momento di stacco e di divertimento leggero, veloce e mai scontato. Giulia Giletta

IL CECCHINO (Le guetteur) Belgio, Francia, Italia, 2012 Regia: Michele Placido Produzione: Babe Films, Climax Films, Filmarno, in associazione con Ran Enter tainment, in coproduzione con Studiocanal, France 2 Cinema, Appaloosa Films, Apidev 2010, Rai Cinema, Rtbf, Casa Kafka Pictures & Movie Tax Shelter Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 1-5-2013; Milano 1-5-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Cédric Melon, Denis Brusseaux Direttore della fotografia: Arnaldo Catinari Montaggio: Sébastien Pranère, Consuelo Catucci Musiche: Nicolas Errèra, Evgueni Galperine, Sacha Galperine Scenografia: Jean-Jacques Gernolle Costumi: Virginie Montel Effetti: Georges Demétrau Interpreti: Daniel Auteuil (Capitano Mattei), Mathieu Kassovitz

arigi, oggi. La squadra anticrimine del Capitano Mattei sta per mettere le mani su una banda di rapinatori che nel corso dell’ultimo anno e mezzo ha realizzato una quindicina di colpi soprattutto ai danni di banche di Parigi e del circondario. In questa ennesima occasione, però, le cose vanno diversamente: i poliziotti circondano l’istituto, i rapinatori Eric, David, e un altro compagno escono con il bottino trascinandosi dietro Nico ferito in seguito a una sparatoria all’interno della banca con la guardia locale poi uccisa.

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(Vincent Kaminski), Olivier Gourmet (Franck), Francis Renaud (Eric), Nicolas Briançon (Meyer), Jérôme Pouly (David), Violante Placido (Anna), Luca Argentero (Nico), Arly Jover (Kathy), Christian Hecq (Gerfaut), Michele Placido (Giovanni), Hocine Choutri (Zingaro Arnaud), Pascal Bongard (Mitch), Géraldine Martineau (Sonia), Flavien Tassart (Marco Franzetti), Cédric Melon (Poliziotto in motocicletta), Pierre Douglas (Theo), Sébastien Lagniez (Autista della rapina), Yves Girard (Buttafuori di Mitch), Ben Badra (Karim), Tchewk Essafi (Zingaro Angelo), Amandine Noworyta (Ragazzina), Joel Saint Just (Poliziotto dell’hotel), Vinye (Poliziotto della rapina), Stéphane Cohen (Poliziotto bersaglio), Vincent Aguesse (Poliziotto bersaglio), Armel Cessa (Poliziotto bersaglio), Shirley Baltimore (Ragazza nel locale di Mitch), Alex Martin (Taulard) Durata: 89’

Mentre la polizia sta per intervenire, un cecchino appostato sui tetti di un palazzo di fronte abbatte man mano i poliziotti che si avvicinano (senza ucciderli) grazie all’uso di un fucile ad alta precisione. Gli uomini di Mattei sono costretti a fermarsi, i rapinatori rilevano il cecchino, Vincent Kaminski e fuggono dirigendosi da un medico dall’oscuro passato, amico di Eric, Franck, radiato da tempo e ora al servizio del crimine. Nico è operato dal dottore e poi portato in un casale amico per guarire del tutto, mentre il bottino è nascosto in un deposito 15

sotto terra colmo d’acqua. Gli altri si dividono, ma il destino vuole che gli avvenimenti subiscano un brusca accelerata: una soffiata porta Kaminski in carcere mentre un infame agguato uccide in casa la sua avvocatessa Kathy; il bottino sparisce dal nascondiglio e al suo posto è fatto trovare il cadavere di David. Mattei intanto, con l’aiuto di un suo amico nei Servizi ricostruisce il passato di Kaminski (nel frattempo evaso dal carcere): il cecchino e altri due compagni erano utilizzati, in operazioni segrete nei territori caldi del medio oriente, uno di loro

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era il figlio di Mattei, ucciso in circostanze oscure in seguito alle quali Kaminski era sparito nel nulla. Ora Eric e Kaminski capiscono che il traditore che vuole eliminare tutti è proprio Frank, il dottore, sulle cui traccce è anche Nico che nel suo nascondiglio trova una ragazza che il dottore teneva prigioniera per le torture a cui amava dedicarsi; insieme fuggono nei boschi, ma Nico è ucciso da Frank mentre la ragazza riesce a raggiungere la polizia. Un altro tassello è dato dalla rivelazione dell’agente segreto circa l’uccisione del figlio di Mattei da parte di Kaminski che porta il poliziotto a incastrare entrambi: quando finalmente si trovano l’uno di fronte all’altro in una strada di Parigi è Kaminski a uccidere il dottore con una pugnalata in gola e Mattei a permettere a Kaminski di andarsene indisturbato. l nostro Michele Placido è stato “convocato” in Francia grazie ai meriti conquistati sul campo dalla sua lunga militanza come attore e regista (determinante deve essere stato per i Francesi il grande successo, anche da loro, di Romanzo Criminale) per affidargli la direzione di un noir, o meglio, di un polar, come si dice da tempo cioè di un poliziesco e di un noir insieme. Grande onore, considerato il nazionalismo francese e la gelosa custodia di uno dei loro filoni cinematografici più amati, per uno dei cineasti più tipici del nostro cinema e per il suo serio e indubitato spessore professionale. Pensiamo quindi che la fragilità del film, il suo scarso appeal, la qualità complessiva deludente (anche se forse ci aspettavamo troppo, visti i numerosi elementi po-

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sitivi, almeno sulla carta) nasca proprio da tutto questo: il regista italiano si è trovato di fronte a un prodotto già bello e organizzato, scritto e confezionato nei particolari, gli attori già pronti e scritturati con delle idee ben precise su cosa fare e ha potuto mettere di suo ben poco. A ciò aggiungiamo una sceneggiatura molto debole, ridicolizzata da dialoghi banali, offensivi nella loro ovvietà e un montaggio affrettato e privo di idee che svilisce e tronca il ritmo che Placido tenta, evidentemente, in più

di un’occasione, di forzare facendo leva su stacchi improvvisi e sulla recitazione degli attori che non sempre paiono però seguirlo. Le atmosfere sembrano giustamente dipinte, cupe e virate al nerofumo come è stato stabilito che fossero, niente di più, niente di meno, prive di quel senso livido e dilaniante di ambiguità e di morte così affilato da diventare verità. Insomma non abbiamo un Quai des Orfèvres italo francese che avrebbe potuto, dovuto quanto meno pescare nelle radici più profonde del rapporto tra il cecchino e il poliziotto, trarre linfa da quel segreto sanguinoso e malinconico che ha spazzato via le vite di entrambi e che ora li unisce in uno strazio purtroppo mal rappresentato. Delude per la prima volta Auteil, ingrassato e imbolsito da non credere; non ha più nulla del rabbioso sgomento e della violenza morale dei suoi noir precedenti, sostituiti da una fissità immobile, enfiata, priva di struttura e concentrazione. Leggero e impalpabile il supporto di Violante e Argentero; ancora una volta magnifico Olivier Gourmet (si vede che è proprio il suo momento, lo abbiamo visto sublime in Il Ministro) nel disegnare la sadica malvagità fine a se stessa del suo psicopatico senza padrone e senza ideali. Fabrizio Moresco

STUDIO ILLEGALE Italia, 2011 Regia: Umberto Carteni Produzione: Beppe Caschetto per Ibc Movie, Publispei, Madelein Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia Prima: (Roma 7-2-2013; Milano 7-2-2013) Soggetto: dal romanzo omonimo di Federico Baccono “Duchesne”, Francesco Bruni, Umberto Carteni, Alfredo Covelli Sceneggiatura: Federico Baccono “Duchesne”, Francesco Bruni, Umberto Carteni, Alfredo Covelli Direttore della fotografia: Vladan Radovic Montaggio: Cristiano Travaglioli Musiche: Maxi Trusso Scenografia: Andrea Rosso Costumi: Roberto Ciocchi Effetti: Corridori G&A Cinematografica Interpreti: Fabio Volo (Andrea Campi), Zoé Félix (Emile Chomand), Ennio Fantastichini (Giuseppe Sobreroni), Nicola Nocella (Tiziano Tiraboschi), Jean-Michel Dupuis (Antoine de Montcorbier), Marina Rocco (Valentina),Ahmed Hafiene (Raschid), Pino Micol (Severino Carugato), Federico Baccomo “Duchesne” (Intellettuale alla Festa), Isa Barzizza (Zia Emma), Erika Blanc (Zia Marta), Luisella Boni (Moglie di Carugato), Adriano Braidotti (Giovannino), Cyrille Toualy Bonin (Fattorino racchetta) Durata: 90’

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Film ndrea Campi è un avvocato rampante che lavora in uno studio milanese, il cui socio di riferimento è Giuseppe Sobreroni. Andrea non ha una vera vita sentimentale, le sue conquiste sono piuttosto “snack sessuali” consumati nello spazio di una notte. Ma, improvvisamente qualcosa cambia: un suo collega si getta dalla finestra (precipitando sul tettuccio dell’elegante utilitaria di Andrea, appena arrivato nel parcheggio dell’ufficio) e quello che potrebbe sembrare una tragedia si trasforma in possibilità. Il lavoro che stava seguendo il collega, viene affidato ad Andrea. Si tratta dell’acquisizione di una ditta farmaceutica di Pinerolo da parte di una multinazionale di Dubai. Affiancato dal giovane praticante Tiziano, che istruisce a come diventare uno squalo, Andrea inizia a lavorare sul contratto di acquisizione in modo sbrigativo, facendo il classico copia e incolla di precedenti contratti. Ma, durante la prima riunione, s’imbatte nell’imprevisto: l’avvocato francese della controparte, Emilie, professionista preparata, intelligente e bella che improvvisamente fa crollare tutte le mediocrità di Andrea e le rende pubbliche durante le riunioni, imbarazzandolo e facendolo scendere dal suo podio. Per uno “sciupafemmine” come lui conquistare quella ragazza bella e altezzosa che lo sfida, non ride alla sue battute e sembra immune al suo fascino, diventa una priorità, tanto che anche il suo capo Giuseppe, donnaiolo e volgare, lo sprona a partire all’attacco. I due escono insieme e Andrea scopre una ragazza dolce e affascinante. Nel frattempo, Andrea si reca insieme a Tiziano alla ditta farmaceutica di proprietà di Severino Carugato. Tiziano viene incaricato di svolgere ricerche sullo stato della società e scopre che detiene il brevetto di un’importante nuova scoperta. Lasciato Andrea a lavorare sui documenti della ditta farmaceutica, Andrea torna a Milano dove si lega sempre più a Emilie. La fase finale dell’acquisizione della ditta italiana da parte degli arabi si svolge a Dubai. Nella capitale degli Emirati, convergono tutti gli avvocati e proprio lì, in mezzo al deserto per la firma finale del contratto, Andrea si accorge che Emilie era a conoscenza del brevetto in possesso della ditta farmaceutica. Tornati a Milano, Andrea si rintana in casa solo e depresso. A correre in suo aiuto sono le sue zie, Emma e Marta, che si installano nel suo appartamento. Emilie, dopo un colloquio con Andrea, decide di ripartire per Parigi. Sono proprio le zie a riferire ad Andrea l’orario di partenza del treno della giovane. Andrea non se lo fa dire due volte e, seguendo per la prima volta il suo cuore, raggiunge Emilie sul treno. Tutto a posto, o almeno così sembra. I due sono a Parigi e si baciano seduti in un

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caffè dalla romantica vista sotto la Torre Eiffel. Ma quando Emilie si allontana un istante, Andrea prende in mano il telefono della ragazza e scopre di essere stato raggirato. Mentre abbraccia la sua bella, Andrea resta con un occhio aperto e con più di un dubbio sulla sincerità di quell’amore. n amore vince chi inganna? Ovvero fidarsi o non fidarsi questo è (sempre!) il problema. La domanda fa da sottotitolo a Studio illegale commedia con Fabio Volo firmata da Umberto Carteni. Certo fidarsi non è bene, soprattutto se la storia vede protagonisti avvocati cinici e concentrati solo sulla carriera. Affari economici e affari di cuore, le due cose possono andare a braccetto? È questa la domanda che il film porta avanti fino a un finale (romantico?) sotto la Torre Eiffel. E soprattutto il quesito se ne porta dietro un altro: quanto si può resistere alla condizione di single incallito andando avanti con gli anni? E questo è il vero trait d’union tra il Volo-attore e il Volo-personaggio mediatico (conduttore televisivo, deejay radiofonico, autore di libri) che continua a portarsi dietro la sua fama di single e “sciupafemmine” (o si tratta solo di etichette?). Ma il film Studio illegale prova a fare di più e lo fa proprio a partire dall’omonimo romanzo di Federico Baccomo (in arte Duchesne) che è diventato un piccolo caso editoriale nel 2009 (il libro nasceva a sua volta da un blog di successo). Al ridurlo per il cinema ci hanno pensato il regista Umberto Carteni (che 2009 nel ha firmato Diverso da chi? con la coppia Gerini-Argentero), gli sceneggiatori Francesco Bruni e Alfredo Covelli insieme all’autore del libro. Rimanendo in parte fedele all’anima del romanzo, in film tenta di indagare una categoria professionale poco amata dagli italiani (vedi battuta di un tassista che ha appena trasportato il protagonista e il suo assistente) e di coniugarla con i tempi e i modi della commedia romantica. Ovviamente Volo ci mette lo zampino modellan-

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do la storia sul grande schermo a sua immagine e (presunta) somiglianza. Al di là di un Fabio Volo che ancora una volta interpreta quello che gli riesce meglio (ovvero l’eterno ragazzo affetto da “singletudine” alla ricerca di una maturità che stavolta, almeno nel finale sembra voler arrivare), la vera nota positiva sono gli attori chiamati a fargli da contorno. A parte la fascinosa attrice francese Zoé Félix (già vista nella commedia Giù al Nord), a rubare la scena sono in due: quel talento naturale di Nicola Nocella che sa stupire con quella sua aria da eterno bambinone (che qui trova il suo svezzamento nel ‘vampirismo’ dello studio legale) e un perfetto Ennio Fantastichini nel ruolo del socio capo dello studio (il-legale!), un po’ pallone gonfiato, un po’ gaffeur dalla barzelletta sempre pronta e spesso fuori luogo (ma non ricorda qualcuno?). Vere “perle” sono poi le partecipazioni straordinarie del grande attore teatrale Pino Micol e delle due veterane Isa Barzizza e Erica Blanc nella parte delle “ziette” preoccupate dal fatto che il nostro rampante avvocato non abbia ancora regalato loro un nipotino. La colonna sonora è il vero pezzo forte, nel suo miscuglio di brani famosi inseriti ‘ad hoc’ in scene clou (come la struggente “Dio come ti amo” di Modugno o la bellissima “Woman” di James Brown) con una serie di pezzi composti dall’artista argentino Maxi Trusso. Al di là di questi tocchi riusciti, il film resta però indeciso tra satira sul cinico mondo degli avvocati rampanti della “Milano da bere” e riflessione sull’autenticità dei veri sentimenti. Una commedia furbescamente cucita addosso al suo protagonista che non si solleva da un prodotto medio (anche se con virate verso il basso, quando si mettono in scena, ancora una volta, i soliti uomini maschilisti e ‘volgarotti’ con la fissa del sesso), adatto a passare un’ora e mezza senza pensieri, sorridendo qua e là anche se a denti stretti. Ma nulla di più.

I CROODS (The Croods) Stati Uniti, 2013 Regia: Chris Sanders, Kirk De Micco Produzione: Dreamworks Animation Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 11-4-2013; Milano 11-4-2013) Soggetto: John Cleese, Kirk De Micco, Chris Sanders Sceneggiatura: Kirk De Micco, Chris Sanders Direttore della fotografia: Yong Duk Jhun Montaggio: Eric Dapkewicz, Darren T. Holmes Musiche: Alan Silvestri Scenografia: Christophe Lautrette Durata: 90’

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Elena Bartoni

Film rug è il patriarca di una famiglia di cavernicoli, i Croods. Terrorizzato da ogni forma di pericolo proibisce ai suoi parenti di uscire fuori dalla loro caverna. Questa sua scelta è condivisa da tutti tranne Eap, la figlia adolescente, che vorrebbe scoprire cosa c’è all’esterno. Un giorno, a causa di un terremoto, la caverna viene distrutta e la famiglia costretta ad affrontare il mondo per trovare una nuova dimora. Ben presto incontrano Guy, un ragazzo estremamente moderno che mostra ai Croods come sopravvivere con nuovi e stravaganti utensili. Tutti ne rimangono affascinati, in particolare Eap, ma Grug ha molte riserve. Lo spirito di avventura di Guy, infatti, spaventa molto il capofamiglia che vorrebbe solamente tornare in una buia caverna e riprendere la sua routine consolidata. Durante il tragitto, però, una frana blocca i Croods dentro una cavità. Qui Grung si rende conto che le sue idee sono sorpassate e che è giusto vivere la vita, anche con qualche rischio. Per fare ciò lancia ogni membro della sua famiglia al di là del buco offrendo loro una nuova esistenza a scapito della sua. Tutti arrivano a destinazione sani e salvi, incluso Guy, ma il loro pensiero e’ ri-

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volto a Grug costretto a perire per la loro incolumità. In realtà l’uomo, dopo un primo momento di sconforto, decide di utilizzare il cervello come gli ha insegnato Guy riuscendo a raggiungere i suoi familiari. Riunitisi i Croods continuano la loro marcia fino ad arrivare al mare. Qui costruiscono la loro nuova casa e iniziano a vivere con tutte le “comodità” a cui si sono abituati. ella propria caverna si vive bene. Non ci sono rischi, pericoli o animali sconosciuti. Perché uscire fuori nel mondo con minacce continue a ogni angolo? È questa la filosofia di Grug, il simpatico patriarca della famiglia Croods, protagonista dell’ultimo lungometraggio d’animazione targato Dreamworks. Una visione datata della vita o, meglio, “preistorica”come direbbe qualcuno, ma è veramente così?. Grug, infatti, è un cavernicolo che sceglie la via più semplice per proteggere se stesso e i suoi cari, ma, nel nostro civilissimo mondo postmoderno, siamo così lontani da lui? A pensarci bene, Grug e il suo antagonista concettuale Guy, una sorta di Ulisse ante litteram, rappresentano due tipologie umane che non hanno subito gli effetti dell’evoluzione: la pri-

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ma amante della tranquillità e poco incline al nuovo, la seconda decisamente più intraprendente e attiva. Non a caso la paura dell’ignoto, la sicurezza casalinga in contrapposizione con il pericolo (o semplicemente il progresso) hanno costituito per secoli il rovello di molti intellettuali ed è singolare come una tematica così “calda” diventi il centro di un cartone animato. Stupisce, inoltre, la felice leggerezza con cui viene trattato l’argomento rendendolo interessante per un pubblico estremamente eterogeneo. Chris Sanders e Kirk De Micco, i due registi, inoltre, facilitano la fruizione con uno script veloce, divertente e la giusta dose di situazioni drammatiche. In questo contesto, neanche i personaggi troppo stereotipati, come la figlia adolescente Eap, stonano. Diventano, piuttosto, una simpatica parodia del mondo reale che non cede mai il passo alla banalità. Così come la realizzazione grafica: un perfetto tripudio di colori che prende forma in suggestivi scenari primordiali popolati da curiosi animali e una natura mozzafiato. Uno spettacolo imperdibile per chi ama l’animazione, ma anche per chi, trincerandosi dietro la pigrizia, vive di mille paure e si rifiuta, volendo usare le parole finali di Grug, di “seguire la luce”. Francesca Piano

IRON MAN 3 (Iron Man 3) Stati Uniti, 2013 Regia: Shane Black Produzione: Marvel Studios Distribuzione: The Walt Disney Company Italia Prima: (Roma 24-4-2013; Milano 24-4-2013) Soggetto: dai personaggi dei fumetti creati da Jack Kirby, Stan Lee, Don Heck, Larry Lieber Sceneggiatura: Drew Pearce, Shane Black Direttore della fotografia: John Toll Montaggio: Jeffrey Ford, Peter S. Elliot Musiche: Brian Tyler Scenografia: Bill Brzeski Costumi: Louise Frogley Effetti: Marc Banic, John P. Cazin, Joel Mitchell, David Heron, Alec Muradian, Alec Muradian, Daniel Sudick, Christopher Townsend

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eccentrico e fascinoso inventore Tony Stark che con la corazza di Iron Man ha difeso il bene dal male negli episodi precedenti, ha lasciato con un palmo di naso sul tetto di un ricco grattacielo lo scienziato visionario Aldrich Killian, convinto di poter trattare Tony

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Interpreti: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Don Cheadle (Tenente Colonnello James ‘Rhodey’ Rhodes/War Machine), Guy Pearce (Aldrich Killian) Rebecca Hall (Maya Hansen), Jon Favreau (Happy Hogan), Ben Kingsley (Mandarino), Stephanie Szostak (Brandt), James Badge Dale (Eric Savin), Ty Simpkins (Harley), William Sadler (Presidente Ellis), Yvonne Zima (Miss Elkridge), Dale Dickey (Sig.ra Davis), Ashley Hamilton (Jack Taggert), Wang Xueqi (Dott. Wu), Marco Sanchez (Vice Presidente Rodriguez), Bridger Zadina (Richie),Chris Gethard (Juan), Indra Patel (Jan Georgoh), Noa Lindberg (Michele Cusick), Rustam Branaman (Agente Danbury), Jim Gunter (Sig. Davis) Durata: 109’

Stark alla pari e di portarlo sulla strada delle sue invenzioni. Dieci anni dopo, però, le cose si rivelano ben diverse: Killian ha approfondito gli studi genetici a tal punto che è in grado di far ricrescere le parti del corpo mutilate o ferite in combattimento (e così quelli che la-

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vorano per lui) divenendo pressocchè invincibile; si è quindi alleato con Il Mandarino, un terrorista di origine asiatica (molto somigliante a Bin Laden!) che, dai covi del Pakistan, è in grado di scatenare attacchi terribili alle città grazie all’arsenale messogli a disposizione dall’equipe di Killian.

Film La prima distruzione è la villa panoramica di Stark che lo scienziato aveva spudoratamente pubblicizzato a mezzo stampa indicando la località e il numero civico: per far fronte a questa nuova dichiarazione di guerra dove Tony, che ha a che fare con uomini che si riproducono, armi micidiali e strani esseri che possono trasformarsi in bombe umane, trova aiuto nelle capacità di un ragazzino, Harvey, inventore e scienziato in erba, ma efficientissimo nell’utilizzare tutto il suo armamentario di metallo e di oggetti più svariati. Contemporaneamente Tony è divorato da attacchi di panico e sensi di colpa, aggravati dal fatto che la sua fidanzata Pepper è stata rapita da Killian che minaccia di ucciderla nei modi più spaventosi se Tony/Iron Man non smetterà di porsi in mezzo ai suoi desideri di conquista. Dopo tante sconfitte è giunto il momento per Iron Man di suonare la carica e far terminare le ostilità vincendo su tutta la linea. Con la girandola di esplosioni e di fuochi d’artificio che durano l’ultimo terzo del film, Iron Man distrugge del tutto i suoi nemici riconoscendo il grande aiuto di Harvey (che ricompensa fornendogli del materiale nuovo di zecca per le sue invenzioni). La novità collaterale è che il feroce Mandarino non esiste proprio come tale perchè è un povero attore di terz’ordine che Killian ha ingaggiato come pedina nella sua offensiva di follia genetica. Tutte queste vicende di distruzione e di morte convincono Iron Man di porre fine ai combattimenti e di restare completamente e semplicemente uomo: si libera di tutti i gadget innestati sul suo corpo per essere Tony Stark e basta e godersi la vita in compagnia della sua Pepper. ovremmo essere alla fine dei giochi con questa terza avventura di Iron Man/Robert Downey Jr.: il finale pirotecnico con i colori della bandiera americana, il salvataggio del Paese codificato nelle sequenze dedicate all’Air Force One, l’eliminazione dal proprio corpo di tutti gli strumenti utili per la trasformazione in super eroe e lo spazio maggiore dedicato in questo episodio alla fidanzata Pepper/Paltrow, cui vengono fatte serie affermazioni circa il sentimento che lega entrambi, sono tutti elementi che fanno ipotizzare come il nostro protagonista abbia deciso di servire la giustizia e il bene comune da uomo (e i modi non mancano certo) e non più da super eroe. A questo fine, sono stati predisposti lungo il film tutti i momenti in cui Iron ha

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dimostrato più una capacità maldestra di creare incidenti e guai meccanici piuttosto che un comportamento capace e irreprensibile da eroe senza macchia e senza paura, come se il personaggio stesso volesse convincere il suo pubblico della gran voglia di riappropriarsi di se stesso e di una vita da semplice essere umano. Non dimentichiamo come un attore come Downey più di Super Man, più di Spider e di altri, abbia tenuto il personaggio molto legato al quotidiano, molto terrestre: il suo sguardo disincantato, ironico, pronto a sdrammatizzare e a trovare anche nei momenti più cruciali la forza della presa in giro e il graffio dello sberleffo insieme al fascino da gran piacione stava spesso ad ammiccare: come a dire che il

personaggio prima o poi fosse destinato ad affrancarsi dalla maschera per privilegiare i battiti veri del proprio cuore. Resta il grande sforzo produttivo della Marvel e della distribuzione Walt Disney che non hanno lesinato quanto a investimenti finanziari e sfoggio di intelligenze supertecnologiche non solo nella costruzione di effetti e ambienti superstellari, ma anche nel rendere spettacolare lo spazio occupato da figure e personaggi come lo spaventoso Mandarino di Ben Kingsley e la affascinante cattiveria di Gui Pearce, lo scienziato più pazzo di tutti. Un gran lavoro, una sorpresa continua, un gran bel modo di fare cinema. Fabrizio Moresco

VIAGGIO SOLA Italia, 2013 Regia: Maria Sole Tognazzi Produzione: Donatella Botti per Biancafilm con Rai Cinema, in associazione con Augustus Color Distribuzione: Teodora Film Prima: (Roma 24-4-2013; Milano 24-4-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Ivan Cotroneo, Francesca Marciano, Maria Sole Tognazzi Direttore della fotografia: Arnaldo Catinari Montaggio: Walter Fasano Musiche: Gabriele Roberto Scenografia: Roberto De Angelis Costumi: Antonella Cannarozzi Interpreti: Margherita Buy (Irene), Stefano Accorsi (Andrea), Fabrizia Sacchi (Silvia), Gian Marco Tognazzi (Tommaso), Alessia Barela (Fabiana), Lesley Manville (Kate Sherman), Carolina Signore (Eleonora), Diletta Gradia (Claudia), Henry Arnold (Direttore), Eirik Bar (Berlin Butler), Jacopo Maria Bicocchi (Giovane marito), Aaron Hitz (Cameriere), Fausto Maria Sciarappa (Fabrizio), Gisella Szaniszlò (Giovane moglie) Durata: 85’

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Film rene è una quarantenne, single e senza figli. È un’ispettrice alberghiera che valuta e giudica le prestazioni di hotel di lusso, in incognito. Nella sua vita i punti fissi sono la sorella Silvia, sposata e con figli che le recrimina sempre le sue scelte di vita, e Andrea, un suo ex più giovane e ora migliore amico. La vita di Irene si divide fra Hotel e alberghi di lusso in giro per il mondo. Tutto le sembra perfetto: non le mancano né la famiglia, né un minimo di stabilità. A un certo punto, però, la sua realtà si incrina. Una delle amanti di Andrea resta incinta e lui, improvvisamente, proietta la sua vita sul suo futuro figlio e Irene sente che niente sarà più come prima. Presa dall’ansia, litiga persino con la sorella, per via di un futile motivo. Durante una delle sue ispezioni in un hotel berlinese, conosce un’antropologa con cui stringe amicizia. Purtroppo, la donna muore improvvisamente di infarto e Irene avverte all’improvviso la fragilità della sua vita e che la sua apparente libertà è in realtà una trappola. Tornata a casa, cerca conforto in Silvia, che la rifiuta e, allora, corre da Andrea al quale rivela i suoi timori. I due si lasciano andare e fanno l’amore, ma si rivela solo l’episodio di una notte. Andrea la rassicura: niente cambierà tra loro, neanche con l’arrivo del bambino. Nuovamente serena, Irene riesce a riconciliarsi con Silvia. Ades-

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so, è pronta per riprendere il suo lavoro, valigia alla mano è già in aeroporto per un nuovo viaggio, una nuova ispezione. aria Sole Tognazzi dirige Margherita Buy nel suo nuovo film Viaggio sola . Dopo Passato prossimo, L’uomo che ama e il documentario dedicato al padre Ritratto di mio padre, la Tognazzi ci racconta una storia semplice, uno stralcio della vita di una donna quarantenne e single. Il film è apparentemente elementare ma, in realtà, nasconde un messaggio profondo che, per chi lo saprà cogliere, sarà molto forte. La fragilità della vita, non intesa in senso fisico ma in quello più prettamente psicologico, è fatto di equilibri. È questo il nucleo che la regista vuole sottolineare. Le illusioni della nostra vita, di tutto ciò che riteniamo perfetto in essa, può essere solo un velo che copre delle inquietudini ben più grandi. Viene, quindi, da porsi una domanda: siamo davvero felici, oppure ci illudiamo accontentandoci di quello che abbiamo, dicendo a noi stessi che era proprio ciò che abbiamo sempre cercato e voluto? Irene è apparentemente felice e appagata, anche se i suoi timori sono evidenti dallo sguardo e dal suo portamento. Quella sua finta sicurezza, vacilla proprio quando viene a mancare il suo punto di riferimento: l’affetto del suo amico Andrea. Inoltre, per buo-

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na parte del film, c’è un’altro tema ricorrente: la famiglia. Questa pellicola, girata in sette località diverse, tra Berlino e Marrakech, è una commedia agrodolce che fa riflettere non solo sul senso di libertà, ma sul significato della vita non condivisa. Non sempre, infatti, l’essere single o comunque il non avere dei figli e una famiglia, vuol dire essere soli; la solitudine è qualcosa connessa all’animo umano ed è imprescindibile dalla nostra essenza, anche se siamo circondati da cari parenti. La sceneggiatura, scritta da Maria Sole Tognazzi, Francesca Marciano e Ivan Cotroneo è delicata, spiritosa quando occorre e incisiva nei momenti più seri; davvero ben scritta e senza nessun elemento barocco inutile. Il vero valore dello script di Viaggio sola è sottolineare che quando la protagonista si pone domande, alla fine si dà risposte senza scatenare alcun inferno in terra. Un buon esempio per chi, nei suoi film, fa urlare, correre o imprecare contro il cielo. Nel cast, spicca una bravissima Margherita Buy, accompagnata da un Stefano Accorsi un po’ sottotono, Fabrizia Sacchi, Gian Marco Tognazzi e Alessia Barela. Il film è da vedere se si vuole riflettere sul concetto di solitudine e capire i confini della libertà; un concetto astratto che molto spesso non esiste. Elena Mandolini

THE HOST (The Host) Stati Uniti, 2013 Regia: Andrew Niccol Produzione: Nick Wechsler, Steve Schwartz, Paula Mae Schwartz, Stephenie Meyer, per Nick Wechsler Productions, Chocktone Pictures Distribuzione: Eagle Pictures Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto: dal romanzo “L’ospite” di Stephenie Meyer Sceneggiatura: Andrew Niccol Direttore della fotografia: Roberto Schaefer Montaggio: Thomas J. Nordberg Musiche: Antonio Pinto Scenografia: Andy Nicholson

a Terra è stata assoggettata da alieni denominati Anime che sono simili ai parassiti: si inseriscono all’interno dei corpi degli esseri umani, per poi adoperarli e far soccombere le singole coscienze e personalità. La resistenza è alle corde: tra loro c’è la giovane Melanie Stryder. Nel tentativo di proteggere il fratellino Jamie e il suo ra-

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Costumi: Erin Benach Interpreti: Saoirse Ronan (Melanie Stryder), Jake Abel (Ian O’Shea), Max Irons (Jared Howe), Frances Fisher (Maggie Stryder),Chandler Canterbury (Jamie Stryder), Diane Kruger (Cercatrice),William Hurt (Jeb Stryder), Bokeem Woodbine (Nate), Boyd Holbrook (Kyle O’Shea), Andrea Frankle (Skye), Marcus Lyle Brown (Fords), Scott Lawrence (Doc), Raeden Greer (Lily), Shawn Carter Peterson (Wes), David House (Summers), Mustafa Harris (Brandt), Lee Hardee (Aaron), Stephen Rider (Reed), Phil Austin (Charles), Evan Cleaver (Pavo) Durata: 125’

gazzo Jared, Mel viene catturata e resa schiava da un’aliena chiamata Viandante, che ha vissuto su diversi pianeti assoggettati dalle Anime. Viandante, però, non ha mai conosciuto la razza umana e l’immensa gamma di emozioni che albergano nel cuore dell’Uomo. Infatti, quando Cercatrice, un’Anima che le chiede di assoggettare la personalità di Mel per

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prendere le informazioni sui nascondigli della resistenza, Viandante non riesce a sopraffare la giovane umana. Mel continua a vivere nel suo corpo, nonostante i tentativi di Viandante di “cancellarla” dalla sua stessa mente. L’aliena si ritrova così, a provare le stesse emozioni di Mel, rivivendo i suoi ricordi. Le due, spinte dal desiderio di ritro-

Film vare Jamie e Jared fuggono e vanno nel deserto alla ricerca del loro nascondiglio. Cercatrice, presa dall’ira umana, comincia subito le ricerche di Mel/Viandante. Intanto, le due vengono trovate dalla resistenza, gestita dagli zii di Mel: Jab e Maggie. Non appena si rendono conto che Melanie è stata posseduta dagli alieni, la aggrediscono violentemente, con la sola eccezione di Jab che ne impedisce l’assassinio. Fatta prigioniera della comunità, Viandante, ora chiamata Wanda per volere di Jab, viene inizialmente trattata con estrema ostilità soprattutto da Jared. Gli unici che sembrano avvicinarsi a lei sono Jamie e Ian, un ragazzo attratto e incuriosito da Wanda. L’aliena rivela che Melanie è ancora viva e cosciente e che le due parlano fra di loro per aiutarsi. Wanda e Mel si affezionano l’una all’altra e l’aliena comincia realmente a integrarsi nella comunità, nonché a essere attratta da Ian. Questa integrazione si interrompe quando Wanda scopre che la resistenza cattura gli alieni e li estirpa a forza dai corpi degli umani, causando la morte di entrambe le razze. Intanto, Cercatrice continua la sua ostinata caccia con l’obbiettivo di localizzare Viandante e gli umani, arrivando perfino a uccidere accidentalmente uno dei suoi compagni nel tentativo di sparare a due membri della resistenza. A questo punto, i suoi compagni le fanno notare che tale ostinazione è inutile; i pochi umani rimasti non costituiscono più una minaccia, ma lei decide di insistere ulteriormente in quanto si è resa conto che Viandante ha il suo stesso problema: l’umana che abita si oppone alla sua volontà. La sua caccia si concluderà con la sua cattura e, grazie a Wanda, che spiega agli uma-


ni come liberare le Anime dal corpo umano, riescono ad estrarre Cercatrice, senza uccidere l’umana e l’Anima. Poco dopo, Wanda prende una decisione: vuole liberare Melanie e farsi uccidere, in quanto non trova giusto vivere a spese di altri, pur rendendosi conto che non può vivere senza i suoi amici e Ian. Doc, il medico della resistenza, esegue l’espianto su sua richiesta, ma invece di uccidere Wanda la impianta nel corpo di una delle umane ormai morta. Wanda prosegue dunque la sua vita sulla Terra al fianco di Ian e, alcuni mesi dopo, il gruppo scopre che vi sono altri casi di collaborazione fra umani ed Anime “redente”. eludente e noioso. La trasposizione del romanzo di Stephenie Meyer, The Host, si è rivelata quasi un totale disastro. Solo pochissimi elementi del nuovo film di Andrew Niccol si possono salvare. Dal regista di Gattaca – La porta dell’universo, si sarebbe aspettato un risultato nettamente migliore. Viene da domandarsi cosa pensino i produttori e gli sceneggiatori americani della giovane generazione di oggi. Non è detto che un film per adolescenti debba essere superficiale, pieno di begli effetti speciali, ragazzi prestanti e belle ragazze. I film degli anni Ottanta e Novanta, dedicati ad un pubblico giovane, erano comunque leggibili sotto più punti di vista e analizzabili tramite diverse interpretazioni. I Goonies, Papà ho trovato un amico, Navigator, Breakfast club: tutti film indimenticabili. Con The Host, invece, si tocca il fondo: una sceneggiatura abbozzata, dialoghi scialbi, nessuna analisi introspettiva dei personaggi e la totale assenza di un messaggio forte per il pub-

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blico. Forse, però, i produttori non hanno capito gli adolescenti di oggi. Sia in Italia che in America, infatti, i risultati al botteghino sono stati deludenti, quasi un flop. Un’altra domanda da porre agli sceneggiatori sarebbe: hanno letto il libro prima di dedicarsi alla trasposizione? In diverse sedi è stato detto che The Host fosse un romanzo ben scritto e con una storia notevole, che aveva conquistato anche i detrattori di Edward e Bella. Il rapporto fra Mel e Wanda, il disagio emotivo nel condividere uno stesso corpo, la diffidenza delle due che man mano cede il posto alla stima, alla fiducia e all’amicizia: tutto questo viene solo accennato nel film, mentre nel romanzo sono elementi cardine della storia. Nel film non esiste neanche il contrasto fra Jared e Ian, la difficoltà di Wanda di relazionarsi con la resistenza e l’amare due uomini differenti pur avendo un solo corpo. La sceneggiatura di Niccol si rivela piena di lacune, inesattezze ed errori basilari nella struttura stessa dello script. L’andamento dell’azione è assente e la mancanza di personaggi forti rendono il film davvero noioso. Una nota fortemente negativa è la resa dei dialoghi mentali fra Melanie e Wanda. Nel libro si parlavano nella mente, appunto, ma nel film, per far comprendere se a parlare fosse l’una o l’altra, Niccol riduce Mel a una blanda voce fuori campo, mentre Wanda si gira improvvisamente verso la cinepresa, senza mai fissarla, e comincia a parlare da sola: un risultato ridicolo. Gli unici due elementi che si salvano sono la colonna sonora, in cui spicca la canzone degli Imagine Dragons, e la prova attoriale della brava Saoirse Ronan. Elena Mandolini

I FIGLI DELLA MEZZANOTTE (Midnight’s Children) Canada, Gran Bretagna, 2013 Regia: Deepa Metha Produzione: David Hamilton e Dilip Metha per Hamilton-Metha Productions, in co-produzione con Number 9 Films Distribuzione: Videa Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto: dal romanzo omonimo di Salman Rushdie Sceneggiatura: Salman Rushdie Direttore della fotografia: Giles Nuttgens Montaggio: Colin Monie Musiche: Nitin Sawhney Scenografia: Dilip Metha Costumi: Dolly Ahluwalia

Effetti: Incessant Rain Studios Interpreti: Satya Bhabha (Saleem Sinai),Shahana Goswami (Mumtaz/Amina), Rajat Kapoor (Aadam Aziz), Seema Biswas (Mary Pereira), Shriya Saran (Parvati), Siddharth (Shiva), Ronit Roy (Ahmed Sinai), Rahul Bose (Generale Zulfikar), Charles Dance (William Methwold), Kulbushan Kharbanda (Picture Singh), Anupam Kher (Ghani), Darsheel Safary (Saleem a 10 anni), Soha Ali Khan (Jamila),Anita Majumdar (Emerald), Zaib Shaikh (Nadir Khan), Samrat Chakrabarti (Wee Willie Winkie), Shabana Azmi (Naseem dagli anni ’40 in poi), Sarita Choudhury (Primo Ministro), Shikha Talsania (Alia), Chandan Roy Sanyal (Joe D’Costa) Durata: 146’

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Film ndia 1917. Saleem ripercorre la storia della sua vita, iniziando a narrare dall’incontro del nonno, medico, con la nonna, sua giovane paziente. La storia poi narra di sua madre, terza figlia femmina e dell’amore con un uomo testimone di un omicidio. Del primo matrimonio, fallito, e poi del secondo riparatore, per cui finalmente era rimasta incinta. Bombay, trent’anni dopo. Allo scoccare della mezzanotte, nell’anno in cui veniva dichiarata l’indipendenza dell’India dall’Inghilterra, finalmente Saleem viene alla luce. Ma l’infermiera che si occupa dei due bambini e degli altri “figli della mezzanotte” nati in quella clinica, decide proprio in quell’occasione di fare un gesto rivoluzionario. Imbevuta degli ideali egualitari predicati dal suo amante, che vive in clandestinità, la donna scambia i due bambini nelle rispettive culle, decretando che l’uno vivrà la vita dell’altro. Saleem crescerà così nella famiglia benestante dei Sinai e dovrà confrontarsi con le grandi aspettative del suo presunto padre, mentre Shiva vivrà di stenti, partecipando alle performance dell’artista di strada Wee Willie e di una donna povera morta durante il parto e sviluppando in cuor suo un odio per i ricchi. L’infermiera è convinta di compiere un atto di giustizia sociale, in realtà darà solo luogo a una catena infinita di equivoci e tragedie. Così Shiva, in realtà figlio della povertà, viene allevato da una famiglia benestante. Il destino dei “figli della mezzanotte” si dipana attraverso i decenni in parallelo con quello dell’India, diventandone metafora. Tutti i bambini nati entro la prima ora dallo scoccare della mezzanotte di quel giorno (15 agosto 1947), acquisiscono poteri speciali, delle facoltà inconsuete, che li rendono molto simili a maghi. Il più potente di tutti si rivela proprio Saleem, l’unico in grado di riunire nella propria mente tutti gli altri, consentendo loro di parlarsi come se fossero fisicamente presenti. Dalla forza erculea, alla trascendentale bellezza, dalla facoltà di viaggiare nello spazio tempo, all’invisibilità. A causa di un incidente avvenuto a scuola per cui Saleem viene ricoverato in ospedale, si scopre che il sui gruppo sanguigno è diverso da quello dei genitori. Così il padre, non riconoscendolo come figlio, lo caccia via da casa e il ragazzo viene mandato dalla zia sposata con un generale. Una volta cresciuto, Saleem ritorna a casa e nonostante la disapprovazione del padre, grazie alla madre riesce a rimanere in casa. Intanto imperversano le guerre tra Pakistan e Bangladesh e la casa di

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Saleem viene bombardata. Il ragazzo si salva, ma per un forte colpo in testa perde la memoria. Rimasto solo viene arruolato nell’esercito. Al suo ritorno per caso, incontra Parvati, una delle figlie della mezzanotte, che lavora in un circo ambulante. Vorrebbe rimanere con lei, invece riparte. Intanto Shiva, diventato uno dei pezzi grossi dell’esercito, approfitta della donna e la mette incinta. Al suo ritorno, Saleem decide di rimanere con Parvati e il bambino e la sposa. Presto, però, il loro villaggio viene abbattuto dalle ruspe e Saleem viene preso da Shiva che, scoperta la verità riguardo al suo passato, lo fa imprigionare e torturare. Con la sconfitta elettorale del primo ministro Indira Gandhi, nel 1977, crolla il governo e vengono liberati i prigionieri. Shiva scappando in moto viene investito da un camion, mentre Saleem libero ritrova suo figlio. I figli della mezzanotte è il film epico realizzato dalla regista indiana Deepa Mehta, tratto dal l’omonimo best seller di Salman Rushdie, che in due ore e mezzo circa cerca di raccontare la storia di un paese. La regista, che aveva piacevolmente sorpreso pubblico e critica con la trilogia Fire, Earth e Water, si cimenta in un’impresa non semplice nel portare sul grande schermo le problematiche legate alla sua terra d’origine, da lei lasciata per trasferirsi in Canada, ma mai del tutto abbandonata. Una presenza ingombrante quella di Rushdie, chiamato a firmare anche la sceneggiatura, rintracciabile chiaramente nella narrazione fin dalla prima scena, in cui la voce over introduce lo spettatore nel paesaggio esotico e affascinante che fa da sfondo alla vicenda e poi, di volta in volta, lo accompagna attraverso gli snodi di una storia che prende le mosse dalla vigilia dell’indipendenza dell’India, per concludersi dopo una serie di crisi e di rovesci che porteranno alla nascita del Pakistan e del Bangladesh, territori diventati indipendenti al termine di guerre sanguinose. Un percorso storico ed epocale che la pellicola decide di ripercorrere con stile romanzesco attraverso le vicende private di tre personaggi, uniti dal fatto di essere nati allo scoccare dell’ora fatidica in cui la nazione si liberava dal giogo britannico. C’è molto amore e rabbia da parte di Mehta verso la propria terra, cui risparmia gli eccessi di folklore e di retorica di altre conterranee espatriate in Occidente. La sensazione per lo spettatore è quella di trovarsi in mezzo a un fiume in piena, al quale è più facile abbandonarsi che opporre resistenza. Ed

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è proprio nella prima parte dell’opera, quella in cui la vicenda si mantiene lontano dalla logica del resoconto ideologico e politico, per abbracciare l’umanità tragicomica di Saleem Sinai, il vero protagonista del film, che I figli della mezzanotte esibisce le sue migliori qualità. È qui che il realismo magico, che tanto ricorda Garcia Marquez, giustificato dai poteri sovrannaturali di cui i bambini sono portatori e realizzato con una narrazione sopra le righe, si sovrappone perfettamente con il pittoresco di uomini e donne e con la stravaganza dei loro costumi, oscillando tra la tradizione di famiglie fortemente patriarcali e una grande spinta innovatrice, trasfigurata soprattutto nella volontà di trasgredire le regole per cui Saleem, Shiva e Parvati, seppur naturalmente “diversi”, si muovono all’interno di un contesto per cercare di rimanere se stessi. Una dialettica che sottende gli umori di un paese in fermento, attraversato da una voglia di cambiamento, che le differenze e i contrasti tra i vari personaggi riescono a mettere in campo. L’immagine simbolo del film, più volte ripetuta, è quella del fuoco d’artificio, poiché le storie e la Storia prendono la forma di una continua esplosione, a volte gioiosa, più spesso drammatica. Nella seconda parte del film, quando Saleem è costretto a lasciare l’amata India per andare a vivere in Pakistan, siamo costretti a fare i conti con la tragedia della guerra, l’avvicendarsi dei governi e con il succedersi di finali continuamente riaperti e poi di nuovo chiusi. Il risultato è talvolta schiacciante e di difficile decodificazione; una matassa ingombrante che si dilunga in inutili ripetizioni. Tanti i personaggi, distribuiti in un arco temporale molto ampio, contribuiscono a diluire la forza del film che si perde, con il passare dei minuti, nella grande mescolanza di elementi narrativi. Un maggiore lavoro di selezione avrebbe dovuto forse essere operato sulla sceneggiatura, che ha tentato di far coesistere tutte le suggestioni e le svolte del romanzo di Rushdie in un film che risulta troppo lungo. Anche se la potenza e la sensualità di certe immagini confermano il talento registico di un’autrice che non ha paura di piazzare la cinepresa di fronte alla vitalità di un paese fatto di contrasti e contraddizioni, oltre che di grande bellezza. Deepa Mehta gira, infatti, cercando di sabotare la vocazione letteraria del film, lavorando sui colori iper reali della fotografia, variando le angolazioni delle riprese, alternando la camera fissa con quella a mano e cercando di mantenere il più possibile fuori campo il sangue e la violenza. Tuttavia ciò non le impedisce di impantanarsi con una se-

Film rie di frasi edificanti e giustificatrici, che lasciano fuori qualsiasi riferimento alle differenze religiose, ma inneggiano al pacifismo. La sequenza finale è suggellata dal


trionfo della famiglia “putativa”, che rappresenta una probabile metafora di un India, dove le differenze, pur presenti, riescono a convivere. Alla fine la speranza prevale,

se il cuore è puro e pronto ad abbracciare un cambiamento. Veronica Barteri

UPSIDE DOWN (Upside Down) Canada, Francia, 2012 Regia: Juan Solanas Produzione: Upside Down Films, Les Films Upisidedown, Inc, Onyx Films, Trannsfilm Intl, Studio 37, Kinologic Films (Ud), Jouror Productions, France 2 Cinema Distribuzione: Notorius Pictures Prima: (Roma 28-2-2013; Milano 28-2-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Juan Solanas, Santiago Amigorena, Pierre Magny Direttore della fotografia: Pierre Gill Montaggio: Paul Jutras

n’ambientazione suggestiva fa da cornice a questo film, due mondi Upside Down appunto, uno capovolto sopra all’altro tanto da fungere da cielo stellato. Ognuno ha una propria forza di gravità opposta, ma il peso di un oggetto può essere controbilanciato con la materia del mondo opposto, detta “materia inversa”. I due mondi non sono del tutto staccati. Una grande colonna li collega: è un grattacielo che ospita la potentissima società Trans World. Il “mondo di sopra” è ricco e potente, il “mondo di sotto” povero e degradato. La Trans Word sfrutta le risorse del mondo di sotto per trarne profitti. Nessun abitante di uno dei due mondi può incontrare qualcuno che vive nel pianeta opposto perché, anche se fornito di calamite per essere attratto dalla gravità opposta, dopo poco inizia a bruciare. Il giovane Adam, orfano, abitante del mondo di sotto, ha una sola parente ancora in vita, la zia Ella, che gli svela come un membro della loro famiglia scoprì il potere della polvere rosa di alcune api che provengono dalla montagna su cui lei vive. Un giorno, il ragazzo si avventura sulla montagna tanto vicina al “mondo di sopra” per raggiungerne la cima. Lì incontra una ragazza, Eden, che vive nel mondo di sopra. L’incontro (a testa in giù) fa scattare la scintilla di un amore proibito che, scoperto dal mondo di sopra, provoca un incidente nel quale la ragazza batte la testa. Adam crede di averla persa per sempre. Dieci anni dopo, il giovane vive nel ricordo di quella ragazza e lavora come ri-

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Musiche: Benoît Charest Scenografia: Alex McDowell Costumi: Nicoletta Massone Interpreti: Jim Sturgess (Adam), Kirsten Dunst (Eden), Timothy Spall (Bob Boruchowicz), Blu Mankuma (Albert), Nicholas Rose (Pablo), James Kidnie (William Lagavulin),Vlasta Vrana (Sig. Hunt), Kate Trotter (Becky), Holly O’Brien (Paula), Elliot Larson (Adam a 12 anni), Maurane Arcand (Eden a 10 anni),Vincent Messina (Tommy), (Flynn), Jesse Sherman (Kevin) Durata: 107’

cercatore studiando il polline rosa che la zia gli aveva fatto conoscere. Un giorno in TV, Adam vede Eden: la ragazza è viva e lavora alla TransWorld, ma provare a raggiungerla nel suo mondo è un’impresa quasi impossibile. Il ragazzo, riesce a farsi assumere alla Trans World che si dimostra interessata alla sua ricerca. Ma i diversi piani degli uffici della Trans World sono divisi e le relazioni tra le persone dei due mondi sono proibite. Un giorno, in ufficio, Adam conosce Bob, un collega del mondo di sopra che gli parla attraverso il soffitto trasparente, e gli chiede aiuto per poter accedere di sopra. E così Adam tenta l’impresa: armato di contrappesi per contrastare la gravità, accede agli uffici del mondo di sopra. Ma i pesi hanno una durata limitata a un’ora, dopo la quale il corpo del giovane rischia di bruciare. Adam ha solo il tempo di presentarsi nell’ufficio di Eden e parlarle, ma deve scappare perché ha inizio la combustione. Pochi giorni dopo, Bob viene licenziato. Ma l’uomo decide di aiutare il suo giovane amico lasciandogli il suo badge per accedere agli uffici del mondo di sopra. Assunta l’identità di Bob Boruchowicz, Adam chiama Eden con il telefono di Bob ed è invitato dalla ragazza a pranzare insieme fuori dalla TransWorld. A pranzo, il giovane prova a ricordare a Eden il colpo di fulmine vissuto anni prima ma la ragazza, che non ha memoria, reagisce male. Adam riesce a calmarla e a terminare il pranzo. Subito dopo, il giovane è costretto a scappare perché i contrappesi iniziano a bruciare. Intanto la crema cosmetica che Adam

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ha creato con il suo polline attira l’attenzione dei dirigenti aziendali. Durante una conferenza di presentazione del cosmetico, Eden capisce che il ragazzo con cui ha pranzato non si chiama Bob ma Adam e, sentendosi ingannata, scappa. Adam la rincorre ma il badge di Bob nel frattempo è scaduto e fa scattare l’allarme. I poliziotti lo inseguono e il ragazzo si rifugia a casa di Bob e gli mostra che è possibile miscelare la materia di entrambi i mondi che così può resistere a entrambi i campi gravitazionali. Poi Adam confida a Bob che non ha rivelato l’ingrediente principale della sua crema alla TransWorld, quindi la compagnia non può produrre il cosmetico senza di lui. Il ragazzo chiede a Bob di produrgli un gilè che riduca al minimo le bruciature in modo da incontrare Eden senza prendere fuoco. Tornato al ristorante dove avevano pranzato insieme, Adam ritrova Eden che ora ricorda tutto. Mentre i due ragazzi ballano, la polizia fa irruzione e i due giovani scappano. Adam riesce a tornare nel mondo di sotto. Eden viene arrestata. Ma nel mondo di sotto Adam viene aggredito e viene informato che la TransWorld era disposta a ritirare le accuse se lui avesse rivelato la formula della crema e se avesse rinunciato per sempre a vedere Eden. Adam decide di tornare alla sua vecchia vita, convinto di non potere più rivedere Eden. Ma nel mondo di sopra Eden va da Bob per chiedergli aiuto. Bob va nel mondo di sotto e mostra a Adam che può stare lì senza l’ausilio della materia inversa: Bob ha usato il metodo di Adam per negare gli effetti contrari della gravità. Bob infine dice al ragazzo che ha pagato il bre-

Film vetto della formula prima che lo facesse la TransWorld. Poi Bob fa andare Adam al posto dove incontrava Eden. Qui il giovane vede la ragazza che gli comunica che potranno restare insieme per sempre: lei è incinta di due gemelli e la loro materia contrasta col mondo di sopra. n amore sottosopra. Due mondi rovesciati, due amanti, una sola attrazione, fortissima. Romeo e Giulietta del terzo millennio non vivono il loro amore contrastato da due famiglie in lotta ma da due mondi opposti di segno e polarità. I due immortali amanti di Verona trovano una rilettura fantascientifica in un universo immaginifico fatto di due universi rovesciati uno sull’altro che si prestano a letture simboliche e metaforiche con possibili riferimenti a teorie politico-economiche. Gli opposti dominano l’universo: devastazione contro costruzione, povero contro ricco, sfruttato contro sfruttatore. Nel mondo di sopra ci si serve delle materie prime del mondo di sotto per produrre energia che poi viene rivenduta a caro prezzo agli oppressi: il motore che tutto muove è il profitto, in nome del quale si stritola, si fa violenza, si uccide. Ma è proprio una miracolosa invenzione del giovane e povero protagonista che ne fa l’oggetto dello sfruttamento e del ricatto del

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mondo ricco. La stessa “creazione” riuscirà però a trasformarsi in astuto asso nella manica. Certo, il fatto che si tratti di una crema antirughe ricavata da un magico polline rosa (con cui la zia preparava al protagonista bambino dei pancakes color rosato che farebbero l’invidia di tanti ‘masterchef’ televisivi) è forse un dettaglio un po’ banale e un po’ romanticone, a buon mercato ma poco importa se riesce nell’intento di riunire due amanti. Secondo lungometraggio del regista argentino Juan Solanas (figlio del più noto Fernando E. Solanas, regista del cinema argentino militante), il film colpisce soprattutto per le suggestioni su cui è costruito, in cui è evidente la passione del regista per il lavoro sulle immagini. E proprio qui risiedono i pregi maggiori della pellicola, oltre che nei prodigi tecnici utilizzati per mostrare in contemporanea le persone che si trovano “in piedi” sul soffitto e si rivolgono ad altre persone che sono “in piedi” sul suolo. Un dispositivo chiamato “master slave” (“maestro schiavo”) ha permesso di girare con due mezze scenografie e due macchine da presa con un medesimo movimento di macchina: in sintesi un monitor ha inquadrato due mezze immagini che alla fine ne hanno formata una sola. E così lo schermo è spesso diviso a metà: in basso gli attori sono in piedi, in

alto sono capovolti rispetto allo spettatore. Mai in un film si era vista una cosa del genere. Con una strizzata d’occhio alla tradizione shakespeariana e uno sguardo rivolto in avanti verso i nuovi territori del cinema fantasy, Solanas costruisce una favola moderna che affonda le sue radici nella ragion d’essere del cinema romantico, il sogno impossibile di un amore proibito. Il principio è quello dell’infallibilità dell’amore. Non esistono distanze o forze impossibili da sconfiggere se ci si ama. E i volti dei due protagonisti, l’emergente Jim Sturgess (visto nel fantascientifico Cloud Atlas e in La migliore offerta di Tornatore) e la ‘fidanzata di Spiderman’ Kirsten Dunst sembrano la perfetta reincarnazione di Romeo e Giulietta nel terzo millennio. Il difetto più evidente del film sta in un finale un po’ troppo intriso di melassa, ma è anche vero che il cinema è per antonomasia il luogo del sogno, anzi, secondo gli studi di Christian Metz su cinema e psicanalisi, lo stato psichico più vicino a quello indotto dalla visione di un film non è tanto il sogno quanto la fantasticheria (cioè un fantasma cosciente). Quindi perché rinunciare a un pizzico di fantastica (ma cosciente) evasione soprattutto in tempi bui come questi? Elena Bartoni

LAWLESS (Lawless) Stati Uniti, 2012 Regia: John Hillcoat Produzione: Douglas Wick/Lucky Fisher Productions, Benaroya Pictures, Annapurna Pictures, Pie Films, Blumhansonallen Films Distribuzione: Koch Media Prima: (Roma 29-11-2012; Milano 29-11-2012) Soggetto: dal romanzo “La contea più fradicia del mondo” di Matt Bondurant Sceneggiatura: Nick Cave Direttore della fotografia: Benoît Delhomme Montaggio: Dylan Tichenor Musiche: Nick Cave, Warren Ellis Scenografia: Chris Kennedy Costumi: Margot Wilson

ono gli anni del proibizionismo in America, più precisamente in Virginia. I tre fratelli Bondurant, Howard, Forrest e Jack sono conosciuti a Franklin per commerciare illegalmente brandy. Cricket, loro amico e assistente

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Effetti: Bill Taylor, Mark Stetson, Dick Edwards, Mark O. Forker, DIVE, Talking Bird Pictures, Invisible Effects, Zoic Studios Interpreti: Tom Hardy (Forrest Bondurant), Shia LaBeouf (Jack Bondurant), Gary Oldman (Floyd Banner), Guy Pearce (Agente speciale Charlie Rakes), Jessica Chastain (Maggie Beauford), Mia Wasikowska (Bertha Minnix), Dane DeHaan (Cricket Pate),Chris McGarry (Danny), Tim Tolin (Mason Wardell), Jason Clarke (Howard Bondurant), Lew Temple (Henry Abshire), Marcus Hester (Jeff Richards), Bill Camp (Sceriffo Hodges), Alex Van (Tizwell Minnix), Noah Taylor (Gummy Walsh), Eric Mendenhall (Spoons Rivard), Bruce McKinnon (Jimmy Turner),Toni Byrd (Ida Belle), Joyce Baxter (Zia Winnie) Durata: 120’

grazie alle sue continue invenzioni, riesce a smerciarlo in tutte le forme. In ogni sistema che si rispetti c’è un equilibrio interno alla città; lo sceriffo bonario che non contrasta l’opera dei distillatori che volontariamente decidono di non sottoporsi

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alle lotte interne e alla concorrenza con altri “venditori”. Questo equilibrio si sfalda all’arrivo del nuovo vice sceriffo, il corrotto e efferato rappresentante della legge, Charlie Rakes. Il più grande dei tre fratelli, Forrest , capo del gruppo viene gra-

Film vemente ferito e il più piccolo dei tre Jack deve portare avanti la loro “ditta”. Solo grazie a questo incidente, Jack dovrà superare prove come in ogni rito di iniziazione dei “duri” che si rispetti per guadagnare la fiducia dei fratelli. Nel frattempo, Jack si innamora di una ragazza figlia di un mormone e questo loro flirt porterà alla perdita della sede dei loro affari, la distilleria. Forrest invece ha una relazione con Maggie, la proprietaria del locale in cui si stabiliranno in pianta stabile. Nel duello finale alla fine il cattivo muore, ma è il vero finale che lascia senza parole...

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n gangster movie ambientato negli anni ’30 che funziona per le ambientazioni e per il cast con


ruoli molto azzeccati. Alcune scene fin troppo violente e sanguinolente (eccessive e gratuite davvero) per giustificare l’immortalità di questa stravagante “impresa” familiare. Una concezione dell’eroismo un po’ particolare a commentare il sottotitolo “Quando la legge è corrotta, i fuorilegge diventano eroi”. L’ennesimo film che intende parlare del mondo della corruzione proiettandolo in un’altra epoca. Si capisce bene che la corruzione è un fenomeno che è sempre esistito per l’umanità, ma che vede i protagonisti in una lotta piuttosto personale e familiare contro ogni sopruso. L’essere selvaggio dell’uomo viene sottolineato fin troppo, ma il messaggio che se ne ricava non c’è. La storia è tratta da un romanzo di Matt Bondurant (nipote di Jack). La sceneggia-

tura scritta da Hillicoat insieme Nick Cave che firma anche la colonna sonora del film e segna la terza collaborazione con il regista (dopo il 2005 con La proposta e The road 2009). Un film che arriva direttamente dal festival di Cannes 2012 e che nel complesso funziona. La storia si segue abbastanza bene anche se una volta finito il film sembra che manchi qualcosa. Dopo uno “sperato?” lieto fine, uno dei protagonisti muore in maniera poco plausibile dopo essere sopravvissuto a due incidenti quasi mortali. Sembrerebbe quasi una successione di input lasciati senza che siano completi e ben connessi tra loro. Così anche la sceneggiatura è “lawless”. Giulia Angelucci

IL MINISTRO – L’ESERCIZIO DELLO STATO (L’exercice de l’État) Francia, 2012 Regia: Pierre Schöller Produzione: Denis Freyd, Jean-Pierre e Luc Dardenne per Archipel 35, Les Films du Fleuve, France 3 Cinéma, Rtbf, Belgacom Distribuzione: P.F.A. Films Prima: (Roma 18-4-2013; Milano 18-4-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Pierre Schöller Direttore della fotografia: Julien Hirsch Montaggio: Laurence Briaud Musiche: Philippe Schoeller Scenografia: Jean-Marc Tran Tan Ba Costumi: Pascaline Chavanne Interpreti: Olivier Gourmet (Bertrand Saint-Jean, Ministro dei Trasporti), Michel Blanc (Gilles), Zabou Breitman (Pauline), Laurent Stocker (Yan), Sylvain Deblé (Martin Kuypers), Didier

rancia, oggi. Bertrand Saint-Jean, Ministro dei Trasporti di un governo di centro-destra è svegliato in piena notte da Gilles, il suo Capo di Gabinetto: un pullman pieno di ragazzini in gita scolastica è precipitato in un burrone nelle Ardenne; la situazione con il suo carico di morti, feriti e polemiche è particolarmente dolorosa e drammatica. Occorre che lo Stato sia presente facendosi carico delle sofferenze dei superstiti e delle responsabilità che hanno causato il disastro. Saint-Jean raggiunge con i suoi collaboratori in elicottero il luogo dell’incidente, fa quello che deve fare, dice quello che deve dire, è lo Stato vicino alla sua gente nel momento del dolore. Subito dopo il Ministro è ripreso dal

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Bezace (Dominique Woessner), Jacques Boudet (Senatore Juillet), François Chattot (Falconetti, Ministro della Sanità), Arly Jover (Séverine Saint-Jean), Gaëtan Vassart (Loïk), Eric Naggar (Primo Ministro), Anne Azoulay (Josépha), Abdelhafid Métalsi (Louis Do), François Vincentelli (Peralta, Ministro delle Finanze) Stéphan Wojtowicz (Presidente della Repubblica), Marc-Olivier Fogiel (Giornalista del mattino), Christian Vautrin (Nemrod), Ludovic Jevelot (Tintin), Brigitte Lo Cicero (Donna del sogno), Jade Phan-Gia (Kenza), Brice Fournier (Deputato Prade), Régis Romele (Manifestante), Nicolas Jouhet (Delegato sindacale), Reginald Huguenin (Prefetto delle Ardenne), Serge Noel (Mougins), Marine Faure (Gwenaëlle), François Berland (Guillemot), Scali Delpeyrat (Comico), Emmanuel Gayet (Morange) Durata: 112’

vortice dei suoi impegni e delle scelte che deve prendere secondo le sue convinzioni personali e gli accordi con i colleghi, ma con l’unico scopo che la forza del Governo cui appartiene mantenga la solidità nei sondaggi e nell’apprezzamento delle varie fasce della popolazione. La prima questione è la privatizzazione delle stazioni ferroviarie, fortemente voluta dal suo collega alle finanze, l’ultraliberista Peralta, ma che lui, politico che viene dal basso e non dall’aristocrazia governativa, vuole assolutamente impedire mettendoci la faccia nelle interviste e nelle dichiarazioni. A sostenerlo nella sua quotidiana e massacrante azione di governo (che sconta nella notte con incubi e allucinazioni grottesche), Saint-Jean ha vicino la sua

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assistente personale Pauline, preziosissima nell’imbastire per lui le frasi e le dichiarazioni adatte al momento e Gilles, amico di lunga data e con lui Capo di Gabinetto, profondo conoscitore della macchina dello Stato, pronto ad aiutarlo nell’affrontare ogni situazione, anche la più intricata, con i modi giusti e le giuste conoscenze. Un brutto episodio mina il forte equilibrio del Ministro: il suo autista, con cui aveva instaurato un legame di sincera complicità, muore quando la macchina si ribalta più volte su un’autostrada non ancora aperta e quindi insicura che il Ministro si era intestardito a percorrere per arrivare prima a un appuntamento. Oltre a ciò Saint-Jean è costretto a dimostrare un saggio ammorbidimento sulla spinosa

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questione della privatizzazione delle stazioni ferroviarie. Il suo atteggiamento è particolarmente apprezzato dal Presidente della Repubblica che procede a un rimpasto di Governo nominando Saint-Jean Primo Ministro; nella lista dei titolari di dicastero non c’è però il fido Gilles; il Presidente preferisce nomi nuovi. Saint-Jean accetta in silenzio, Gilles si allontana ugualmente in silenzio verso un altro incarico, probabilmente una lontana prefettura. ierre Schoeller, sceneggiatore e regista di questo film ha avuto un gran merito: quello di averci presentato una storia politica senza eccessi né preconcetti: il Presidente, il Primo Ministro, i Ministri, i segretari, i portaborse non sono visti nell’ottica truce di chi è rappresentativo del male per il solo fatto di appartenere a un gruppo di comando in un

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ben identificato momento storico e, contemporaneamente, non viene perseguito nessun fantomatico riscatto verso quella verginità perduta a causa dell’esercizio del potere. Tutti i protagonisti di questo film sono raccontati per quello che sono e fanno; donne e uomini di governo che esercitano il potere, lo gestiscono e fanno di tutto per mantenerlo perchè il potere è questo, senza derive ideologiche o morali (o il loro contrario), esiste in quanto lo si detiene e lo si usa, oltre ogni vulnerabilità umana o sentimento, in un crescendo ansiogeno che fa terra bruciata di qualsiasi cosa dietro le spalle, amici, nemici, giornate comuni per guardarsi nello specchio e proclamare la propria invincibilità. È un moto perpetuo che si nutre di se stesso e che divora la stessa strada che si è preparata in una bulimia di decisioni, scelte, ossessioni che corrono sempre più avanti, sempre più in

alto a prezzo della stessa vita. Tutti coloro che partecipano al grande meccanismo lo sanno e non battono ciglio, nel bene e nel male; la divisione di Saint-Jean e Gilles, sicuramente due amici ma, prima ancora uomini di potere è emblematica: in silenzio accolgono le decisoni presidenziali che fanno salire l’uno ancora più nel firmamento e allontanano l’altro verso l’anonimato di una poltrona incolore, sanno come devono comportarsi; è l’esercizio dello Stato, è il potere. Solo il cinema francese è in grado di fare film di questo genere, lontano dalle possenti invenzioni di fantapolitica degli studios americani come dall’intuizione originale di cui è capace anche il nostro cinema, affascinato però nelle occasioni migliori dall’irrealtà di scelte e soluzioni (ad esempio Viva la Libertà di Roberto Andò, uscito da poco, è una storia, pur seducente, che ha preferito inquadrare il tema politico nella dimensione della follia, della fuga onirica, in cui ogni ipotesi è permessa proprio perchè la realtà risulta così rimossa, sfrangiata, polverizzata). Qui no; il senso del reale è fermo, sentito, voluto come fermo e sentito è il senso dello Stato, dell’appartenenza a una nazione di cui il cinema francese, questo film, è solidamente rappresentativo. Sublimi tutti gli attori, concentrati in una recitazione moderna, attenta a esprimere in piena padronanza e senza cedimenti il carattere, il cinismo, i rapporti interpersonali, la frenesia divorante non solo e non tanto di chi gestisce il potere, ma semplicemente di chi si trova a esercitare l’amministrazione dello Stato. Quando saremo capaci anche noi di fare un film come questo? Fabrizio Moresco

OUTING – FIDANZATI PER SBAGLIO Italia, 2012 Regia: Matteo Vicino Produzione: Roberto Cipullo, Andrea Iervolino per Camaleo Film e Red Carpet, in collaborazione con The Whale Distribuzione: Ai Entertainment in collaborazione con The Whale Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Matteo Vicino Direttore della fotografia: Daniele Poli Montaggio: Matteo Vicino Musiche: Stefano Cabrera

Scenografia: Massimigliano Mereu Costumi: Antonella Balsamo Effetti: Fabio Tomassetti, DVjpro Interpreti: Nicolas Vaporidis (Federico), Andrea Bosca (Riccardo), Massimo Ghini (Roberto), Claudia Potenza (Lucia), Giulia Michelini (Carlotta), Camilla Ferranti (Maria Luisa), Riccardo Leonelli (Luigi), Mia Benedetta (Presidente Commissione Puglia), Lorenzo Zurzolo (Lorenzo), Cosetta Turco (Annette) Durata: 93’

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Film uattro giovani pugliesi prendono direzioni diverse sviluppando una storia che ha al centro la grande amicizia tra due ragazzi. Federico e Riccardo sono due giovani diversi, umanamente e professionalmente, ma legatissimi. Il primo è spiantato e senza obiettivi, bugiardo incallito e ruspante playboy di provincia con un fratellino a carico, Lorenzo. Il secondo è un talentuoso aspirante stilista che si è trasferito a Milano dove si accontenta di un lavoro di venditore. Riccardo vive con la fidanzata Lucia, anche lei pugliese trapiantata al nord, intenta a fare carriera e a cercare di trovare una strada nel mondo della moda per il fidanzato. Ma tutti i suoi tentativi si rivelano fallimentari. In Puglia, nello stesso paese di Federico, troviamo anche Carlotta, giornalista d’assalto poco incline ai compromessi e sempre a caccia di scomode verità. La sua ultima difficile indagine la porta a investigare sui traffici poco puliti di Luigi Pavoni, un imprenditore colluso con la malavita. Come se non bastasse, in redazione Carlotta si trova a ingaggiare un’altra battaglia interna contro la nuova caporedattrice, Maria Luisa, raccomandata e professionalmente incapace, ma imposta al direttore del quotidiano “Puglia Oggi”, Roberto, che è costretto ad assumerla. Nel frattempo accade che Federico, venuto a conoscenza di un bando della Regione Puglia per ottenere un finanziamento a sostegno delle attività imprenditoriali nel campo della moda, convince Riccardo a tornare nel paese natale per realizzare il suo sogno di aprire un atelier. Vinte le resistenze di Lucia che tiene Riccardo sotto il suo pugno di ferro di giovane donna in carriera, il giovane fa le valigie e parte. Ma, una volta in Puglia, i due ragazzi scoprono che il bando è riservato alle coppie di fatto e l’unico modo per ottenere il finanziamento sarà quello di fingersi gay. Quindi, con l’aiuto di Roberto, omosessuale non dichiarato e che fa parte della Commissione che dovrà assegnare i fondi e che dovrà giudicare l’idoneità della candidatura di Federico e Riccardo, i due ragazzi si sottopongono così a un inconsueto apprendistato per entrare nei panni di due gay credibili. I due giovani entrano in contatto con Carlotta, mandata dal quotidiano “Puglia Oggi” a fare un servizio fotografico ai due finti gay. Ma tra la giornalista (che non si fa ingannare dalla finzione dei due) e Federico nasce un’attrazione quasi immediata. Oltretutto Federico ha in comune con Carlotta un vecchio conto in sospeso con

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il losco Luigi Pavoni. La giornalista continua a indagare su Pavoni ma viene sorpresa a fare foto di nascosto nella villa del faccendiere. Minacciata, è costretta a rinunciare a proseguire la sua inchiesta. A complicare ulteriormente le cose ci si mette Lucia, che sospettosa e gelosa di Riccardo, piomba in Puglia. Proprio la sua presenza a un party importante, fa si che i due finti omosessuali vengano smascherati agli occhi della Presidente della Commissione. Sottoposti a colloqui separati, i due ragazzi sono costretti ad ammettere di aver mentito per cercare di farsi largo in un mondo fatto di lobby e gruppi di potere. Roberto interviene in loro difesa facendo finalmente outing sulla sua omosessualità. A questo punto la Commissione decide di non erogare i fondi. Tutto sembra essere perduto perché Federico, per ottenere un prestito da Luigi Pavoni, aveva impegnato la sua bella masseria dove doveva mettere su l’atelier. Non avendo ottenuto il finanziamento, Federico è costretto a consegnare all’uomo le chiavi della masseria. Ma interviene Carlotta che, ricattando l’uomo con delle prove schiaccianti sulle sue attività illegali, restituisce a Federico la masseria. Intanto anche Lucia, tornata a Milano, ricatta due noti imprenditori del mondo della moda rivelando le loro malefatte in rete. I due acconsentono a produrre una linea innovativa di jeans disegnata da Riccardo. La sfilata è un successo, anche grazie al passaparola in internet e Riccardo è riconosciuto come il nuovo astro nascente della moda. Alla fine tutti i protagonisti si ritrovano nel solare paesaggio pugliese attorno a un tavolo. Riccardo e Lucia annunciano il loro fidanzamento, seguiti a ruota da Federico e Carlotta. Ma, a un certo punto, i due inseparabili Federico e Riccardo si allontanano da tavola, Carlotta li segue e ha una sorpresa. are outing per ottenere una possibilità nel mondo del lavoro? Di questi tempi può capitare anche questo. Ed ecco che ci si ritrova “fidanzati per sbaglio”. Accade a Nicolas Vaporidis e Andrea Bosca, due volti molto ammirati del giovane cinema italiano. La loro storia è quella di una grande amicizia che “deve” trasformarsi in amore per … necessità. Piccola nota di cronaca: il film è una produzione piccola non supportata da nessuna major e non ha ottenuto finanziamenti pubblici (la Puglia Film Commission non è entrata nel progetto), ma è stato co-finanziato da un marchio italiano del denim (pa-

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recchio presente nel film a dire il vero), la cui storia ha anche ispirato il plot. Realtà e finzione si sono intrecciate per creare quello che si è definito uno “story placement”, non più (o almeno non solo) un semplice “product placement”. Per realizzarlo, Matteo Vicino (premio per la migliore regia al Milano International Film Festival 2012 per il suo primo film Young Europe), si è diviso in tre, firmando sceneggiatura, regia e montaggio. Outing è una commedia che il regista ha definito “scorretta” ma che soprattutto appare bifronte. E se da un lato si tenta coraggiosamente di trattare argomenti tristemente attuali, dall’altro si finisce per inscenare il solito teatrino di macchiette infarcite di luoghi comuni (come i ritratti degli omosessuali, tutti mossette e risatine). Il film è introdotto da una citazione importante di Platone e da una (più terra terra) di Antonio Cassano sui gay. Con un’apertura così, le premesse per un’interessante variazione sul tema dell’omosessualità in chiave di commedia socialmente vicina alle difficoltà lavorative dei giovani di oggi c’erano tutte. Peccato che spunti “caldi” come la mancanza di meritocrazia, lo strapotere delle lobby (di qualsiasi tipo esse siano), le coppie di fatto, le infiltrazioni dei poteri mafiosi, trovino uno svolgimento prevedibile, adornato da volti carini (in testa a tutti i due protagonisti Andrea Bosca e Nicolas Vaporidis), belle location (ma alcune località della Puglia non hanno certo bisogno di presentazioni), qualche battuta simpatica e qualche (morbida) staffilata alla desolante situazione del mondo del lavoro, della politica, dell’informazione. A questo proposito, forse è un po’ esagerato mettere in bocca alla coraggiosa giornalista sempre a caccia di scottanti verità (cui presta il volto Giulia Michelini) una citazione da George Orwell e un ricordo della tragica morte della reporter Ilaria Alpi. Vicino dirige con indubbia buona volontà e mette in scena la dura realtà dei giovani che sono costretti a fare prepotenze, sgomitare, entrare in gruppi influenti, anche mentire e, ahinoi, perfino cedere all’uso del ricatto (anche se per un buon fine) per farsi strada. E, al di là del risultato che non innalza il film di sopra di una leggera commediola, almeno un merito ce l’ha: ci fa fermare per un istante a riflettere sulla validità (forse oggi come non mai) del vecchio motto in base al quale il fine giustifica sempre i mezzi. Sui titoli di coda, divertente montaggio di scenette poi tagliate in fase di montaggio. Elena Bartoni

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UNA FAMIGLIA PERFETTA Italia, 2012 Regia: Paolo Genovese Produzione: Marco Belardi per Lotus Production, Medusa Film Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 29-11-2012; Milano 29-11-2012) Soggetto: Fernando León de Aranoa (soggetto originale del 1996), Paolo Genovese, Luca Miniero Sceneggiatura: Paolo Genovese, Luca Miniero. Marco Alessi Direttore della fotografia: Fabrizio Lucci Montaggio: Consuelo Catucci Musiche: Emanuele Bossi

eone è un cinquantenne ricco, misterioso, ma tanto solo. Decide così di affittare un’intera compagnia di attori perché diano vita alla sua famiglia ideale con cui trascorrere la notte di Natale. Il capocomico Fortunato, gestisce una variegata compagnia composta da sua moglie Carmen, da Rosa un’anziana ex diva, dalla giovane Sole e dagli adolescenti Luna e Pietro. Vi è anche un bambino, Pietro figlio di Fortunato e Carmen. Sono tutte persone che amano il loro lavoro e in questo momento non se la passano bene; per tirare avanti si ingegnano in vari modi come travestirsi all’occorrenza persino da Babbo Natale. Non possono farsi sfuggire l’occasione offerta loro da Leone, disposto a pagare molto bene purché certe condizioni vengano rispettate. Ognuno ha il suo ruolo ben definito, le parti vanno imparate alla perfezione, non sono ammessi errori né allontanamenti dalla location scelta per la messinscena, pena l’annullamento dell’accordo. Carmen nella finzione diventa la moglie di Leone, Rosa la suocera, Daniele, Luna e Pietro i tre figli, Fortunato è il fratello e Sole sua moglie. Il gioco, che all’apparenza potrebbe sembrare semplice per dei professionisti di una certa esperienza, si fa via via più difficile. I vari componenti della perfetta famigliola vengono tutti messi in crisi dalle provocazioni di Leone che non permette a nessuno di procedere in armonia ed equilibrio ma cerca di evidenziare i difetti e le contraddizioni dell’istituzione familiare in sé. Mano mano che i personaggi si adattano ai loro ruoli, si creano dei conflitti tra i vari attori: Carmen sembra davvero attratta dal finto marito e ciò provoca la gelosia di Fortunato; Sole, che è sempre stata segretamente innamorata di lui, spera che questa sia l’occasione propizia per conquistarlo e non solo nella finzione. I finti fratelli Luna e Pietro finiscono per innamorarsi davvero. Il piccolo Daniele, cicciottello e con gli occhia-

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Scenografia: Chiara Balducci Costumi: Grazia Materia Interpreti: Sergio Castellitto (Leone), Claudia Gerini (Carmen), Marco Giallini (Fortunato), Carolina Crescentini (Sole), Eugenio Franceschini (Pietro), Eugenia Costantini (Luna), Ilaria Occhini (Nonna Rosa), Francesca Neri (Alicia), Giacomo Nasta (Daniele), Lorenzo Zurzolo (Angelo), Romuald Klos (Giardiniere), Paolo Calabresi (Dottore), Maurizio Mattioli (Zaniboni), (Signore del Cimitero) Durata: 120’

li, non risulta gradito al perfido Leone; così Fortunato è costretto a chiamare in extremis un altro ragazzino molto più quotato sul mercato, detto il “Professionista”. Sulla scena compare anche Alicia, rimasta in panne sulla strada e a cui Leone e Fortunato danno soccorso. Ovviamente la donna è ignara di tutto e quando arriva a casa di Leone rimane sconvolta dalle “stranezze” della sua famiglia. Alicia è reduce da una burrascosa relazione con un uomo sposato con cui ha deciso di troncare. Il suo arrivo inaspettato può colmare il vuoto nella vita di Leone e la solitudine in cui piomba di nuovo quando, festeggiato il Natale come da copione, la compagnia si scioglie. La farsa è davvero finita. aolo Genovese, romano classe 1966, con Una famiglia perfetta film che coniuga il lato comico e al contempo amaro del tipico linguaggio della commedia, si conferma regista dotato e di talento. Al primo film Incantesimo Napoletano scritto e diretto in coppia con Luca Miniero nel 2001, sono seguiti Nessun messaggio in segreteria, Viaggio in Italia, Questa notte è ancora nostra, La banda dei Babbi Natale. Ma è con Immaturi e Immaturi 2 che il suo successo si è consolidato. L’idea originale di Una famiglia perfetta, in realtà, non è sua ma prende spunto dal remake di un film spagnolo, Familia diretto da Fernando Leon de Aranoa. Partendo così da quel soggetto e modulandolo con venature più attinenti alle nostre corde, Genovese coadiuvato nella sceneggiatura sempre da Luca Miniero, affronta con ironia e giusta dose di cinismo iniziale, che si stempera poi in un finale aperto alla vita e all’ottimismo, un tema non facile come quello di una realtà complessa, sfaccettata, conflittuale che attiene al concetto di famiglia. Ma il tema è anche quello della solitudine e dei rimpianti; il protagonista Leone,

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buona prova di Sergio Castelletto, arrivato a 50 anni, si pone quegli interrogativi tipici della sua età. Si chiede se ha fatto bene o meno a evitare ogni legame e cosa sarebbe successo se si fosse formato una famiglia. Uomo enigmatico, spigoloso, capace di cattiverie insospettabili come quando a tavola, davanti alla famiglia riunita a pranzo, esclama che vuole un altro figlio perché Daniele non gli piace in quanto brutto, grasso e con gli occhiali. La sua personalità provocatoria, mette a dura prova la recita perché costringe tutti gli attori a dei “fuori copione” destabilizzanti che vanno ben oltre gli accordi contrattuali iniziali. Il povero Fortunato, personaggio grottesco e tenero impersonato dall’ottimo Marco Giallini, è dunque costretto a tappare le falle, serrare i ranghi (Luna non sopportando più la situazione minaccia di fuggire e di vanificare così tutto il lavoro della compagnia), inventare dei “coup de teatre” come simulare la morte della nonna Rosa (interpretata dalla veterana Ilaria Occhini), una ex attrice ormai al tramonto che reclama però il suo spazio. L’atteggiamento di Leone è come un grimaldello che svela le contraddizioni, i contrasti e le ipocrisie della famiglia tradizionale; da abile burattinaio tenta di farla esplodere, accentua gli attriti. Perché lo fa? Perché il suo scopo diventa quello di dimostrare che la famiglia non funziona né mai funzionerà. Cerca, insomma, l’ennesima conferma alle sue convinzioni ma con questo dimostra invece di essere un uomo che ha paura della vita, delle emozioni, dei coinvolgimenti su cui ha alzato una barriera protettiva. Sebbene sia tutta una recita, i personaggi tra loro vivono un dramma vero, fatto di gelosie, segreti a lungo nascosti, bugie, ripicche e rivalità. Uno dei punti di forza del film, non a caso, è proprio questo aspetto pirandelliano del doppio registro in cui realtà e finzione, all’inizio ben distinte viaggiano su binari paralleli, col passare del tempo si

Film confondono sino a scolorire i propri confini. Da un lato ci sono uomini e donne con la loro vita, le loro debolezze, manie e frustrazioni, dall’altra i personaggi da loro interpretati. Carmen, ad esempio, (Claudia Gerini insolitamente “in palla”) all’inizio interpreta un ruolo definito, è cioè la moglie di Leone; ma poi, durante la rappresenta-


zione, inizierà a essere attratta dal finto marito ma non riusciremo a sapere fino a che punto i suoi sentimenti siano reali. Pietro e Luna nella finzione sono un fratello e una sorella in conflitto ma, fuori dai ruoli, finiscono per innamorarsi. Consolatorio e apprezzabile il finale dove tutto ritorna in equilibrio; la recita è

finita, ciascuno riprende la sua strada forte di un’esperienza che gli ha permesso di chiarire dubbi ed equivoci, generato sentimenti nuovi, rafforzato vecchie unioni. Anche Leone se ne va in compagnia di Alicia, forse c’è un futuro anche per lui. Cristina Giovannini

VICINI DEL TERZO TIPO (The Watch) Stati Uniti, 2012 Regia: Akiva Schaffer Produzione: Shawn Levy, Tom McNulty per 21 Laps Entertainment, 20th Century Fox in associazione con Dune Entertainment Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 8-11-2012; Milano 8-11-2012) Soggetto: Jared Stern Sceneggiatura: Jared Stern, Seth Rogen, Evan Goldberg Direttore della fotografia: Barry Peterson Montaggio: Dean Zimmerman Musiche: Christophe Beck Scenografia: Doug J. Meerdink Costumi: Wendy Chuck

van è il direttore di un grande supermercato in una sperduta cittadina americana, Glenview. Evan è un vicino modello, solidale con i diversi, umanamente ineccepibile e sposato felicemente. Una sera, durante un turno di vigilanza, un suo uomo, Antonio Gutierrez, viene barbaramente ucciso e non si conosce l’identità dell’assassino. Così, per aiutare le forze di polizie a trovare il colpevole, decide di fondare un corpo di vigilanza notturna formato da cittadini volontari. A rispondere all’appello, sono tre smidollati di nome Bob, un padre separato con figlia in piena adolescenza, Franklin che non è mai riuscito a entrare in polizia e Jamarcus. Dopo le prime difficoltà di Evan a far prendere sul serio la missione agli altri tre, i vigilantes si accorgono che ad aver ucciso il custode e a minacciare quindi la città sono degli alieni. Tra le diverse gag tra il vicino omosessuale la cui casa ospita orgie, alla scoperta che uno dei vigilantes è esso stesso un alieno, alla fine il quartetto, insieme alla polizia, riesce a scoprire che il covo degli alieni è proprio sotto il suo supermercato e faranno saltare insieme il tutto per salvare la città.

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na commedia horror demenziale. Così potremmo definire Vicini del terzo tipo, in inglese The Watch. Gli attori soprattutto Ben Stiller sono molto azzeccati nei loro ruoli. Quello che fa acqua da tutte le parti è sicuramente la sceneggiatura. Una overdose di battute oltremodo volgari e scontate che non danno niente in più a un film che gli adolescenti

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Effetti: Steve Riley, Digital Domain, Hydraulx, Prana Studios, Image Asylum, Lecacy Effects Interpreti: Ben Stiller (Evan Troutwig),Vince Vaughn (Bob), Jonah Hill (Franklin), Richard Ayoade (Jamarcus), Rosemarie DeWitt (Abby Troutwig),Will Forte (Sergente Bressman), Mel Rodriguez (Chucho), Doug Jones (Eroe Alieno), Erin Moriarty (Chelsea), Nicholas Braun (Jason), R. Lee Ermey (Manfred), Joe Nunez (Antonio Guzman), Liz Cackowski (Carla), Sharon Gee (Sig.ra Kim), Carissa Capobianco (Mandy), Emilee Yuye Sikes (Figlia di Evan), Erinn Hayes (Moglie di Bob), Patricia French (Madre di Franklin), Billy Crudup (Vicino) Durata: 102’

per il loro aspetto di azione e violenza potrebbero amare. Una sorta di Scary movie con l’aggiunta dell’elemento di mistero e fantascienza. Si tratta di un film che ricalca i videogiochi di oggi, in cui bisogna uccidere dei mostri . Si sente l’influenza del regista Akiva Schaffer e della sua impostazione da videoclip come anche del fatto che sia coproduttore dell’Mtv Movie Awards. Un impostazione sicuramente giovanilistica, forse fin troppo. L’idea dell’attacco alieno, fin troppo usata, per niente originale si contrappone invece a un discorso sulla diversità che, se sviluppato in altre modalità, poteva risultare interessante. La cosa divertente è che trovano l’elemento comune tra gli alieni e gli umani ovvero il sesso. Un mix di diversi generi e rievocazioni di altri film,

come nella scena dell’esplosione del supermercato e delle silhouettes che si vedono in trasparenza. Assistiamo per l’ennesima volta a un’opera demenziale interpretata da Ben Stiller ; i film, in cui il simpatico attore americano recita, generalmente si alternano secondo due tipologie : alcune commedie ben fatte e altre piuttosto demenziali. Vicini del terzo tipo appartiene, senza dubbio, alla seconda categoria. Niente a che vedere con la saga di Men in black. Questo film potrebbe essere apprezzato forse da chi era rimasto colpito da Signs. L’unica differenza è che il film di Akiva Schaffer perde totalmente l’alone di mistero che solitamente caratterizza i film sulle invasioni aliene. Giulia Angelucci

PINOCCHIO Italia, 2013 Regia: Enzo D’Alò Produzione: Cometafilm, Iris Productions, Walking the Dog, 2D-3D Animation, in collaborazione con Rai Fiction Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 21-2-2013; Milano 21-2-2013) Soggetto: dal libro “Le avventure di Pinocchio” di Carlo Collodi Sceneggiatura: Enzo D’Alò, Umberto Marino Montaggio: Gianluca Cristofari Musiche: Lucio Dalla Scenografia: Lorenzo Mattoni Durata: 84’

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Film eppetto, un povero falegname dotato di una ricca fantasia, costruisce un burattino partendo da un ciocco di legno e lo chiama Pinocchio. Non appena gli mette le gambe però, il vispo burattino scappa in strada e viene afferrato da due carabinieri che poi, non capendo il perché della fuga, arrestano Geppetto. Pinocchio, rientrato a casa, viene rimproverato dal Grillo Parlante per il suo cattivo comportamento. Ma il burattino di legno, per tutta risposta, lo schiaccia contro il muro e si mette a dormire davanti al camino. Ma il fuoco gli brucia i piedi. Geppetto, liberato nel frattempo dai carabinieri, torna a casa e glieli ricostruisce. Il vecchio falegname si prende cura del burattino e decide di farlo studiare. Per comprargli l’abbecedario vende la sua giacca. Pinocchio va a scuola ma per strada, attratto da uno spettacolo di burattini, vende il suo abbecedario per assistere all’attrazione. Pinocchio ha dato l’ennesima delusione a Geppetto. Per strada il burattino fa diversi incontri tra cui Mangiafuoco che inizialmente lo vuole bruciare ma poi, intenerito, gli regala delle monete d’oro da dare al babbo. Lungo la strada per tornare a casa, Pinocchio si imbatte in due imbroglioni, il Gatto e la Volpe, che prendono di mira le sue monete d’oro, si fanno pagare una lauta cena e lo convincono a piantarle di notte in un campo miracoloso. Poi lo deridono, lo aggrediscono e arrivano a impiccarlo. Fortunatamente però arriva la Fata Turchina che lo salva e lo accudisce in casa sua con l’aiuto del Corvo, la Civetta e del Grillo Parlante. Ma Pinocchio continua a non imparare la lezione e si mette nuovamente in pericolo, oltre a dire numerose bugie che gli fanno crescere il naso. Segue il discolo e fannullone compagno Lucignolo nell’Isola dei Balocchi, imbarcandosi con lui su una fan-

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tasiosa imbarcazione. Ma sull’Isola scopre che tutti i bambini fannulloni vengono puniti e trasformati in asini. Ridotto come asinello a lavorare per un circo, riesce a scappare tuffandosi in mare ma viene inghiottito da un gigantesco pescecane. Nel suo ventre, Pinocchio ritrova Geppetto che con la sua barchetta era andato a cercarlo in mare e, naufragato, era rimasto intrappolato nelle viscere del mostro marino. Pinocchio salva il padre e lo porta sulle sue spalle fino a riva dove, stremato, si addormenta. La Fata Turchina lo ricompensa della sua buona azione e lo trasforma in un bambino vero. n Pinocchio colorato, poetico, onirico, nuovissimo. Ecco la rilettura del genio dell’animazione italiana Enzo D’Alò. Intensamente più vicino alla fiaba di Collodi rispetto alla famosa edizione cinematografica targata Disney del 1940, che divenne una pietra miliare del cinema d’animazione pur rielaborando per molti aspetti la storia originale. Eppure sono passati anni luce dall’uscita di “Le avventure di Pinocchio” di Collodi che venne pubblicato nel 1883. Il libro dei record, il terzo libro più letto al mondo dopo Bibbia e Corano. Come si fa dunque a conciliare fedeltà a un imponente classico della letteratura dell’Ottocento con una regia piena di trovate personali e immaginifiche? Se si risponde al nome di Enzo D’Alò il miracolo può avvenire; il suo primo merito è di aver utilizzato i disegni folgoranti di Lorenzo Mattotti che qui ha riproposto le immagini utilizzate per un’edizione illustrata del libro: un segno grafico vivido e potente debitore di influssi della storia dell’arte soprattutto in alcuni panorami in campo lungo dei paesaggi toscani. L’opera animata di D’Alò ha grandi nu-

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meri, a partire da una gestazione durata oltre dieci anni (alla fine degli anni Novanta il regista aveva iniziato a pensare al progetto ma, a un certo punto, si fermò per la parallela partenza del Pinocchio in carne e ossa di Benigni). E ora eccolo finalmente alla luce dopo quattro anni di lavorazione e la coproduzione di Italia, Francia, Lussemburgo e Belgio. Scrivendo il copione insieme a Umberto Marino, D’Alò ha rivisto molte cose e recuperato molti personaggi abbandonati dai “tradimenti” disneyani come il Pescatore Verde (cui Lucio Dalla ha deciso di prestare la voce), il cane Alidoro, il pescecane (e non una balena come in Disney). E poi le riletture (la Fata Turchina non più vista come una figura materna, ma come una bambina quasi coetanea di Pinocchio) e le fantasiose deviazioni: una su tutte, la coppia del Gatto e la Volpe con quella Volpe così alta rispetto al suo compare, così colorata, morbida, femminile e sensuale. Ma soprattutto il merito più grande del regista è quello di aver restituito la chiave di lettura centrale del film nel rapporto tra padre e figlio, ripensato anche a partire dalla sue personale esperienza. Rileggendo in modo nuovo il rapporto tra un padre che crea “manualmente” un figlio, evidente metafora di una “costruzione” che tentano di fare molti padri sui propri figli che desiderano plasmare ai propri desideri, D’Alò getta un nuovo seme. Quello che accade qui è un duplice viaggio di formazione, per Pinocchio e per Geppetto, che porta entrambi ad accettarsi e alla consapevolezza che l’altro non è come lo si vorrebbe (un messaggio anche per i genitori di oggi?). Il colpo di genio è il flashback iniziale con un Geppetto bambino creativo, sognatore, pieno di aspettative. Insegue un aquilone, simbolo del volo e della fantasia; il suo stesso obiettivo è il percorso, la fantasia interiore che scatena il processo di creazione. È proprio il suo punto di vista di bambino perduto a immaginarsi tutta la storia. Geppetto in fondo non ha mai dimenticato di essere stato un bambino! Come ha dichiarato lo stesso D’Alò nelle sue note di regia: “Il rimpianto, la memoria, il futuro e le aspettative diventano Pinocchio”. Vero gioiello che impreziosisce il film sono le musiche di Lucio Dalla, alla sua ultima fatica prima della scomparsa. Un miscuglio di generi e sonorità diverse con influssi che vanno dalle musiche di Nino Rota a Rossini, fino al charleston, al rock e al rap: come non rimanere incantati dalla canzone del Pescatore Verde, dal “rap della febbre” o dalla canzone piena di rit-

Film mo che descrive il Paese dei Balocchi ripensato qui in chiave psichedelica? Le voci scelte per il doppiaggio fanno da coronamento a una delizia per gli occhi e le orecchie: Rocco Papaleo per Mangiafuoco, Paolo Ruffini per un “ganzo” Lucignolo, Maurizio Micheli per un Gatto pasticcione e sgrammaticato, Mino Caprio e


suo figlio Gabriele per Geppetto e Pinocchio (ecco tornare il fil rouge del legame padre-figlio). Un piccolo capolavoro di un maestro tutto italiano per una volta (anche se con l’aiuto di una coproduzione straniera). Poesia, sogno, fantasia, sposati ai nuovi mezzi digitali (è stata utilizzata una tecnica di

animazione esclusivamente digitale con l’ausilio di un software utilizzato per la prima volta in Europa). Magari ce ne fossero di più di “artigiani” così. Il cinema ne ha ancora tanto bisogno. Elena Bartoni

TUTTI I SANTI GIORNI Italia, 2012 Regia: Paolo Virzì Produzione: Motorino Amaranto e Rai Cinema, in associazione con Banca Monte dei Paschi di Siena Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 11-10-2012; Milano 11-10-2012) Soggetto: liberamente ispirato al romanzo “La generazione” di Simone Lenzi Sceneggiatura: Francesco Bruni, Simone Lenzi, Paolo Virzì Direttore della fotografia: Vladan Radovic Montaggio: Cecilia Zanuso Musiche: Thony

n un piccolo appartamento ad Acilia, periferia sud della capitale vivono Guido, timido e coltissimo ragazzo appassionato di lingue antiche, di santi e martiri proto-cristiani, che si guadagna da vivere come portiere di notte di un hotel e Antonia, irrequieta e permalosa, aspirante cantautrice siciliana, impiegata in una società di autonoleggio. I due si incrociano “tutti i santi giorni” la mattina presto, quando Guido torna dal lavoro, sveglia Antonia con la colazione e finiscono per fare l’amore. Il loro legame sembra indistruttibile, rafforzato dal desiderio di avere un figlio. I due hanno per vicini di casa una coppia molto diversa da loro, Patrizia e Marcello che hanno già una figlia, Michelle. Ma i mesi passano e Antonia non riesce a rimanere incinta. Le difficoltà nel coronare il sogno della maternità destabilizzano la serenità ragazza. Per cercare una soluzione, i due si recano dal professor Savarese, un luminare della ginecologia vicino alla Santa Sede. Ma l’approccio del medico non piace ad Antonia che si sente trattata come un’aspirante mamma anziana di trentatré anni. Le cure prescritte dal professore non fanno effetto. I due ragazzi decidono allora di rivolgersi a un Centro per la Fecondazione Assistita dove sono seguiti da una ginecologa più progressista che instaura un buon dialogo con Antonia. Ma le pratiche per l’impianto degli spermatozoi di Guido

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Scenografia: Alessandra Mura Costumi: Cristina La Parola Interpreti: Luca Marinelli (Guido), Thony (Antonia), Micol Azzurro (Patrizia Caiozzi), Claudio Pallitto (Marcello Caiozzi), Stefania Felicioli (Ginecologa Progressista), Franco Gargia (Professore), Giovanni Laparola (Jimmy), Mimma Pirrè (Rosetta), Benedetta Barzini (Sig.ra Donatella), Fabio Gismondi (Sig. Lorenzo), Katie McGovern (Katherine), Robin Mugnaini (Duccio), Frank Crudele (Domenico) Durata: 102’

stressano il ragazzo che finisce per vivere un’avventura tragicomica all’interno dell’ospedale. Dal momento che è richiesto un periodo di riposo dopo il delicato inserimento, la ragazza dice a Guido di essersi presa alcuni giorni di libertà dal lavoro. Una sera in una tavola calda, la coppia si imbatte in Jimmy, l’ex compagno di Antonia, un musicista un po’ pazzoide e dalla vita turbolenta. Il giorno dell’impianto degli ovociti fecondati, Antonia è molto tesa. Dopo qualche giorno, la ragazza fa le analisi che danno esito negativo. Precipitata nella più cupa depressione, Antonia si allontana da Guido e assume atteggiamenti strani. Un giorno sparisce insieme alla piccola Michelle riportandola a casa solo a tarda sera suscitando le ire di Patrizia che, ironia della sorte, è incinta ed è stata abbandonata da Marcello in malo modo. Antonia va via di casa lasciando Guido solo e disperato. Il ragazzo non si arrende e la va a cercare al lavoro dove, parlando con una collega, scopre che Antonia aveva perso il lavoro quando era andata a chiedere al capo un periodo di riposo dopo la fecondazione assistita. La collega ribadisce a Guido che Antonia lo ama tantissimo. Il ragazzo va a cercarla in un pub dove, per via della sua insistenza, fa perdere la pazienza al titolare che lo picchia e lo butta fuori dal locale. Tornato a casa, viene soccorso e medicato da Patrizia che tenta anche un timido approccio

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stendendosi sul letto accanto a lui. Il mattino dopo, Guido rintraccia Antonia a casa del suo ex Jimmy e la riporta finalmente a casa. Poco tempo dopo, i due si sposano in Sicilia. Nel finale un flashback riporta indietro alla sera in cui Guido aveva conosciuto Antonia in un pub dopo essere stato colpito da una sua performance canora. na fiaba moderna che non “c’era una volta” ma accade Tutti i santi giorni a Roma in un piccolissimo appartamento con annesso giardinetto ad Acilia, periferia della capitale. Ecco il ritorno al cinema di Paolo Virzì che del film è anche sceneggiatore insieme a Francesco Bruni e Simone Lenzi, autore del romanzo “La generazione” cui la pellicola è liberamente ispirata. Una coppia fatta di opposti che si attraggono, una coppia innamorata davvero, due giovani precari nel lavoro (come tanti) ma saldissimi nei sentimenti. Due giovani che abitano in periferie lontane dal lavoro per necessità (ancora come tanti), due ragazzi educati che condividono il vicinato con giovani coppie meno educate, un po’ cafone e con rumorosa prole al seguito. Ed ecco il punto nodale: i figli, i figli desiderati che poi non arrivano. La parte centrale del film conserva i tratti della commedia di costume con tutto quel viavai tra ginecologi luminari vecchio

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Film stampo vicini alla Santa Sede e dottoresse moderne che lavorano in centri per la fecondazione assistita. A fare da sfondo, i contorni del tessuto urbano della periferia romana, un po’ triste nella sua omologazione, un po’ comica, a tratti violenta e disumana, ma anche tenera. Ma, dopo la tristezza, il dolore, le lacrime, alla fine deve restare qualcosa di autentico, deve contare il sentimento forte che lega due persone. Deve pur esserci la felicità dove c’è amore. È come se il regista avesse ripreso in mano la parabola di alcuni suoi giovani protagonisti, il giovane livornese dell’ormai lontano Ovosodo, il suo senso di inadeguatezza e le sue grandi speranze dell’adolescenza o il protagonista di My Name is Tanino che dalla natia Sicilia sognava l’America dei registi off di Hollywood, la terra delle possibilità e dei sogni, e li avesse ritrovati tanti anni dopo, a Roma, più maturi, con un rapporto sentimentale saldo e alle prese con il desidero di un figlio. Il viaggio compiuto da Virzì ha fatto tappa in luoghi diversi, ma così vicini ai sentimenti di chi li vive: il quartiere “ovosodo” di


Livorno e le sue macchiette, i suoi cortili, i motorini degli adolescenti, l’America di Tanino picaresca, buffa, tenera e malinconica; e poi la periferia romana di questo film, meno deserta e isolata di quella in cui sorgeva il mostruoso call-center del più recente Tutta la vita davanti. La Roma di questo film è autenticamente vera e racchiude in sé le diverse anime contraddittorie della capitale di oggi, quella tradizionale che si offre alla vista dei turisti, opulenta nella sua monumentalità e quella meno bella, ma più autentica, delle sue tante periferie. E così quell’ovosodo che non andava né su né giù a Pietro, forse sta andando giù a Guido, che sembra aver preso coscienza che si può essere coltissimi e forse meritevoli di lavorare in prestigiose università, ma si può anche essere sereni così, a vivere in una casetta in periferia e a fare il portiere di notte in un hotel, godendo del silenzio delle ore notturne per leggere e gustare testi antichi. Un cinema umano, gentile, semplice, mai urlato, come da tempo ci ha abituato Paolo Virzì che rinuncia ai toni più grotte-

schi e caricaturali di alcuni suoi film per tornare a seguire con sincerità e affetto il percorso “intimo” dei suoi personaggi. Un Virzì felice di sottolineare, presentando il suo film, come questa sia prima di tutto una storia d’amore struggente, la storia di due persone in equilibrio tra tenerezza e ironia, in bilico tra desiderio e dolore, una storia, per un volta, lontana dagli stereotipi. Felice è la scelta degli attori, anche questa volta due antidivi, il promettente Luca Marinelli (ammirato già in ruoli diversissimi in La solitudine dei numeri primi di Saverio Costanzo e in L’ultimo terrestre di Gipi) e l’esordiente Federica Victoria Caiozzo, in arte Thony, songwriter siculo-polacca che il regista ha scovato sul portale MySpace. Due presenze gentili, perfette nel dare corpo a una storia esemplare sulle possibilità dei legami veri che, soprattutto di questi tempi, può aiutare a non abbandonarsi al deserto che ci circonda. Una bella lezione. Elena Bartoni

CI VEDIAMO DOMANI Italia, 2013 Regia: Andrea Zaccariello Produzione: Giuseppe Pedersoli per Moviemax Media Group, Smile Prpduction Distribuzione: Moviemax Prima: (Roma 11-4-2013; Milano 11-4-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Andrea Zaccariello, Paolo Rossi Direttore della fotografia: Giancarlo Lodi Montaggio: Rinaldo Marsili Musiche: Giovanni Luisi

arcello Santilli ha una vera passione per l’arte culinaria ma non ha un grande senso degli affari, tanto che vive separato da moglie e figlia; si ritrova alla mercé di Camicioli, direttore di un’agenzia bancaria al quale deve una grande somma di denaro. Mentre sta grattando il suo ennesimo “Gratta e vinci” in un bar sente una frase che gli illumina il destino: “In tempo di crisi la gente fa solo due cose: mangia o muore”. Inizia una frenetica ricerca di paesi dove vivono solo vecchi e ne trova uno perfetto, Pietrafrisca, nell’Italia meridionale. Con la sua vecchia auto, si addentra in un paesaggio roccioso e brullo, punteggiato qua e là da paesi abbandonati. Dal

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Scenografia: Marta Maffucci Costumi: Monica Simeone Interpreti: Enrico Brignano (Marcello Santilli), Burt Young (Mario Palagonia), Ricky Tognazzi (Gabriele Camicioli), Francesca Inaudi (Flavia), Giorgia Würth (Tina la pescivendola), Giulia Salerno (Melania), Liliana Vallasciani (Nonna di Marcello), Andrea Mianulli (D’Ignoto), Giovanna Matechicchia (Rapisarda), Luca Avalgiano (Antonio), Corinne Jiga (Maria), Salvatore Cantalupo (Dottore Cuttaia) Durata: 103’

più intraprendente degli anziani, Mario Palagonia, affitta la stalla dell’asino Socrate e la rende abitabile. L’asino non è molto d’accordo e nelle prime notti continua a scalpitare contro la porta. Arrivano le bare e l’insegna “Pompe Santilli”, senza “funebri”; comunque: “Io il mio l’ho fatto, adesso tocca a voi…”, dice tra sé. Marcello fa pian piano conoscenza dei vari anziani; sono più loro a guardarlo con affetto, un po’ burbero, che non lui a riuscire a capirli. Per avere campo per le telefonate con Camicioli, deve stare in un oliveto dove, seduta su una vecchia poltrona, sta una giovane negra molto truccata. Il nostro ha appena finito di dire che lì i vecchi “sono con un piede nella fossa”

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che ne arriva uno a caricare la ragazza. Ognuno dei vecchi rivela i suoi caratteri precisi nei rapporti con Marcello. Antonio, giovane nipote di uno dei pietrafriscani, lavora con la polizia mortuaria, che arriva solo in caso di incidenti e spiega che oggi si deve leggere come si faceva fino al ’68, mentre oggi la TV ti crea dei miti e ti fa diventare quello che il mito vuole che tu sia, quindi sei ricattato; “L’immortalità però c’è, è quando dici “ ci vediamo domani “; quando dici così te ne freghi dei dubbi e dei problemi”. Così, Marcello continua a leggere libri di cucina e quando Camicioli gli suggerisce di “ dare un aiutino a quei vecchi “, prova a preparare intrugli potenzialmente

Film mortali, ma la sua moralità lo fa rifuggire dal proposito e quello che riesce a produrre sono solo ottimi lassativi. Per completare il suo quadro di fallito, Marcello scopre che Camicioli è diventato l’amante di sua moglie; si sfoga con Mario, il quale ha una foto di una ragazza molto bella, degli anni ‘40: Mario era innamorato di lei, anche se si erano parlati solo due volte e lui le aveva scritto una dichiarazione d’amore ma la donna non aveva risposto. Mario sa che si è sposata e vive a Panama. E Marcello, guardando la lettera tornata indietro, si accorge che il timbro postale é del ‘92, quindi la donna non ha mai ricevuto la lettera. Mario e altri sette anziani prendono un pullmino e “vanno verso il mondo”, come Marcello gli ha suggerito. Però il pullmino viene ritrovato in fondo a un burrone e sotto i sacchi neri la polizia mortuaria ha già coperto i cadaveri. Dopo i funerali, Marcello parte verso Panama, con una statuetta di una giovane che Mario ha scolpito. Fa tutto il suo discorso alla anziana nella sua villa ma lei a un certo punto apre la vetrata e vediamo Mario e tutti gli altri vivi e vegeti. Mario dice che Antonio è andato a dissotterrare otto cadaveri in un piccolo cimitero dimenticato e così loro, ufficialmente morti in Italia, hanno potuto venire a vivere lì. Tornato in Italia, Marcello riesce a lasciar perdere tutti i suoi tentativi di affari, e fa capire a Camicioli che ormai lui, Marcello, non ha più niente da perdere e non può neppure essere messo in prigione.Ha solo la sua vecchia macchina con la croce sul tetto: l’ha dipinta con colori allegri e moglie e figlia accettano felici di salirvi sopra. n questi ultimi anni il nostro cinema sta avendo alcuni “piccoli” film con trame ben costruite, temi interessanti e buon montaggio e buona regia; Ci vediamo domani rientra nel novero. Anche questo sente la gravità dell’una o dell’altra difficoltà che il nostro Paese sta vivendo e intorno al nucleo tematico, che qui è cercare un lavoro “grazie “ ai vecchi, scene e sequenze mettono in campo una costruzione dell’inquadratura che sa essere di buona scuola. Ci vediamo domani affida pochissime scene alla città (Roma), la quale viene mostrata nei luoghi più generici possibile, dove emergono, fin dall’inizio del film, primi piani e mezzi primi piani dei protagonisti. Gli interni sono pochi, sostanzialmente quelli della casa della madre di Marcello: la cucina stretta intorno alla madre e Marcello mentre provano ricette, la sala che appare di sfondo a nonna e nipote mentre videotelefonano con il padre.

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Questo computer è l’unico oggetto moderno che Marcello porta con sé e per uso esclusivamente familiare. La stragrande maggioranza degli ambienti sono l’uliveto, le alture brulle, la “ casa “ di Marcello, quella di Mario, la sede delle “Pompe Santilli “ e i più vari angoli del paese. Le strade stesse sono significative per la nostra storia: ad esempio, “Piazza Benestai”, dove vediamo camminare la vecchia di 102 anni che era stata portata in ospedale in fin di vita e ha deciso di ritornare a casa sua. Negli incontri con i paesani, dominano incontrastati i primi piani di ognuno dei vecchi, con i loro gesti di sempre, che la vecchiaia rende soltanto più lenti. Tutti questi uomini e donne sono abbastanza silenziosi, ma dimostrano con gesti ed espressioni del volto di avere accolto lo straniero senza difficoltà, quasi lo sentissero tutti come proprio figlio: in uno dei suoi tentativi di “ dare un aiuto “ ai vecchi, ne porta uno, Dignoto, (quello che “ va “con la negra) per dirgli una cosa nel punto più scosceso e battuto dal vento di uno dei colli: il giorno dopo il vecchio sta benissimo e Marcello ha la bronchite e sono i vecchi che lo curano. Quando comincia a preparare delle “ misture velenose “, si mette a misurare le quantità dell’uno e dell’altro prodotto e ripete tra sé la combinazione e l’effetto e poi si dice “ Ma che sto a fa’? Lucrezia Borgia? “. Ed ecco che questa idea, suggerita tranquillamente dalla “ nuova moralità “ di Camicioli, cade da sé. Nel film, divengono metaforici i più vari elementi, anche la costruzione della singola inquadratura in ogni scena: ad esempio, quando abbiamo visto uscire dalla chiesa le otto bare, vediamo a figura intera Socrate perfettamente stagliato sullo spiazzo del paese, con alle spalle la sua stalla. In effetti, nella trama collaborano tra loro una sequenza di raffinate gag affida-

te ai vari attori e battute di piena coscienza della realtà date a personaggi da cui non ce le aspetteremmo: ad esempio, la piccola Melania è capace di fare osservazioni disincantate sulla vita dei genitori separati e del vivere dei figli ora dall’uno ora dall’altro, dove il bambino trova spesso degli amanti che guarda con occhio critico. Nel vedere auto grandi di madri che vengono a prendere i figli a scuola, osserva che tanto più grosse sono le corna che il marito fa alla moglie tanto più grossa è l’auto che le dà. Il dialogo più ricco è certo quello tra Marcello e Mario, al punto che Mario userà il “ tu “ e chiamerà “Marcellino” il suo giovane amico. E‘ del vecchio una delle frasi più belle del film: “Sai che cosa è bello dell’amore? Pensare ancora a lei dopo 70 anni “. Ed era stupendamente inevitabile che, davanti al sacco che “ contiene Mario “, al poliziotto che chiede a Marcello: “ Lei era un parente? “ il nostro risponde: “ Il figlio”. È invece duramente significativo che la figlia di Mario raccolga in fretta alla rinfusa foto e oggetti vari del padre in un sacco e dica subito a Marcello che può restare nella stalla, pagando 200 euro al mese e non all’anno. E il figlio di lei, ancora bambino, quando Marcello gli chiede se vedeva il nonno spesso, gli risponda: “ Sì, ogni tanto. Ma tu che macchina hai?” È evidente come l’attualità di questa sceneggiatura vada ben considerata in ognuna delle sue anche più “piccole” scene. Il film inizia con l’inquadratura di un ombrello nero aperto, a riempire tutto lo schermo: sta riparando Marcello, del quale sappiamo poi subito il tracollo, e si chiude con moglie e figlia che salgono contente sull’auto fantasiosa, come a voler indicare l’inizio di una nuova fase della loro vita in tre. Danila Petacco

ZAMBEZIA 3D (Zambezia 3D) Sudafrica, 2012 Regia: Wayne Thornley Produzione: Cmg, Dti, Nfvf, Idc, Wonderful Works, 120Db, Triggerfish Animation Studios Distribuzione: Moviemax Prima: (Roma 7-2-2013; Milano 7-2-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Andrew Cook, Anthony Silverston, Raffaella Delle Donne, Wayne Thornley Montaggio:Paul Speirs, Michel Smith Musiche: Bruce Retief Scenografia: Allan Cameron Durata: 83’

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Film ai, un giovane falco, vive insieme a suo padre su una montagna isolata. Un giorno degli uccelli di passaggio gli decantano le bellezze del loro luogo d’origine Zambezia, un’oasi dove migliaia di volatili vivono in armonia, e lo convincono ad andare con loro. Kai, nonostante il diniego del padre, accetta e vola verso un nuovo futuro. A Zambezia viene accolto con estrema familiarità e, in breve tempo, diventa il beniamino di tutti. Suo padre, pentitosi per il suo comportamento, corre a cercarlo, ma viene catturato dal perfido Budzo, una lucertola gigante che mira a distruggere il paradiso dei volatili. Il rettile, aiutato dai marabù, gli unici uccelli non ammessi a Zambezia, costruisce un ponte e inizia ad attaccare Kai e i suoi amici. Tutta la tribù si prepara alla guerra contro Budzo e proprio in questa occasione, il giovane falco scopre un’amara verità sul suo passato. Zambezia, infatti, è il luogo in cui lui ha vissuto da piccolo felice insieme alla sua famiglia fino a quando un giorno proprio Budzo uccise sua madre durante un attacco. Kai sconvolto dalla notizia mette ancora più vigore nella battaglia. Intanto i marabù, nonostante l’inimicizia, decidono di passare dalla parte degli uccelli e tutti insieme sconfiggono Bu-

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dzo e salvano il padre di Kai riportando l’armonia a Zambezia. on poteva che venire dall’Africa, continente tra i più suggestivi per ricchezza faunistica, un lungometraggio animato sulla vita di una simpatica tribù di volatili. Zambezia, regia di Wayne Thornley, già dal titolo evoca paesaggi sconfinati, natura lussureggiante e un “sapore” esotico che facilmente conquista. In più, la storia, con delicatezza e coraggio, racconta di un microcosmo fatto di lotta per il bene, amicizia, voglia di “spiccare il volo” tutte tematiche comuni al mondo dei cosiddetti “umani”. Il che non è una novità, basti pensare a Esopo, de la Fontaine, o, in tempi più recenti, a Orwell. Ma se nella letteratura il target è quasi sempre stato un pubblico adulto, nel cinema tutto è studiato per un pubblico molto giovane che non deve essere il alcun modo turbato dalla narrazione, ma pedagogicamente indirizzato verso il Bene. Nonostante le difficoltà. Zambezia non è da meno e, grazie allo spirito ribelle di un giovane falco, riesce a far emergere l’importanza di seguire i propri ideali, di guardare oltre le apparenze, facilitando il tutto con l’immancabile lieto fine. Ma, se sul piano morale l’obiettivo è stato centrato in pieno, su quello tecnico, invece, qualche errore ne compromette la

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popolarità. Ad esempio, la scarsa vivacità dei dialoghi, o l’uso limitato delle situazioni “esilaranti”. Dopo anni e anni di Disney si può affermare, quasi scientificamente, che il pubblico dei bambini ha una particolare predilezione per i personaggi secondari, un po’ buffi, quelli che impropriamente si potrebbero definire la spalla comica del protagonista. Ecco, in Zambezia, manca questo lato più “ludico” del racconto, o meglio, a voler essere onesti, è presente senza la dovuta incisività. A compensare questo, però, c’è un uso perfetto della computer graphic nelle scenografie che a tratti diventano spettacolari. Un’insolita simmetria che accomuna tutte queste piccole produzioni e che le rende competitive sul mercato internazionale. Certo le major americane hanno i mezzi per accattivarsi un pubblico più ampio, ma, come ribadito in più occasioni, queste pellicole provenienti da paesi emergenti, anche se non perfette, mantengono degli standard molto elevati che fanno presagire interessanti sviluppi nel campo dell’animazione per i prossimi anni. Con somma gioia dei bambini e di tutti quelli che, anche solo per un paio d’ore, vogliono tornare indietro in un “luogo” dove il lieto fine è la normalità. Francesca Piano

MOONRISE KINGDOM – UNA FUGA D’AMORE (Moonrise Kingdom) Stati Uniti, 2012 Regia: Wes Anderson Produzione: Wes Anderson, Scott Rudin, Steven M. Rales, Jeremy Dawson per American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Moonrise, Scott Rudin Productions Distribuzione:Lucky Red Prima: (Roma 5-12-2012; Milano 5-12-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Wes Anderson, Roman Coppola Direttore della fotografia: Robert D. Yeoman Montaggio: Andrew Weisblum Musiche: Alexandre Desplant Scenografia: Adam Stockhausen Costumi: Kasia Walicka-Maimone Effetti: John Ruggieri, Dan Schrecker, LOOK! Effects Inc.

965, New Penzance: un’isola inventata del New England, famosa per le sue tempeste. Qui vi abita la famiglia Bishop, composta da Walt, Laura e i loro quattro figli, tre maschietti e una ragazza più grande di nome Suzy, la ribelle della famiglia. Dalla parte opposta dell’isola c’è in-

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Interpreti: Bruce Willis (Capitano Sharp), Edward Norton (Capo Scout Ward), Bill Murray (Sig. Bishop), Frances McDormand (Sig.ra Bishop), Tilda Swinton (Responsabile dei Servizi Sociali), Jared Gilman (Sam), Kara Hayward (Suzy), Jason Schwartzman (Cugino Ben), Bob Balaban (Narratore “V.O.”), Lucas Hedges (Redford), Charlie Kilgore (Lazy-Eye), Andreas Sheikh (Panagle), Chandler Frantz (Gadge), Rob Campbell (Deluca), L.J. Foley (Izod), Gabriel Rush (Skotak), Seamus Davey-Fitzpatrick (Roosevelt), Tommy Nelson (Nickleby), Larry Pine (Sig. Billingsley), Marianna Bassham (Becky), Neal Huff (Jed), Erich Anderson (Secretario McIntire), Harvey Keitel (Comandante Pierce), Jake Ryan (Lionel) Durata: 94’

vece l’accampamento di boy-scout “Ivanhoe” capeggiato da Randy Ward: uno dei suoi, Sam Shakusky, un giorno, scappa dalla sua tenda. In seguito alla fuga, il ragazzo dodicenne, già orfano, viene abbandonato anche dalla famiglia adottiva. Gli altri scout hanno il compito di trovarlo e riportarlo al campo. 34

Intanto viene informato della scomparsa anche il capitano Sharp, che attraversa tutta l’isola per cercarlo. In realtà, Sam è scappato per incontrare la sua fidanzatina Suzy Bishop, conosciuta un anno prima durante una recita. Insieme attraversano foreste, fiumi, si arrampicano su impervie montagne e si accampano

Film con la tenda seguendo le regole di vita degli scout. I suoi compagni lo scovano nel bosco, ma lui riesce a respingerli e ne ferisce uno. I due innamorati arrivano alla baia chiamata “Moonrise Kingdom” e la “conquistano”. Qui trascorrono giorni felici e spensierati, fino a quando non vengono trovati e riportati indietro. Il ragazzo deve essere affidato ai servizi sociali: la responsabile, una burocrate tutta d’un pezzo, lo vuole mandare in un orfanotrofio dove eseguono l’elettroshock. Nel frattempo, il capitano Sharp lo ospita nella sua roulotte. Ma, una notte, gli amici lo aiutano a fuggire di nuovo con Suzy: condotti su un’altra isola, vengono sposati da Ben, cugino di uno scout. Poi, però, in seguito a un’altro scontro con il rivale che aveva precedentemente ferito, Sam è costretto a scappare perché inseguito da un altro gruppo di scout. Intanto, una tempesta imperversa sull’isola: Ward salva la vita al comandante Pierce, capo dell’accampamento “Fort Lebanon” (che poco prima lo aveva umiliato davanti a tutti togliendogli l’incarico) e, assieme a tutti gli altri, si rifugia in chiesa. Qui si presenta la responsabile dei servizi sociali che reclama la custodia del minore, ma il capitano Sharp si oppone. Sam e Suzy si rifugiano sul tetto del campanile e, proprio nel momento in cui decidono di buttarsi, Sharp si propone come tutore legale del ragazzo. Nonostante vengano colpiti da un fulmine, alla fine riescono a salvarsi. es Anderson non finisce mai di sorprenderci. Il suo talento visivo e la sua immaginazione sempre fertile questa volta sfornano una fiaba d’amore e di “anarchia” fra adolescenti ribelli, temerari, e consapevoli delle difficoltà dello stare insieme molto più degli adulti. Se infatti i genitori di Suzy si trascinano dietro un matrimonio stanco e monotono (dormono in letti separati ma non hanno il coraggio di lasciarsi), la loro figlia e Sam sono invece pronti a fuggire e a sfidare qualsiasi intemperia pur di difendere il proprio rapporto. Perfino un ciclone che minaccia di devastare l’isola. Isola che, come già era accaduto col sottomarino di Le avventure acquatiche di Steve Zissou, diventa metafora della solitudine. Il capitano Sharp vive da solo in una roulotte vicino al faro e intreccia un legame d’affetto (o forse sarebbe meglio dire di solidarietà) con Laura, la madre di Suzy. E anche il capo scout non è da meno: chiuso nella propria tenda, registra svoglia-

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tamente la cronaca delle sue giornate su nastro. Ma sono i piccoli protagonisti i primi a scontare il trauma dell’emarginazione: Sam, reduce dall’esperienza del riformatorio, viene visto dal suo gruppo come “diverso” soltanto perché orfano (alcuni scout lo considerano un po’ pazzo); mentre Suzy scrive decine di lettere al suo fidanzatino raccontandogli dei suoi frequenti litigi con gli odiati genitori e con le compagne di scuola. Del resto i due fuggiaschi sono due tipi alquanto curiosi, in perfetta sintonia con i personaggi dell’estroso regista americano (ricordate i componenti della famiglia Tenebaum?) Lui è tutto un programma fin dalla sua prima scena in cui scappa a bordo di una piccola canoa: faccia da nerd (occhialuto), in impeccabile divisa da scout Khaki, indossa un basco di pelliccia. Quanto alla ragazza, che ha una faccia che non si dimentica (segnatevi il nome di questa giovane attrice: Kara Hayward), è il suo equipaggiamento a parlare per lei. Oltre al gattino nella gabbia, si porta dietro una valigia piena di libri (rubati), il giradischi a pile e l’inseparabile binocolo dai “poteri magici”. Ma Moonrise Kingdom non è solamente la storia di un amore avventuroso, raccontata da un anziano marinaio con cappotto rosso e berretto verde che fornisce informazioni geografiche e sul clima. Il film rappresenta anche un’attestato di amore per il cinema e per la musica. Sam e Suzy ballano in mutande su una spiaggia deserta con la canzone in sottofondo di François Hardy Le Temps de l’Amour, subito dopo si baciano e si abbracciano teneramente. Poi fanno il bagno insieme.

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Lei gli legge ad alta voce i suoi romanzi preferiti, lui le fa il ritratto mentre è distesa in posa sulla sabbia. Infine, i due parlano del futuro con le margherite appuntate ai capelli. Non è una pellicola di Truffaut eppure l’atmosfera che si respira è la stessa. Questo splendido segmento, per il modo di usare la macchina da presa, per certe inquadrature, può considerarsi un malinconico omaggio alla Nouvelle Vague e al cinema naif degli anni Sessanta. Dicevamo del trionfo della musica (la colonna sonora è del maestro Alexandre Desplat): nell’incipit e sui titoli di coda risuonano le note composte da Benjamin Britten e suonate da Henry Purcell, con varie famiglie di strumenti che messe assieme compongono l’orchestra. Proprio come le numerose stanze del cottage sul mare dei Bishop danno forma a una sorta di casa delle bambole: piccoli quadretti domestici ripresi frontalmente grazie a carrelli laterali, in avanti e indietro, a salire e a scendere (come è nello stile di Anderson), che ricordano gli scompartimenti di Il treno per il Darjeeling. Oltre alla consueta cura per l’apparato scenografico e a qualche simpatica trovata registica (l’uso dello split screen durante le conversazioni telefoniche), senza dubbio merita un elogio l’intero cast, ancora una volta magnificamente diretto: da Bruce Willis a Edward Norton, da Bill Murray a Frances McDormand. Senza dimenticare Tilda Swinton, interprete pop dai mille volti come dimostra l’ultimo videocorto girato per il ritorno di David Bowie, The stars (are out tonight). Diego Mondella

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L’INNOCENZA DI CLARA Italia, 2012 Regia: Toni D’Angelo Produzione: Donatella Palermo per 13 Dicembre Distribuzione: Istituto Luce Cinecittà Prima: (Roma 13-12-2012; Milano 13-12-2012) Soggetto: Toni D’angelo Sceneggiatura: Maurizio Braucci, Toni D’Angelo, Salvatore Sansone Direttore della fotografia: Rocco Marra

iovanni e Maurizio sono amici da sempre, cresciuti insieme nelle terre sperdute della Lunigiana (al confine tra Liguria e Toscana), dove la loro vita scorre tranquilla immersa nella routine quotidiana. A rompere la quotidianità della coppia di amici è la figura di Clara, una bellissima donna dal fascino totalizzante e misterioso. Arrivata da un piccolo paesino di montagna, la donna comincia a legarsi a Maurizio e, in poco tempo, i due sono già sposati. Fragile e incontentabile, Clara, ben presto comincia a patire il matrimonio a causa della poca cura e dell’indifferenza di Maurizio. La sensazione di abbandono e la solitudine non fanno che aumentare l’angoscia della giovane, che inevitabilmente finisce per cercare altrove una possibilità di fuga dalla casa, divenuta prigione emotiva e fisica, e dal rapporto col marito. Gli incontri con Marco, l’uomo con il quale Clara intraprende una relazione clandestina, diventano il solo momento in cui i giovani riescono a uscire da quella continua sensazione di straniamento che li assale. Tutto ciò si svolge sotto gli occhi di Giovanni, sposato con una figlia, ma profondamente insoddisfatto della sua vita e del suo matrimonio. Il più impenetrabile dei personaggi, ma sicuramente il più ossessionato dalla figura di Clara, la quale, nella ricerca di conforto, si legherà all’uomo, pur frequentando Marco regolarmente. Una storia, che sembra già essere scritta dal

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Montaggio: Letizia Caudullo, Silvano Agosti (supervisione) Musiche: Alessandro Rinaldi Scenografia: Carmine Guarino Costumi: Olivia Bellini Interpreti: Chiara Conti (Clara), Alberto Gimignani (Maurizio) Luca Lionello (Giovanni), Rosanna Gentili (Luisa), Irena Goloubeva (Angela), Giulio Beranek (Ariel), Bobo Rondelli (Marco) Durata: 82’

principio, si evolve in un torbido noir di provincia unico nel suo genere. Caratteristica principale è una particolare luminosità e apertura del film, che alterna vedute di boschi invernali ad ambienti claustrofobici, creando una sensazione di smarrimento come a proiettare sul paesaggio e sullo spettatore tutti i sentimenti che animano nel profondo Clara, che si rivela, infine, un personaggio sempre in bilico tra una spinta interiore, mai veramente soddisfatta, e un bisogno profondo di esternare le proprie emozioni e pulsioni più recondite. stato definito da molti un noir bianco, facendo riferimento alle scelte di paesaggi e di luci che non sono riconducibili all’estetica classica del genere. La fotografia è in realtà molto generosa e aperta a spazi sconfinati e spesso imbiancati (un esempio è la cava di Carrara), dove non è il gioco tra ombra e luce a dettare le linee guida della vicenda, ma è proprio la perdita nel bianco della luce, che diventa cifra stilistica del film e che riesce a esprimere proprio il livello di straniamento dei personaggi. Le qualità dell’opera di D’Angelo sono numerose, a partire dalla messa in scena, così delicata e precisamente controllata, che oscilla tra lunghe ed eleganti panoramiche e veloci riprese con macchina a mano a seguire gli attori. Il regista si muove perfettamente

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non solo nei luoghi scelti come sfondo della storia, ma anche nell’uso del linguaggio filmico per cui dimostra una dimestichezza e una maestria che nella produzione italiana è divento molto raro trovare. La direzione degli attori è perfettamente calibrata, senza mai risultare stucchevole o finta, soprattutto per il personaggio di Clara, che rimane sempre sospeso, impedendo allo spettatore di riuscire a decifrarne il carattere o delinearne le complessità. Attraverso la sua condizione di femme fatale, ruolo mai realmente scelto, la donna riesce ad ammaliare e incuriosire, senza mai risultare volgare o scontata, lasciando sempre un alone di mistero dietro di sé. Una storia che ricorda la cronaca nera contemporanea raccontata, però, con un’eleganza e un rispetto dei personaggi e dei luoghi che non sembra neanche appartenere alla nostra cultura. Una pellicola davvero unica nel panorama del cinema italiano contemporaneo che nella sua ricercatezza delle immagini ricorda l’eleganza de Le conseguenze dell’amore di Sorrentino e i gelidi ritratti di Primo amore di Garrone. Sicuramente una scoperta più che piacevole che intriga e affascina senza fare mai troppo rumore e rimanendo sempre immersa nel silenzio dei boschi in cui si muove. Giulia Giletta

LA CITTÀ IDEALE Italia, 2012 Regia: Luigi Lo Cascio Produzione: Angelo Barbagallo per Bibi Film con Rai Cinema Distribuzione: Istituto Luce-Cinecittà Prima: (Roma 11-4-2013; Milano 11-4-2013) Soggetto: Luigi Lo Cascio Sceneggiatura: Luigi Lo Cascio, Massimo Gaudioso (collaborazione), Desideria Rayner (collaborazione), Virginia Borghi (collaborazione) Direttore della fotografia: Pasquale Mari Montaggio: Desideria Rayner

Musiche: Andrea Rocca Scenografia: Ludovica Ferrario, Alice Mangano Costumi: Maria Rita Barbera Interpreti: Luigi Lo Cascio (Michele Grassadonia),Catrinel Marlon (Alessandra), Luigi Maria Burruano (Avv. Scalici), Massimo Foschi (Avv. Chiantini), Alfonso Santagata (Pubblico Ministero), Aida Burruano (Mamma), Roberto Herlitzka (Custode maneggio), Barbara Enrichi (Giudice), Manuel Zicarelli (Marco) Durata: 105’

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Film ichele Grassadonia è un architetto palermitano che si è trasferito a Siena, da lui ritenuta la città ideale. Ecologista pignolo, integralista e uomo molto sensibile, viene osteggiato da molti collaboratori. Una sera è costretto ad accompagnare una sua collega a un evento sportivo e, non avendo più una macchina per motivi ambientali, riesce a farsene prestare una ecologica dall’ unico amico e collega che gli è vicino. Complice la pioggia torrenziale e la poca esperienza alla guida, Michele urta qualcosa con la macchina per poi tamponare un veicolo regolarmente parcheggiato, con la parte anteriore della sua macchina. Dopo aver lasciato un biglietto sulla macchina parcheggiata, in cui ha scritto i suoi dati, riprende la strada senza trovare a terra l’oggetto misterioso da lui colpito. Michele non vede, però, che il biglietto coi suoi dati, viene cancellato dalla pioggia. Proseguendo in macchina, scorge in una via laterale un grande oggetto adagiato sul ciglio della strada. Dopo aver fatto qualche metro, decide di tornare indietro e scoprire cos’è quell’oggetto. Scopre così, che si tratta non di una cosa, ma bensì del Dott. Sansoni, importante esponente di Siena, praticamente in fin di vita. Michele chiama subito l’ambulanza, ritrovandosi così immischiato in un guaio enorme. Nessuno, infatti, crede nella sua innocenza e viene subito sottoposto a indagine giudiziaria. Sansoni, in coma dal giorno dell’ incidente, muore e Michele viene accusato di omicidio colposo. Neanche sua madre, giunta da Palermo, riesce a calmarlo. Mi-

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chele, infatti, non riesce a comprendere cosa si nasconda dietro quella morte ma continua a credere che alla fine la verità e la giustizia trionferanno. Nonostante tenti di recuperare prove che lo discolpino, non riesce comunque a uscire indenne dallo scandalo: viene licenziato e allontanato da tutti. Il suo avvocato tenta di aiutarlo ma, quando Michele nota l’amicizia fra lui e il Pubblico Ministero, decide di licenziarlo e assumere Scalici, importante avvocato di Palermo. Scalici lo convince che l’unico modo per uscirne indenne è scavare nel passato dei suoi accusatori e nemici per scoprirne tutto il fango e poterli screditare e vincere la causa. Michele comprende che è l’unico modo per uscirne vincitore e abbandona, così, la sua bontà, la sua ingenuità e la sua innocenza. sordio alla regia per Luigi Lo Cascio. Un esordio molto ambizioso. Raccontare un’Italia senza moralismo e senza nessuna sfumatura politically correct e riuscirci persino senza la solita autoreferenzialità del cinema italiano. Lo stesso Lo Cascio, qui anche attore principale, ha definito La città ideale un thriller morale, in quanto il protagonista ha la consapevolezza che le sue azioni hanno un peso e delle relative conseguenze del mondo, anche quando la situazione diventa pericolosa e sarebbe più semplice girarsi e guardare da un’altra parte. La forza dello script è saper giocare fra l’ingenuità del protagonista e il male che imperversa nel mondo; tant’è che, nonostante sia lampante che Michele è un’innocente vittima delle circo-

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stanze, alla fine è inevitabile ritenere che si cacci in guai sempre più grossi con le sue sole mani. Michele non gioca con le regole del mondo, ma con le sue. Crede in una società migliore, che si possa creare una città ideale, ma, come tutti gli utopici, si imbatterà nella realtà e si troverà a gettarsi in quel fango tanto odiato. E solo per affermare la propria innocenza. Il film non è un thriller vero e proprio, bensì la storia di un uomo e della caduta della sua moralità e innocenza. Il fulcro dello script non è scoprire cosa sia accaduto a Sansoni (infarto, incidente, etc), ma la trappola che si chiude attorno a Michele. Il non detto, il passato degli antagonisti mai esplicitato è il pregio principale di questa sceneggiatura. Tutte queste ellissi, aiutano l’identificazione col protagonista e acuiscono un senso di paura ed impotenza. Emblematica, in tal senso, là sequenza del primo interrogatorio fra Michele è il Pubblico Ministero. La regia è sempre funzionale alla storia, esaltando ora la fragilità di Michele, ora la gravità della situazione, o ancora il potere di poliziotti e magistrati. Seppur presenti momenti bizzarri e, persino sequenze oniriche, la regia è comunque priva di guizzi creativi, come se Lo Cascio avesse paura a osare troppo. Nonostante i numerosi pregi, fra cui la scelta di un ottimo cast, il film si inceppa in diverse sequenze, perdendo quella scorrevolezza e quei dialoghi sagaci presenti in altri momenti della storia. Proprio per questo, La città ideale è un’opera compiuta a metà. Peccato. Elena Mandolini

VENUTO AL MONDO Italia, Spagna, 2011 Regia: Sergio Castellitto Produzione: Sergio Castellitto, Roberto Sessa per Picomedia, Alien Produzioni, Medusa Film, Telecinco Cinema, Mod Producciones, in collaborazione con Sky Cinema e Mediaset Premium Distribuzione: Medusa Prima: (Roma 8-11-2012; Milano 8-11-2012) Soggetto: dal romanzo omonimo di Margaret Mazzantini Sceneggiatura: Margaret Mazzantini, Sergio Castellitto Direttore della fotografia: Gian Filippo Corticelli Montaggio: Patrizio Marone Musiche: Eduardo Cruz

emma è sposata, vive a Roma e ha un figlio adolescente di nome Pietro. Dopo una telefonata, la donna decide di partire per Sarajevo, lasciata vent’anni prima, portando con sé il

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Scenografia: Francesco Frigeri Costumi: Sonu Mishra Effetti: Eduardo Cruz Interpreti: Penélope Cruz (Gemma), Emile Hirsch (Diego), Adnan Haskovic (Gojko), Pietro Castellitto (Pietro), Saadet Isil Aksoy (Aska), Luca De Filippo (Armando), Sergio Castellitto (Giuliano), Jane Birkin (Psicologa), Mira Furlan (Velida), Jovan Divjak (Jovan), Vinicio Marchioni (Marito di Gemma), Branko Djuric (Dottore), Luna Mijovic (Danka), Igor Zoric (Bojan), Isabelle Adriani (Giornalista) Durata: 127’

figlio. L’occasione è l’invito per una mostra fotografica che le ha fatto Gojko, suo grande amico nonché amore mancato, poeta estroverso e un tempo sua guida in Bosnia. Gemma infatti diciannove anni pri-

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ma, ai tempi festosi delle Olimpiadi invernali del 1984, aveva vissuto a Sarajevo per preparare la sua tesi di laurea. Qui, oltre a essere accolta come una persona di famiglia dagli amici di Gojko, tra gli altri,

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aveva conosciuto Diego, esuberante americano, eroinomane e fotografo di pozzanghere. Tra i due subito era nata una passione intensa, tanto che Gemma, tornata in Italia, aveva fatto in fretta a mandare all’aria il proprio matrimonio. L’intenso amore e la felicità tra Diego e Gemma si incrinano per l’impossibilità di questa a concepire figli. Così nella Sarajevo agli esordi della guerra i due avevano trovato una possibile surrogata, Aska, giovane musicista idealista, disposta ad affrontare per loro la gravidanza tanto desiderata in cambio di denaro. Il desiderio di maternità di Gemma era così forte da spingerla ad accettare che il marito procreasse con un’altra donna; tuttavia Gemma, dopo aver spinto Diego tra le braccia della ragazza, era stata sopraffatta dal senso di colpa e dalla gelosia. In realtà, tra i due non era successo nulla, perché i soldati, entrati nella casa, avevano violentato e brutalizzato Aska proprio sotto gli occhi di Diego che, nascosto, aveva assistito impotente alla tragedia. Gemma, all’oscuro dell’accaduto, percepiva solo il drastico cambiamento di Diego e le difficoltà nella gestione della situazione cambiavano per sempre le cose tra i due. Dopo qualche mese, Aska è incinta e Diego sceglie di rimanere al suo fianco. La ragazza in condizioni molto precarie in pieno assedio partorisce e il bambino viene dato subito a Gemma che torna in Italia, sola, perché Diego rimane a Sarajevo. Gemma non avrebbe più rivisto l’uomo, né gli amici. Durante il viaggio di ritorno incontra un maresciallo dei carabinieri che l’accompagna a Roma e le rimane vicino, sposandola più tardi e crescendo Pietro come fosse suo figlio. Ad attendere Gemma, a


Sarajevo, carica di ricordi degli anni di guerra, non è solo il ricordo di un amore che pareva più forte di ogni cosa e che poi è finito tragicamente, bensì una verità diversa rispetto a come erano andati i fatti. Quasi tutti i suoi amici sono morti, pochi i sopravvissuti. Diego si è suicidato con una overdose di eroina. Gemma porta il figlio Pietro alla mostra in memoria delle vittime dell’assedio, che include le fotografie del padre del ragazzo, ma Pietro si vergogna delle sue origini e non accetta Diego come padre. Una inattesa rivelazione attende Gemma e la costringe ad affrontare la profondità della sua perdita, il vero orrore della guerra e il potere di redenzione dell’amore. Gojko l’accompagna in questo percorso. Infatti la conduce da sua moglie, Aska. I due si sono sposati e hanno avuto una figlia; la donna racconta tutta la verità a Gemma, confessandole che Pietro è in realtà il figlio dello stupro subìto. Gemma sconvolta non sa se rivelare a Pietro la vera identità di Aska, poi decide di tacere, visto che tra loro si è già stabilita un’inspiegabile sintonia. Dopo gli abbracci, le lacrime e i ringraziamenti, Gemma e Pietro, in parte ritrovatisi, fanno rientro in Italia. l quarto film come regista di Sergio Castellitto è così complesso sul piano della scrittura che potremmo definirlo un film “matrioska”. Venuto al mondo è senz’altro una pellicola ambiziosa che arriva in sala a quattro anni di distanza dall’uscita dell’omonimo romanzo scritto, come l’intenso Non ti muovere, dalla moglie del regista Margaret Mazzantini. È stata un’avventura umana – come commenta Castellitto – e si percepisce chiara-

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mente come dissotterrare le immagini nascoste dietro le parole del romanzo e tradurle in immagini sia sempre impresa ardua. Tanto più quando a essere trasformato in un film, con l’aiuto di lunghi flashback, è un racconto che tratta tanti temi, storie diverse una dentro l’altra, ma che hanno un’unica matrice. C’è la storia di un amore, sostenuto da una passione travolgente, ma imperfetto come gli amori veri e anche la storia di una maternità cercata, negata, risarcita. Il cammino misterioso di una nascita che va oltre la scienza, l’etica e la morale. Una guerra che devasta e sconvolge le vite. In questo grande affresco di tenebra e luce c’è un po’ la storia di tutti noi, perché Margaret Mazzantini ha scritto un coraggioso romanzo contemporaneo. Di pace e di guerra. La pace è l’aridità di un Occidente che vive e si nutre del benessere, mentre la guerra in Bosnia diventa la guerra di ogni antieroe, alle prese con il proprio destino. Il cammino intimo di un uomo e di una donna verso un figlio, il loro viaggio di iniziazione alla paternità e alla maternità diventa un travaglio esistenziale. La guerra è quella di una donna, Gemma, che ingaggia contro la natura una battaglia estrema e oltraggiosa. Ma è anche quella di un uomo, Diego, che di fronte a tanta violenza, oppresso dai sensi di colpa di un’impotenza forzata, decide di togliersi la vita. Una catarsi che dimostra come attraverso tutto il male della storia possa erompere un nuovo miracoloso principio. Che si chiama figlio. Che si chiama famiglia. Castellitto sa come gestire questo groviglio di sentimenti e pulsioni irrazionali. Perché se le situazioni di grande forza espressiva sulle pagine di un romanzo hanno un determinato impatto, non è detto che sullo schermo funzioni allo stesso modo. Spesso a diluire il concentrato intervengono retorica e luoghi comuni. Ci vorrebbe Buster Keaton per raccontare certe storie, si dice nel film, e le immagini del grande regista vengono anche direttamente evocate. Eppure il regista da questo punto di vista raggiunge l’obiettivo che sembra essersi prefisso: raccontare una storia di grandi passioni e grande crudeltà, senza ricorrere a facili sentimentalismi. Cerca continuamente la verità, come già aveva fatto con il primo romanzo, senza rinunciare all’ambizione di una messa in scena che restituisce, attraverso una grande sofferenza, la possibilità di una speranza. Un modo di fare cinema, quello del regista, in cui si raccontano i fondamentali archetipi, umani, e cioè amore, guerra, solitudine, memoria, amicizia, rimosso. Qualcosa che si ama o si odia. Merito di un cast di grande livello. Su tutti ovviamente Penelope Cruz e Emile Hirsch

Film costretti, anche se solo a tratti, a raggiungere un livello recitativo dai toni esasperati e forzati. Davvero talentuosi anche Adnan Haskovic e Saadet Aksoy nei ruoli rispettivamente di Gojko e Aska, abili a muo-


versi in un teatro di guerra e di dolore. Peccato che Castellitto si sia lasciato però indurre in tentazione da un amore paterno, in questa occasione mal riposto. Perché il figlio Pietro Castellitto, nel ruolo di Pietro,

non riesce a essere credibile e ad infondere sufficiente naturalezza al suo personaggio. Veronica Barteri

IL MUNDIAL DIMENTICATO – LA VERA INCREDIBILE STORIA DEI MONDIALI DI PATAGONIA 1942 Italia, 2011 Regia: Lorenzo Garzella, Filippo Macelloni Produzione: Daniele Mazzocca, Pier Andrea Nocella per Verdeoro, Docksur Producciones, in collaborazione con Rai Cinema, Rai Trade, Cinecittà Luce, Nanof Distribuzione: Jp Entertainment Prima: (Roma 1-6-2012; Milano 1-6-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Lorenzo Garzella, Filippo Macelloni Direttore della fotografia: Alberto Iannuzzi Montaggio: Piero Lassandro Musiche: Louis Siciliano

l Mondiale di Calcio del 1942. Mai riconosciuto dagli organi ufficiali dello sport, rimasto per decenni avvolto nella leggenda senza che se ne conoscesse il vincitore. Eppure, come scriveva Osvaldo Soriano in Pensare con i piedi (1995), “il Mondiale del 1942 non figura in nessun libro di storia ma si giocò nella Patagonia Argentina”. Ed ora, grazie a lunghi anni di paziente lavoro, muovendosi in una zona d’ombra della storia del calcio e della Storia del XX secolo, giocando sul confine fra lo stile rigoroso del documentario e lo spirito del cinema, due “valorosi” temerari hanno riportato a galla la “verità” di quell’incredibile leggenda. Partendo dal recente ritrovamento di uno “scheletro con la macchina da presa”, in mezzo ai dinosauri fossili della Patagonia Argentina, elemento che fornisce la tessera mancante per ricomporre finalmente il mosaico disperso del Mundial dimenticato: un mecenate illuminato e visionario, un cineasta indomabile e velleitario, un arbitro con la pistola. Poi una bellissima fotografa ebrea in fuga dall’Europa e dal Terzo Reich, un infallibile centravanti con gli occhiali, un portiere indio che ipnotizza gli avversari, una squadra nazista in missione segreta, una formazione di illusionisti Mapuche in cerca di riscatto, una nazionale italiana alternativa e antifascista. Mentre il mondo “civilizzato” è ingoiato dalla ferocia della II Guerra Mondiale, dodici squadre si sfidano per conqui-

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Scenografia: Davide Bassan, Catalina Oliva Costumi: Laura Raffo, Pilar Gonzales Interpreti: Sergio Levinsky, Marcelo Auchelli, Walter Balzarini, Wolfgang Bandorsky, Bruno Bardi, Phillip Caillon, Custodio Cuevas, Leon Dogodny, Caterina Dzugala, Arturo Gerez, Mimi Klein, Rosalind Knight, Guillermo Leinung, Aldo Niebhor, Ricardo Piterbarg, Raul Toscani, Wilhelm Tromm, Roberto Baggio, Osvaldo Bayer, Titì Fernandez, Joao Havelange, Pierre Lanfranchi, Gary Lineker, Hugo Morales, Darwin Pastorin, Peter Holme, Jorge Valdano, Maurizio Ambrosini Durata: 93’

stare la coppa Rimet, stranamente riapparsa in Patagonia nel 1942. Formazioni composte da pochi giocatori professionisti mescolati a migranti di mezzo mondo, operai e minatori, ingegneri ed ex cercatori d’oro, acrobati del circo e rivoluzionari in esilio. Chi vinse il misterioso Mundial? Perchè da allora non se n’è più parlato? Il più esperto ricercatore sul tema, il giornalista argentino Sergio Levinsky, guida un’inchiesta che attraversa l’America Latina e l’Europa, fino agli archivi di Cinecittà Luce, dove sono state ritrovate alcune delle sequenze più significative. Le suggestioni di archivi inediti e spettacolari e una ricca documentazione (fotografie, giornali locali, lettere, diari privati) si alternano a numerose interviste che coinvolgono sia i pochi testimoni viventi delle vicende, sia grandi personalità della cultura e del calcio (Roberto Baggio, Osvaldo Bayer, Titì Fernandez, Joao Havelange, Pierre lanfranchi, Gary Lineker, Victor Hugo Morales, Darwin Pastorin, Peter Tramp, Jorge Valdano).

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l Mundial dimenticato è frutto di quattro anni di lavoro, viaggio nel tempo che riporta alla luce l’epica di un avvenimento fortemente voluto dal Conte Vladimir Otz, mecenate stravagante e visionario emigrato in Argentina negli anni ’30 che, in risposta agli orrori del cosiddetto mondo “civilizzato”, organizzò in Patagonia un vero e proprio mondiale di calcio nel 1942 (anno in cui la FIFA, come per la successiva edizione del ’46, sospe-

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se la competizione “ufficiale” a causa della guerra in corso). Ma è andata realmente così? La vittoria più grande per Lorenzo Garzella e Filippo Macelloni, è proprio questa, l’aver saputo fondere leggenda sportiva e leggenda cinematografica, creando un suggestivo ibrido, un mockumentary che – siamo sicuri – il grande Osvaldo Soriano avrebbe letteralmente adorato. Raccontato attraverso le parole del “più esperto ricercatore sul tema”, il giornalista argentino Sergio Levinsky, il film prende le mosse dal ritrovamento di uno scheletro con la macchina da presa negli scavi paleontologici di Villa El Chocon, nella Patagonia Argentina: i resti umani appartengono a Guillermo Sandrini, cineoperatore di origini italiane assoldato – come svela una lettera del conte Otz a Jules Rimet – per “filmare i Mondiali in modo memorabile e rivoluzionario”. Cosa che avvenne realmente, con tecniche che già 70 anni fa anticipavano le attuali “spider-cam” utilizzate sui campi di gioco da alcune emittenti satellitari: dalla “camera fluctuante” alla “trampilla”, fino alla “cinepelota” e al “cine-casco”, Sandrini “incarnò la risposta estetico-politica alla Leni Riefenstahl dei Giochi Olimpici di Berlino del ’36”, trovando la morte proprio durante la finale del mundial, flagellata da un violento temporale e da una drammatica alluvione che, fino ad oggi, “congelò” nella memoria il risultato tra la rappresentativa tedesca (nazista) e gli indios Mapuche sull’1 a 1. Ma quel mondiale, caratte-

Film rizzato dalla partecipazione di giocatori non professionisti (operai, minatori, scavatori, ingegneri, militari, pescatori, esiliati e rivoluzionari in fuga) e dall’arbitraggio “con pistola” di personaggi che meriterebbero una letteratura a parte, non poteva finire così. Mai riconosciuto dalla FIFA, sepolto nella memoria del tempo (e del fango), il mundial - emblema di un


calcio che ancora profumava di leggenda - ebbe invece un vincitore: sepolto per decenni nella cinepresa di Sandrini, riportato in vita sul grande schermo di una saletta a Buenos Aires. Un film che, forse senza volerlo, è arrivato nelle nostre sale (a distanza di quasi un anno dalla presentazione ai Venice Days 2011) durante l’ennesimo

scandalo esploso nel mondo del pallone italiano (il calcioscommesse) e che – sempre senza volerlo – si erge a “manifesto” di quello che in realtà il giuoco del calcio dovrebbe tornare essere: e il profumo di leggenda si respira in ogni fotogramma. Valerio Sammarco

SINISTER (Sinister) Stati Uniti, 2012 Regia: Scott Derrickson Produzione: Blumhouse Productions, Automatik Entertainment Distribuzione: Koch Media Prima: (Roma 14-3-2013; Milano 14-3-2013) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: Scott Derrickson, C. Robert Cargill Direttore della fotografia: Chris Norr Montaggio: Frédéric Thoraval Musiche: Christopher Young

alle stelle alle stalle: Ellison Oswalt è disposto a tutto pur di riconquistare la celebrità che aveva ottenuto anni prima grazie a Kentucky Blood, libro relativo a un macabro fatto di cronaca nera. Caduto progressivamente nell’anonimato, lo scrittore decide di trasferirsi con moglie e figli a King County per indagare sulla tragica impiccagione di un’intera famiglia, a eccezione della figlia più piccola, misteriosamente scomparsa. All’insaputa dei propri cari, la nuova casa è proprio la stessa dove è avvenuto l’efferato omicidio: dopo aver trovato una misteriosa scatola in soffitta che contiene una serie di pellicole, Ellison comincia poco a poco a isolarsi nel suo studio, dove trascorre le notti in compagnia dell’alcool. E del suo proiettore: uno dietro l’altro, quei filmini testimoniano la tragedia avvenuta in quel giardino e altri macabri, terribili crimini. Lo scrittore capisce di avere tra le mani del materiale straordinario per dare alle stampe un’opera memorabile. Investigando più a fondo, anche grazie al supporto di un agente locale suo fan dichiarato, Ellison scopre che ogni strage familiare – avvenuta a grandi distanze temporali l’una dall’altra e in case diverse – presenta sempre almeno due costanti: un’inquietante figura demoniaca sullo sfondo, un bambino della famiglia trucidata che scompare ogni volta. In più,

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Scenografia: David Brisbin Costumi: Abby O’Sullivan Effetti: Jason Piccioni Interpreti: Ethan Hawke (Ellison Oswalt), Vincent D’Onofrio (Professor Jonas), Juliet Rylance (Tracy), Fred Dalton Thompson (Sceriffo), James Ransone (Vice Sceriffo),Clare Foley (Ashley), Michael Hall D’Addario (Trevor), Victoria Leigh (Stephanie), Nicholas King (Sig. Boogie), Rachel Konstantin (Sig.ra Stevenson) Durata: 110’

consultando un antropologo professore universitario, scoprirà che la terza costante presente in ogni filmino, un simbolo misterioso dipinto sui muri delle case, rimanda a una lontana divinità pagana babilonese conosciuta con il nome di Bughuul, che consuma le anime dei bambini ed è in grado di viaggiare attraverso i mondi. L’indagine è ormai fuori controllo: la tensione tra Ellison e la moglie è giunta al livello di guardia: l’orrore non è più una questione da indagare in terza persona, ma inizia a manifestarsi anche nella loro quotidianità, segnali sempre più invadenti che porteranno lo scrittore a rivedere le sue decisioni. Rinuncerà al libro e, una notte, prende con sé la famiglia per tornare da dove erano venuti. La maledizione si è però messa in moto ed Ellison scoprirà purtroppo troppo tardi l’ultimo, inquietante legame che caratterizzava le varie carneficine disseminate nel tempo: ogni famiglia uccisa aveva abitato nella casa teatro della tragedia precedente: Bughuul è pronto a tornare in azione. opo il passaggio a vuoto di Ultimatum alla terra , remake del grande classico sci-fi, Scott Derrickson torna alle inquietudini horror che nel 2005 gli avevano dato qualche notorietà con L’esorcismo di Emily Rose: l’ambito d’elezione è differente, però, Sinister

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si smarca dallo spavento a buon mercato, non indugia sull’orrore di un presunto demone che si appropria “fisicamente” della propria preda, deformandola. Sinister ragiona sulla potenza demoniaca delle immagini, sfruttando tale riflessione almeno su due piani: da una parte creando la consueta atmosfera notturna e “domestica” che conduce all’esasperazione, dall’altra “manipolando” il personaggio protagonista con gli stessi strumenti atti ad affascinare/ spaventare lo spettatore in sala. La storia del film, il film stesso, diventa allora l’insieme, il magma delle pellicole che testimoniano le varie uccisioni: lo scrittore interpretato da Ethan Hawke è, al tempo stesso, attratto e respinto da quell’orrore che è deciso a investigare, chiamato progressivamente all’interno di un mosaico apparentemente e razionalmente inspiegabile. È qui che la variante “demoniaca” inizia ad avere la meglio: un tassello dopo l’altro, la ragione e l’umano cedono il passo al soprannaturale, alla (a)storicità del male. La divinità pagana che si nutre delle anime dei bambini è ben più di un “semplice”, disumano serial killer: è l’incontrollabile che attesta la sua esistenza attraverso l’immagine, la reiterazione di simboli e rituali che l’occhio non può fare a meno di vedere. Finendo accecato dalla visione stessa. Valerio Sammarco

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IL LATO POSITIVO – SILVER LININGS PLAYBOOK (Silver Linings Playbook) Stati Uniti, 2012 Regia: David O. Russell Produzione: Mirage Enterprises, The Weinstein Company Distribuzione: Eagle Pictures Prima: (Roma 7-3-2013; Milano 7-3-2013) Soggetto: dal romanzo “L’orlo argenteo delle nuvole” di Matthew Quick Sceneggiatura: David O. Russell Direttore della fotografia: Masanobu Takayanagi Montaggio: Crispin Struthers, Jay Lash Cassidy Musiche: Danny Elfman Scenografia: Judy Becker Costumi: Mark Bridges Effetti: Dive

a storia è quella di Pat Solitano, un uomo che ha perso tutto: casa, lavoro, moglie. Dopo aver passato otto mesi in un istituto psichiatrico si ritrova, dopo un patteggiamento della pena, a vivere a casa dei suoi genitori. A dispetto di tutto, Pat non perde il suo ottimismo: è deciso a riconquistare la sua ex moglie Nikki nonostante le circostanze problematiche della loro separazione (l’uomo aveva perso le staffe dopo aver sorpreso la moglie a fare sesso con un altro uomo, sotto la doccia, in casa loro, al suono della canzone del suo matrimonio). I genitori vorrebbero solo che si rimettesse in piedi. Il padre, in particolare, vorrebbe che condividesse la sua passione (quasi un’ossessione) per la squadra di football locale, i Philadelphia Eagles. Ma le cose si complicano quando un sera, a casa di una coppia di vecchi amici, Pat conosce Tiffany, una ragazza sofferente di comportamenti instabili in seguito alla prematura scomparsa del marito. La giovane donna gli confessa di aver perso il lavoro dopo essere andata a letto praticamente con quasi tutti i colleghi del suo ufficio per cercare di colmare il vuoto affettivo in cui si è ritrovata. Dopo alcune accese schermaglie, tra i due sembra instaurarsi un timido rapporto di amicizia. Colpita dalla determinazione di Pat a riconquistare la moglie, Tiffany si offre di aiutarlo nell’impresa consegnandole una lettera al posto suo, nonostante un ordine restrittivo lo proibisca, ma in cambio lui dovrà aiutarla a preparare un’importante competizione di ballo. Pat decide di accettare e i due iniziano a mettere in atto il piano di reciproco aiuto. Ma le prove ripetute a cui lo costringe Tiffany mettono in difficoltà Pat che non ha mai studiato ballo. Ma l’uomo è deter-

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Interpreti: Bradley Cooper (Pat Solitano), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Pat Solitano Sr.), Jacki Weaver (Delores Solitano), Chris Tucker (Danny), Anupam Kher (Dott. Cliff Patel), Shea Whigham (Jake), Julia Stiles (Veronica), John Ortiz (Ronnie), Paul Herman (Randy), Dash Mihok (Agente Keogh), Matthew Russell (Ricky D’Angelo), Cheryl Williams (Madre di Tiffany), Patrick McDade (Padre di Tiffany), Brea Bee (Nikki), Regency Boies (Regina), Phillip Chorba (Jordie), Anthony Lawton (Dott. Timbers), Patsy Meck (Nancy), Jeff Reim (Jeffrey), Fritz Blanchette (Fritzy), Ted Barba (Doug Culpepper),Tiffany Green (Tanya) Durata: 117’

minato a far avere la lettera a sua moglie e va avanti con le prove. Tiffany gli fa notare come il ballo può essere un’occasione per dimostrare alla moglie come lui si sia sottoposto a una forma di disciplina. Intanto, a casa, Pat viene coinvolto in un’accesa discussione con il padre in vista di un’importante partita dei Philadelphia Eagles che, nello stesso giorno della gara di ballo, dovranno vincere un importante incontro con i Cowboys di Dallas. Tiffany, presente alla discussione, sfida il padre di Pat suggerendogli una singolare scommessa. La loro gara di ballo potrà considerarsi con esito positivo se, da non professionisti in una gara di professionisti, riusciranno almeno a prendere una media di voti non inferiore al 5. La sera della competizione, Pat non vuole presentarsi; per convincerlo, Tiffany e i genitori si accordano per dirgli una bugia e cioè che la sua ex moglie sarà presente. Pat si reca con Tiffany alla gara ma, con grande sorpresa di tutti, Nikki si presenta davvero alla competizione. Ormai coinvolta sentimentalmente da Pat, Tiffany è sconvolta dalla presenza della donna. Giunto il loro turno, Pat e Tiffany eseguono il loro numero che, con coraggio, mescola generi musicali e balli disparati. La giuria si pronuncia con i voti e per poco i due riescono a strappare esattamente la media del 5.0. Appena finita l’esibizione però, Tiffany scappa per strada in lacrime. Dopo aver preso coscienza del fatto che stava continuando a inseguire la chimera di un matrimonio finito, Pat rincorre Tiffany, la raggiunge e la bacia.

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l mondo ha molto modi per spezzarti il cuore” afferma il protagonista nel finale del film, può sem41

brare una constatazione ovvia ma è una disarmate verità. Eh già, la vita non va sempre secondo i tuoi piani. Si cade e ci si rialza. Basta trovare qualcuno che ti capisca. Questo sembra essere il nuovo “sogno americano” e questo sembra dire il personaggio protagonista di uno dei film più attesi della stagione, Il lato positivo (titolo originale Silver Linings Playbook) che ha raccolto otto nomination agli Oscar nelle categorie più importanti e una statuetta per Jennifer Lawrence come migliore attrice protagonista. Il film ha il sapore di qualcosa di nuovo eppure di “antico”. Una strada di mezzo tra la commedia e il dramma, un po’ dell’una e un po’ dell’altro, eppure né l’una né l’altro. La pellicola di David O. Russell (che ha colpito nel 2010 per l’intenso The Figther, sette nomination agli Oscar) parla della vita, delle scommesse (rappresentate nel film dal padre del protagonista, incallito scommettitore sportivo) che tutti dobbiamo affrontare, vincendo o perdendo, ma comunque provandoci. Il disturbo bipolare da cui è affetto il protagonista Pat indica, con un certo grado di approssimazione, problemi di una psiche instabile. Il termine piuttosto vago esemplifica però quello che interessa davvero. Fare pace coi demoni della psiche, sembra questa oggi la vera aspirazione dell’americano medio che ha soppiantato il classico american dream. Il personaggio di Pat è qualcosa di nuovo e unico, una sorta di perdente romantico, è “naif e positivo, ignorante e speranzoso” come ha dichiarato Bradley Cooper, nonostante soffra di un disturbo psichico e non abbia né lavoro, né soldi, né macchina. Pat ha 35 anni ed è costretto a

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vivere coi genitori perché non può più avvicinarsi alla moglie. Ma è spontaneo e intuitivo, fiero e vulnerabile allo stesso tempo. Pat non vive in equilibrio (proprio no, visto che ha pestato a sangue l’amante della moglie) ed è un problema per suo padre che non lo capisce e si tormenta (un sommesso e composto De Niro), come non vive in equilibrio la giovane vedova Tiffany che ha problemi di dipendenza dal sesso. Pat vorrebbe solo stare bene, eli-


minare i cattivi finali (come quelli dei romanzi che legge e getta via urlando la sua rabbia nella notte) e stare lontano da chi soffre come lui. Ma proprio la sfida a relazionarsi con qualcuno, borderline proprio come lui, è la chiave di volta. E prendersi per mano e provare a ballare insieme sfidando le leggi dell’equilibrio fisico (oltre che mentale) può rappresentare la vera vittoria. La vicenda raccontata nel film entra

nella pelle, costringe a pensare e a ripensare alle cose della vita, a pesare e soppesare decisioni, scelte, sfide. Il tutto con stile snello e andamento fluido, con dialoghi ben scritti (la fonte è il bestseller di Matthew Quick) capaci di alternare situazioni drammatiche a momenti divertenti. David O. Russell riesce a compiere, anche lui, un piccolo miracolo di equilibrio: si ride, ci si commuove, viene perfino da applaudire e fare il tifo nella divertente sequenza danzante (composta non a caso da un miscuglio di musiche in apparente dis-equilibrio, dal rock a West Side Story). E sì, si riesce anche a sorvolare sull’eccesso di sentimentalismo che sfocia in un finale un po’ scontato, complici due protagonisti perfetti e dialoghi fulminanti, a tratti carichi della giusta dose di vetriolo. Il percorso dei due è, alla fine, la cosa importante, si sono presi per mano e si terranno stretti per un po’. Perché, potrà sembrare una banalità, ma c’è sempre un lato positivo nella vita, anche quando si ricevono tante bastonate. E forse davvero semplicemente basta saper guardare quel magnifico effetto creato “dall’orlo argenteo delle nuvole”, quando sono di nuovo illuminate dolcemente dal sole appena è passato un temporale. Elena Bartoni

BALLATA DELL’ODIO E DELL’AMORE (Balada triste de trompeta) Spagna, Francia, 2010 Regia: Álex de la Iglesia Produzione: Tornasol Films, Castafiore Films, La Fabrique 2, in associazione con Mikado Film, U Fund Y U Film, Backup Films, Sofica Coficup con la partecipazione di Tve, Canal+, Estudios Ciuad De La Luz, Generalitat Valenciana con la collaborazione di Icaa, Ico Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 8-11-2012; Milano 8-11-2012) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: Álex de la Iglesia Direttore della fotografia: Kiko de la Rica Montaggio: Alejandro Lázaro Musiche: Roque Baños Scenografia: Eduardo Hidalgo Costumi: Paco Delgato

937. La Spagna è nel mezzo della terribile Guerra Civile. In un circo, un gruppo di repubblicani irrompe durante la performance del Pagliaccio Tonto, il quale viene interrotto e reclutato con la forza. Mentre indossa ancora il suo costume di scena, gli viene mes-

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Effetti: Reyes Abades, Ferrán Piquer Interpreti: Carlos Areces (Javier), Antonio de la Torre (Sergio), Carolina Bang (Natalia), Sancho Gracia (Colonnello Salcedo), Juan Luís Galiardo (Ring Master), Enrique Villén (Andrés), Manuel Tallafé (Ramiro), Manuel Tejada (Maestro di cerimonie), Gracia Olayo (Sonsoles), Santiago Segura (Padre del Pagliaccio Tonto), Roberto Álamo (Capitano della milizia), Fofito (Pagliaccio furbo), Sasha Di Benedetto (Javier bambino “1937”), Jorge Clemente (Javier giovane “1943”), Juana Cordero (Madre del bambino), Luis Varela (Manuel),Terele Pávez (Dolores), Fran Perea (Soldato franchista), Fernando Guillén Cuervo (Capitano), Juan Viadas (Franco), Raúl Arévalo (Carlos) Durata: 108’

so in mano un machete e viene condotto in battaglia contro i soldati franchisti dove, da solo, massacra un intero plotone. Alcuni anni dopo, quando la guerra è finita, il figlio del Pagliaccio Tonto (Javier), va a trovare il padre ancora rinchiuso in prigione e, dopo avergli promesso di vendi-

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carlo, lo aiuta a fuggire. L’uomo morirà in un attentato. Con un balzo arriviamo al 1973, negli ultimi giorni del regime di Franco. Madrid, Javier sogna di seguire le orme del padre, ma ha visto troppe tragedie nella sua vita e ha sofferto troppo. Per questa

Film ragione, non sarà mai un clown divertente. Trova lavoro come Pagliaccio Triste in un circo dove fa la conoscenza di un bizzarro numero di personaggi, ma deve anche subire le angherie di Sergio, il violento Pagliaccio Tonto che lo umilia per fare spettacolo. Qui incontra Natalia, la bellissima acrobata, nonché moglie e vittima di Sergio. Javier si innamora della donna e cerca di proteggerla dal marito, scatenando la gelosia di quest’ultimo, che un giorno, dopo averli sorpresi insieme al luna park, si scaglia con un martello contro Javier mandandolo all’ospedale. Ma Natalia è anche vittima del desiderio sessuale che il marito suscita in lei. Il Pagliaccio Triste quando da dietro una tenda scopre la donna nelle braccia dell’altro, non ci vede più: “armato” di una tromba, riduce il suo nemico in fin di vita e con il volto sfigurato. Braccato dalla polizia, si nasconde. Per assumere di nuovo le sembianze di un clown arriva a bruciarsi la faccia con un ferro da stiro e a travestirsi da vescovo. Intanto, nella vita di Natalia, diventata ballerina in un locale, ricompare lo sfregiato Sergio. L’uomo, la cui maschera è ormai decomposta, ha perso tutti i suoi ‘super poteri’, e i bambini hanno smesso di amarlo. Javier riesce a rapire la sua innamorata e a condurla con sé alla Valle dei Caduti dell’Escorial. Qui, al termine di uno spettacolare inseguimento fra i due clown, la donna si lancia nel vuoto aggrappandosi a un drappo rosso, ma questo si blocca e lei muore.

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e fosse stata una produzione americana, questo action movie in salsa spagnola avrebbe avuto


una sorte diversa. Nonostante il ritmo mozzafiato che sbalestra il pubblico - come ci è capitato di vedere in pochi altri film recenti - e ben due importanti premi vinti alla Mostra del Cinema di Venezia del 2010 (Leone d’Argento per la miglior regia e Osella per la migliore sceneggiatura), Balada Triste de Trompeta è stato tenuto nel cassetto dal distributore italiano per oltre due stagioni. Inspiegabilmente. E pensare che al festival, l’allora presidente di giuria Tarantino si era spellato le mani a forza di applaudire questa divertente storia pulp fatta di crudelissime vendette e di assurdi colpi di scena. Consigliamo quindi al regista di Le iene di farne subito un remake, con la certezza che avrà maggior fortuna di La ballata dell’odio e dell’amore (bisogna riconoscere che il titolo italiano, per quanto poetico, non attira molto...). Sarà anche che a non attirare più è il cinema europeo, con i suoi racconti a volte troppo colti o pullulanti di riferimenti storici. Ma, giustamente, il Vecchio Continente non può fare a meno delle sue radici e anche delle sue ferite. Ed ecco allora che nel film di Alex De la Iglesia, la Storia è in primissimo piano e non è un semplice sfondo decorativo. Basta vedere i travolgenti titoli di testa, che, grazie ad un montaggio e a una colonna sonora di assoluta efficacia, passano in rassegna i più disparati volti che hanno lasciato traccia nel secolo scorso: da Ronald Regan a Papa Wojtyla, passando per i terroristi (solo per fare alcuni nomi). Attorno alle vicende drammatiche e allo stesso tempo grottesche del protagonista, condannato all’infelicità da un passato di dolore, lo stravagante autore iberico disegna uno straordinario affresco. Irriverente, spietato. Una originalissima me-

tafora della Spagna e dei suoi traumi. Con delle “pennellate” intense e fortemente contrastate, prova a farci entrare in un’epoca cruciale per il destino del suo popolo. Odio, invidia, violenza, sopraffazione rappresentano la realtà di un Paese che ha conquistato la democrazia e la pace sociale dopo anni tragici. Non è un caso che lo scontro finale tra i due clown, che ricorda tanto la cruenta lotta sui tetti tra i condomini de La Comunidad - Intrigo all’ultimo piano (2000), avvenga al cospetto del monumento ai caduti della Guerra Civile, emblema di una memoria storica che ancora grida morte e vendetta. Le botte “da orbi” si consumano sull’altissima croce e quel drappo rosso sangue che alla fine la ricopre può essere letto come sacrificio d’amore (della trapezista Natalia), ma anche come trionfo dei repubblicani… . De la Iglesia, campione dell’umorismo nero e dell’immaginazione macabra, si diverte a giocare ancora una volta con i generi, mescolando felicemente commedia e splatter, melodramma e thriller. In un continuo e geniale omaggio all’arte del travestimento, che il Pagliaccio Triste incarna con orgoglio e malinconia. Per gran parte del film, accecato ormai solo dalla rabbia e dalla pazzia, se ne va in giro vestito con il camice dell’ospedale e con il sedere all’aria! Oppure con l’abito talare, dopo essersi cambiato i connotati passandosi un ferro da stiro sulla faccia! Costumi e trucco sono il vero valore aggiunto di questo film visivamente prorompente che, alternando orrore e ironia, strappa agli spettatori risate e lacrime dalla prima all’ultima inquadratura. Diego Mondella

IL CACCIATORE DI GIGANTI (Jack the Giant Slayer) Stati Uniti, 2012 Regia: Bryan Singer Produzione: Neal H. Moritz, David Dobkin, Bryan Singer, Patrick McCormick e Ori Marmur per Original Film, Big Kid Pictures, Bad Hat Harry Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia Prima: (Roma 28-3-2013; Milano 28-3-2013) Soggetto: Darren Lemke, David Dobkin Sceneggiatura: Darren Lemke, Christopher McQuarrie, Dan Studney Direttore della fotografia: Newton Thomas Sigel Montaggio: John Ottman, Bob Ducsay Musiche: John Ottman

Scenografia: Gavin Bocquet Costumi: Joanna Johnston Effetti: Gentle Giant Studios Inc., Crazy Horse Effects, Digital Domain, Soho VFX Interpreti: Nicholas Hoult (Jack), Eleanor Tomlinson (Principessa Isabelle), Stanley Tucci (Lord Roderick), Ian McShane (Re Brahmwell), Bill Nighy (Generale Fallon, capo dei Giganti), Ewan McGregor (Elmont), Raine McCormack (Gigante), John Kassir (Fallon), Daniel Lapaine (Padre di Jack), Ben Daniels (Fumm), Ralph Brown (Generale Entin) Durata: 114’

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Film ack, un giovane contadino, va al mercato per vendere il carro e il cavallo dello zio. Nella piazza principale incontra la principessa, sotto mentite spoglie, e la salva dalle attenzioni di alcuni ubriaconi. Purtroppo, però, gli viene rubato il carro e, per non tornare a casa a mani vuote, è costretto a cedere alle richieste di un monaco che, in cambio del cavallo, gli offre un sacchetto di fagioli come garanzia per un futuro pagamento. Il ragazzo fiducioso accetta. Lo zio non è della stessa opinione, si infuria con il nipote e getta per terra i legumi. La principessa, intanto, scappa nuovamente da palazzo per andare a ringraziare Jack. Il ragazzo la accoglie in casa sua e, mentre chiacchierano familiarmente, i fagioli, bagnati dalla pioggia, si trasformano in un enorme tronco che sale fino al cielo portando con sé la ragazza. Jack avvisa immediatamente le guardie reali e con loro inizia a scalare la pianta. Arrivati in cima scoprono di essere nella terra dei giganti e ben presto vengono catturati dai mostri per finire in pentola. Nel gruppo c’è anche Lord Roderick, futuro sposo della principessa, che inopinatamente mostra ai giganti una corona fatata che li rende suoi schiavi. L’uomo, lungi dal voler aiutare i compagni, propone ai giganti un patto per conquistare il regno e

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sbarazzarsi del re e della principessa. Intanto Jack, capite le sue intenzioni, riesce a liberare la principessa e a portarla in salvo sulla terra, mentre alcuni soldati coraggiosi riescono a far fuori Roderick e a disperdere la corona. Tutto sembra risolto, ma i giganti, grazie ad alcuni fagioli che fanno germogliare, riescono a scendere dalla nubi e incominciano a portare morte e distruzione nel regno. Il re, disperato, si affida alle sue guardie, ma la mole dei nemici rende ogni suo ordine vano. Jack, mentre escogita un piano per salvare la popolazione, ritrova la corona fatata. I giganti alla vista del prezioso oggetto in testa al ragazzo si inchinano e depongono le armi. Il regno è salvo e il re, come ricompensa, permette a Jack di sposare sua figlia e governare il suo popolo. l Cinema continua a ricercare soggetti e storie negli archetipi popolari. Le fiabe, da sempre legate a un certo tipo di codificazione, diventano una fonte inesauribile per nuovi film e nuove sperimentazioni tanto da trasformarsi, negli ultimi anni, in un genere a sé. L’ultimo esempio, cronologicamente parlando, è Il Cacciatore di Giganti, di Bryan Singer, una rivisitazione della nota

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storia Jack e i fagioli magici in chiave fantasy. La pellicola si presenta allo spettatore con tutti i cliché del genere ma, nonostante abbia ampliato la fiaba originaria con trovate apprezzabili, non lascia il segno. Il vero problema di queste produzioni, di per sé anche buone, è l’uso della cornice “fantasy”sempre e a ogni costo. Sicuramente è una scelta che ha un suo ritorno al botteghino, ma rende queste pellicole tutte terribilmente uguali. La scelta delle luci, i colori, i movimenti di camera seguono tutti lo stesso abecedario, privando anche i film più avventurosi, come Il Cacciatore di Giganti, di quella giusta dose di stupore che li rende emozionanti. Nel nostro caso, Bryan Singer, a differenza di alcuni suoi colleghi, non ci prova neanche a dare un tocco, anche sbagliato, di originalità; confeziona il suo compitino senza grossi errori e lo dà in pasto al pubblico, probabilmente convinto che un gigante in digitale possa far venire ancora i brividi. Insomma Il Cacciatore di Giganti insegue il triste destino dei mediocri: non si lascia ricordare. E nel mondo del Cinema, capace di trasformare con il tempo un film brutto in un “cult”, l’indifferenza è forse la punizione più brutta. Francesca Piano

TAKE SHELTER (Take Shelter) Stati Uniti, 2011 Regia: Jeff Nichols Produzione: Grove Hill Productions, Strange Matter Films Distribuzione: Movies Inspired Prima: (Roma 29-6-2012; Milano 29-6-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Jeff Nichols Direttore della fotografia: Adam Stone Montaggio: Parke Gregg Musiche: David Wingo Scenografia: Chad Keith Costumi: Karen Malecki

urtis LaForche abita con la sua famiglia in una cittadina dell’Ohio. A 35 anni si può dire che abbia una vita tranquilla, quella che ogni uomo desidererebbe. Ha un buon lavoro come operaio per una compagnia che si occupa di perforazioni del sottosuolo, ama sua moglie Samantha (che fa la sarta) e adora la figlia Hannah, una ragazzina sordomuta con la quale comunica attraverso il linguaggio dei segni. La zona degli Stati Uniti in cui vive è

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Interpreti: Michael Shannon (Curtis LaForche), Jessica Chastain (Samantha), Shea Whigham (Dewart), Katy Mixon (Nat), Kathy Baker (Sarah), Ray McKinnon (Kyle), Lisagay Hamilton (Kendra), Robert Longstreet (Jim), Tova Stewart (Hannah), Natasha Randal (Cammie), Ron Kennard (Russell), Scott Knisley (Lewis), Bob Maines (Walter Jacobs), Pete Ferry (Melvin), Molly McGinnis (Janine), Guy Van Swearingen (Myers), Jeffrey Grover (Psichiatra), Bart Flynn (Dave), Ken Strunk (Dr. Shannan) Durata: 116’

spesso colpita da tornado di grandi proporzioni. Curtis inizia a sentirsi minacciato dalla possibilità - incombente secondo lui - che arrivi un vero e proprio cataclisma. Ogni notte fa dei terribili incubi, in cui sogna di essere aggredito dalle figure a lui più vicine (la moglie, il collega di lavoro, il suo cane), da cui poco a poco cerca di allontanarsi in segno di difesa. Si comporta in maniera sempre più strana: è continuamente inquieto, taciturno, distratto, non dorme e non ha appeti44

to. Va dal medico dicendo che ha problemi con il sonno; gli viene prescritto un sedativo leggero e consigliato il consulto con uno psichiatra. Curtis, sempre più ossessionato dalle sue visioni, decide di costruirsi una specie di bunker, ampliando un rifugio sotterraneo già presente nel giardino della sua casa. È qui che vuole nascondersi con la famiglia per sfuggire alla tempesta in arrivo. Decide di domandare un prestito alla banca, chiede l’aiuto in segreto dell’ami-

Film co Dewart per i lavori (con il risultato di essere licenziato) e si affretta a fare una riserva di cibo e di maschere antigas in previsione del lungo tempo che dovrà trascorrere nel covo. Nel frattempo, studia sui libri la sua possibile malattia perché ha il timore di averla ereditata dalla madre, affetta da molti anni da “schizofrenia paranoide”. Nonostante sia in cura da uno psicoterapeuta, i suoi disturbi si fanno sempre più gravi. Sceglie allora di parlarne con la moglie, alla quale, in un primo momento aveva taciuto la verità. Una notte, un forte temporale costringe l’intera famiglia a trovare riparo nel bunker. Ma la mattina dopo tutto è già finito e può uscire dal rifugio. In attesa che Curtis cominci una terapia intensiva, i tre trascorrono alcuni giorni di vacanza al mare. Proprio qui le visioni dell’uomo diventano realtà: il tornado è davvero una minaccia concretamente visibile ai loro occhi. uando si entra nel gorgo della schizofrenia non c’è niente che appaia più sicuro oltre alla morte. Sarà per questo che Curtis, dinnanzi all’inevitabile catastrofe, si scava una fossa nel proprio giardino, dalla cui oscurità si sente difeso e protetto (ci passa le notti sveglio a riflettere o a leggere libri di psichiatria). Come un ventre materno in cui far ritorno, una finestra illuminata nella Madre Terra dove tutto inizia e tutto finisce. Dopo Bug di Friedkin e My son, my son, what have ye done? di Herzog, Take Shelter (Gran Premio della Settimana Internazionale della Critica al Festival di Cannes 2011) chiude una sorta di “trilogia della paranoia” per il titanico protagonista Michael Shannon. Un attore forse a cui non è stato ancora riconosciuto il suo esplosivo talento, ma che nel ruolo di psicopatico, o comunque di “disturbato mentale”, giganteggia come nessuno altro al mondo. Il suo sguardo, potente e penetrante riesce a comunicare disagio e turbamento ancor prima di contorcersi in una smorfia di dolore misto a follia (le visioni gli provocano violente e incontrollabili reazioni: si sente soffocare, dà di stomaco, sanguina, ha le convulsioni, bagna il letto). È emblematica la scena della cena di beneficenza, quando da tranquillo padre di famiglia, nel volgere di pochi istanti, si trasforma in una moderna Cassandra che prevede l’arrivo di un fatale tornado. Uno sfogo rabbioso contro chi lo ritiene uno squilibrato giunge a rompere improvvisamente un momento di riconquistata normalità.

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Ma l’inquietudine serpeggia sul suo volto fin dall’inizio: nella prima inquadratura del film osserva il cielo tenebroso. La tempesta è annunciata da un temporale; piove acqua gialla, color ruggine, come olio per motori che macchia i vestiti di Curtis. Un primo segnale sinistro. L’uomo corre a farsi la doccia, ma in realtà non riuscirà mai a lavare quello “sporco”. Gli ha già contaminato il cervello. Successivamente inizierà a sentire tuoni fortissimi (mentre l’orizzonte è limpido), o a vedere fulmini che squarciano e illuminano la notte. Il racconto, come del resto la regia di Jeff Nichols, sono piuttosto classici nell’impostazione, ma offrono un crescendo di angoscia e terrore davvero notevole. Incubi e visioni non costituiscono una realtà “altra” o parallela, ma sembrano far parte della vita quotidiana, tale è la verosimiglianza dei fatti che può arrivare a innescare la pazzia. Mentre Curtis è in giardino a sistemare legni vecchi, con la figlia a pochi metri da lui che gioca, il tornado si fa sempre più incombente: il suo cane, legato, abbaia insistentemente, poi rompe le catene e finisce per azzannarlo a un braccio (lo rinchiuderà in un recinto). O ancora: è in casa da solo con la figlia, mentre fuori c’è il temporale. Qualcuno gli appare dietro alla finestra, vuole entrare in casa, forza la serratura. Poi vede i mobili del soggiorno che si sollevano e restano sospesi in aria per alcuni secondi. Effetti speciali a parte (vede gli uccelli volare quasi rasoterra e venire addosso a lui e alla figlia e poi, all’improvviso, cadere come nella famosa pioggia di rane di Magnolia), il pur giovane Nichols si dimostra

un abile tessitore di suspense, che costruisce con una maturità stilistica degna dei migliori Kubrick e De Palma. Prendiamo, per esempio, la visione che il protagonista ha della moglie in cucina: in soggettiva vediamo il suo addentrarsi in questo spazio attraverso un lento carrello in avanti. Fino al punto in cui il suo sguardo allucinato ci rivela l’immagine della moglie (irriconoscibile) con gli abiti fradici e gocciolanti, accanto a un coltello ben affilato pronto sul tagliere. Il paragone potrà sembrare azzardato, eppure questa sequenza evoca in maniera impressionante un capolavoro “ad alta tensione” come Shining. Un’altra soluzione formalmente interessante è quella di accumulare paura negando però la sua fonte. Nell’epilogo, quando padre e figlia sono sulla spiaggia, è la bambina che si accorge dell’arrivo del tornado: per alcuni secondi noi non vediamo nulla, ma possiamo solo immaginare quale sia il terrificante controcampo. La figura di Hannah è fondamentale nel film, in quanto analoga-e-contraria a quella di Curtis. Come quest’ultimo, la ragazzina sordomuta vive in un mondo tutto suo, fatto di segni (non riesce a interagire con gli altri bambini). Mentre è la prima a vedere l’avvicinarsi della “fine”, non può sentire però il frastuono che si agita nella mente del genitore. Due mondi condannati alla solitudine, che la dicono lunga su quanto sia frustrante per chi è diverso comunicare con la realtà. Sullo sfondo di un’America sempre più vittima di ignoti fantasmi, sempre più in balia di un imminente pericolo che sa di Apocalisse. Diego Mondella

BED TIME (Mientras duermes) Spagna, 2011 Regia: Jaume Balagueró Produzione: Castellano Pictures, Filmax Entertainment Distribuzione: Key Films Prima: (Roma 27-7-2012; Milano 27-7-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Alberto Marini Direttore della fotografia: Pablo Rosso Montaggio: Guillermo de la Cal Musiche: Lucas Vidal Scenografia: Javier Alvariño Costumi: Marian Coromina Effetti: Juan Carlos Dávila, Cesc Biénzobas, Nasa FX, DDT Efectos Especiales, Cubica Interpreti: Luis Tosar (César), Marta Etura (Clara), Alberto San Juan (Marcos), Iris Almeida (Úrsula), Petra Martínez (Miss Verónica), Carlos Lasarte (Inquilino del 4º B), Pep Tosar (Padre di Úrsula), Margarita Rosed (Madre di César), Oriol Genís (Amministratore condominio), Amparo Fernández (Donna delle pulizie), Roger Morilla (Figlio della donna delle pulizie), María Dolors Vidal (Madre di Clara), Pilar Oliva (Inquilina del 3º B) Durata: 102’

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Film esar fa il portiere in un palazzo di Barcellona. Non ha nessuno scopo nella vita e il suo vero piacere è quello di far soffrire le persone che lo circondano. Inorridito dall’atteggiamento gioioso di Clara, una giovane che abita nel palazzo, Cesar decide di rendere la sua vita un vero e proprio inferno. Ogni sera penetra nell’appartamento della ragazza e si nasconde sotto al suo letto in attesa che lei rientri. Con del cloroformio Cesar si assicura lo stato di incoscienza della ragazza per abusare sessualmente di lei. Ma le torture di Cesar non si limitano a questo. La sua ossessione arriva al punto di infestarle la casa di scarafaggi e di inviarle lettere e messaggi anonimi. Una sera Clara rientra a casa con il fidanzato Marcos e per poco Cesar non viene scoperto. Un giorno, Marcos trova Cesar nascosto nella doccia con gli abiti bagnati, ma il portiere riesce a giustificarsi dicendo di essersi bagnato a causa di alcuni interventi al sistema idraulico. Intanto, vista la sua ossessione per Clara, l’uomo incomincia a trascurare il lavoro e viene licenziato in tronco con l’obbligo di andar via in due settimane. Per la disperazione, Cesar pensa al suicidio e si reca sulla terrazza del condominio per lanciarsi di sotto. Da qui vede rientrare Clara e Marcos e scopre che lei è incinta. Marcos però è sicuro che il bambino non sia suo. Approfittando dell’assenza di Clara, si reca nel suo appartamento e scopre gli oggetti di Cesar na-

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scosti sotto al letto. Con una scusa riesce a incontrarlo nell’appartamento della fidanzata e a fargli confessare tutto. I due uomini finiscono in una colluttazione durante la quale Marcos viene colpito a morte con un taglio al collo. Cesar minaccia di morte, intimandole di tacere su quanto accaduto, la bambina che abita nell’appartamento accanto a quello di Clara e che, dopo aver smascherato le sue mosse, l’aveva ricattato per settimane in cambio di denaro. Qualche mese dopo, Clara riceve una lettera da parte di Cesar nella quale lui le confessa tutto anche di essere il padre di suo figlio. hi sono gli altri? Chi sono veramente le persone che ci stanno accanto tutti i giorni? Sembra voler rispondere a queste domande Bed Time, l’ultimo film del regista spagnolo Jaume Balaguerò. Nella traduzione sarebbe stato forse più adeguato mantenere una traduzione letterale del titolo originale, Mientras duermes, che in spagnolo significa “mentre dormi” perché l’utilizzo della parola “mentre” avrebbe dato anche al pubblico la sensazione più netta e coerente del flusso continuo del tempo, di momenti lenti che si muovono in avanti come, in realtà, si avverte durante la visione del film. Per continuità non si intende solo lo svolgimento della storia, ma proprio la maturazione sottile e profonda di un’ossessione, quella di Ce-

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sar (Luis Tosar) nei confronti di Clara (Marta Etura) e del sospetto, quello di Marcos (Alberto San Juan) nei confronti di Cesar. Tutto questo per dire che Balaguerò riesce a mixare perfettamente in Bed Time ingredienti dell’horror e del thriller, creando una tensione molto efficace che qualcuno ha definito “alla Hitchcock”. Ma quello in cui la regia colpisce di più è l’aver saputo andare in profondità, l’aver saputo scavare nel buoi della quotidianità, rappresentata attraverso una assoluta fedeltà dei luoghi. Il palazzo di Barcellona e l’appartamento di Clara potrebbero essere i luoghi abitati da qualsiasi individuo. Il film di Balaguerò non ha affatto l’intenzione di approfondire i personaggi dal punto di vista psicologico e se questo fosse il suo vero intento bisogna ammettere che non è la parte riuscita meglio. Piuttosto sembra che il regista, grazie soprattutto a un utilizzo della macchina da presa fatta di movimento dall’alto verso il basso e di messa a fuoco del particolare rispetto allo sfondo voglia indagare sullo sguardo del genere thriller. In questo ci riesce perfettamente, nonostante i suoi interpreti, seppur molto noti in Spagna, non siano eccezionali. Quello che conta è la riuscita della suspence, del crescendo di dubbi e incertezze che si avverte nello spettatore così come nei personaggi. Marianna Dell’Aquila

IL GRANDE E POTENTE OZ (Oz: The Great and Powerful) Stati Uniti, 2013 Regia: Sam Raimi Produzione: Roth Films, Wakt Disney Pictures Distribuzione: The Walt Disney Company Italia Prima: (Roma 7-3-2013; Milano 7-3-2013) Soggetto: dal romanzo “Il meraviglioso mago di Oz” di L. Frank Baum Sceneggiatura: Mitchell Kapner, David Lindsay-Abaire Direttore della fotografia: Peter Deming Montaggio: Bob Murawski Musiche: Danny Elfman Scenografia: Robert Stromberg Costumi: Gary Jones

ansas 1905. Oscar Diggs lavora come illusionista in un circo. Cinico e affascinante con i suoi trucchi conquista pubblico e donne; ma, un giorno, proprio per una sua avventura galante è costretto a scappare a bordo di una mongolfiera. Il viaggio è breve poiché a causa di un ciclone atterra violentemente in un paese sconosciuto, il Regno di Oz.

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Effetti: Scott Stokdyk, Gregory Nicotero (trucco), Howard Berger (trucco), Luma Pictures, New Deal Studios Interpreti: James Franco (Oscar Diggs/Mago di Oz), (Mila Kunis), (Theodora), Rachel Weisz (Evanora/La strega malvaggia dell’est), Michelle Williams (Annie/Glinda), Abigail Spencer (May), Zach Braff (Frank), Joey King (Ragazza di porcellana sulla sedia a rotelle), Tony Cox (Knuck), Martin Klebba (Nikko), Toni Wynne (Moglie dell’uomo forzuto), Tim Holmes (Uomo forzuto), Bill Cobbs (Maestro stagnino),Ted Raimi (Ely Yuri), Dennis Kleinsmith (Stagnino), Ron Causey (Stagnino), Wayne Briston (Stagnino) Durata: 131’

Qui incontra Theodora, una strega, che vede in lui il “mago” che salverà la sua terra proprio come annuncia una vecchia profezia. Oscar, invaghitosi della donna, finge di essere il prescelto e si lascia condurre nella Città di Smeraldo dove ad attenderlo c’è Evanora, sorella di Theodora e reggente del trono. Le due streghe gli mostrano tutti i teso-

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ri del regno e gli dicono che ogni cosa sarà sua se in cambio ucciderà la strega cattiva Glinda che terrorizza tutta la popolazione. Oscar allettato dalla proposta parte alla ricerca della megera. Durante il suo cammino vede città devastate e molte persone sofferenti; per questo quando si trova di fronte a Glinda prova subito a disarmarla. Ben presto, però,

Film si accorge di essere stato ingannato. Non è lei la cattiva, ma Evanora. Oscar, ammaliato dalla bella Glinda, si finge nuovamente il salvatore della famosa profezia e decide di aiutarla. Nel frattempo, nella Città di Smeraldo, Evanora, attraverso una sfera di cristallo segue tutta la situazione ed escogita un piano per sconfiggere il sedicente mago. Approfittando dei sentimenti di sua sorella le fa intuire che Oscar è innamorato di Glinda. Theodora, allora, cade nella disperazione e le chiede un rimedio per placare il dolore. Evanora le fa mordere una mela che in pochi secondi la rende orribile sia nell’aspetto sia nell’animo. Le due sorelle, pervase dall’odio, mandano un gruppo di scimmie volanti ad uccidere Oscar e il suo gruppo di amici, ma Glinda, grazie a uno stratagemma, riesce a portare tutti in salvo nel suo villaggio. Qui confessa al ragazzo di aver capito che è un imbroglione, ma allo stesso tempo gli conferma la sua fiducia in lui. Oscar, sorpreso dalle sue parole, decide di organizzare un esercito per combattere le due streghe malvagie. Purtroppo ha a disposizione gente poco avvezza alla guerra, ma grazie ai suoi trucchi da circo e tanta buona volontà riesce a sconfiggere il nemico riportando la serenità nel regno di Oz, di cui diviene il mago amato da tutti e soprattutto dalla bella Glinda. ono passati più di 70 anni da quando Il Mago di Oz di Victor Fleming uscì nelle sale. Un enorme successo di pubblico che ha trasformato la pellicola in un’icona, con scene, canzoni e modi di dire entrati a pieno titolo nella cultura popolare superando addirittura l’opera originale di L. Frank Baum a cui è ispirata. Basti pensare alle famose “scarpine di rubino”, gettonatissime insieme alla statua della libertà nei negozi di souvenir americani, che nel romanzo sono, e in molti rimarranno delusi, semplicemente color argento. Un esempio quantomai banale, ma che rende l’idea della potenza iconica del cinema. È ovvio che con queste premesse l’idea di riproporre una nuova visione del film è alquanto folle. La Disney a metà degli anni ’80 provò a fare una sorta di sequel sempre basandosi sui racconti di Baum, ma dovette scontrarsi con critica e pubblico che solo di recente hanno mostrato interesse per il film. Proprio per questo ha creato moltissima attesa l’uscita, sempre in casa Disney, di Il Grande e Potente Oz. La pellicola è un prequel e racconta di come un sedicente illusionista, donnaiolo e senza scrupoli, riesca a salvare il regno

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di Oz diventandone il famoso e temuto mago. Gran parte del merito va alla regia di Sam Raimi che già nei primi minuti, con il cambio di formato e il passaggio dal bianco e nero al colore, ripaga il prezzo del biglietto. Il regista, inoltre, adotta una tecnica piuttosto rara ultimamente: abbandonata ogni velleità autoriale e si mette a disposizione della storia, ne fa “un bel film” dove l’unica firma riconoscibile è quella della Disney. È un ritorno al classico con mezzi moderni che, allo stesso tempo, diventa celebrazione e continuo omaggio alla settima arte. Raimi, infatti, non si lascia incantare dalle odierne regole del fantasy, ma ac-

compagna lo spettatore in un viaggio di colori e forme che fanno letteralmente sgranare gli occhi. È una ricercatezza estetica che crea uno stupore quasi infantile da cui è difficile sottrarsi e che diventa il sostegno imprescindibile per una sceneggiatura non sempre all’altezza. Ottima, invece, la scelta del cast. Mila Kunis, Michelle Williams, Rachel Weisz, tre fascinose streghe che si contendono le simpatie di James Franco, un mago deliziosamente imperfetto capace, attraverso il suo personaggio e le sue illusioni, di incarnare l’essenza stessa del Cinema. Francesca Piano

QUIJOTE Italia, 2006 Regia: Mimmo Paladino Produzione: Angelo Curti per Ananas S.R.L. Distribuzione: Distribuzione Indipendente Prima: (Roma 23-3-2012; Milano 23-3-2012) Soggetto: ispirato al romanzo “Don Chisciotte” di Miguel de Cervantes Sceneggiatura: Mimmo Paladino, Corrado Bologna Direttore della fotografia: Cesare Accetta Montaggio: Massimiliano Pacifico Musiche: Lucio Dalla Scenografia: Paolo Petti Costumi: Ortensia De Francesco Interpreti: Peppe Servillo (Quijote), Lucio Dalla (Sancho), Ginestra Paladino (Dulcinea), Enzo Moscato (Curato), Alessandro Bergonzoni (Mago Festone), Enzo Cucchi (Mago Merlino), Remo Girone (Morte), Edoardo Sanguineti (Poeta), Roberto De Francesco (Federico II), Martin Reicht (Sancho acrobata) Daghi Rondanini (Cervantes), Lorenzo Palmieri (Quijote giovane),Carlo Quartucci (Cardinale), Marco Alemanno (Turiddu Carnevale),Gabriella Petti (Marcella), Carla Tatò (Duchessa), Carlo Alberto Anzuini (Arabo), Alfonso Beatrice (Cavaliere), Angelo Curti (Barbiere), Paolo Petti (Quijote anziano) Durata: 75’

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Film n mezzo a un paesaggio pieno di rovine, con pezzi di statue, sculture infrante e altri oggetti accatastati al suolo, spunta la figura di Sancho Panza, che recita prima in spagnolo e poi in italiano raccontando la storia di Don Chisciotte. L’eroe per eccellenza della letteratura moderna che volle farsi cavaliere errante per riportare nel mondo i valori dell’antica cavalleria: virtù, lealtà, onestà. Per liberare la terra da ingiustizie e soprusi. “Il signore dell’alba e dell’avventura” (così viene definito) vive i suoi ultimi giorni in uno spazio in cui regnano incontrastati il silenzio e la desolazione. Dove i pochi frammenti concreti sono rappresentati da edifici diroccati, muri cadenti, ciottoli, brandelli di armatura. La sua sorte è simile a quella di tanti altri coraggiosi cavalieri che lottarono strenuamente per restituire agli uomini luce e speranza, ma fallirono nell’impresa. Come l’Imperatore Federico II, detto “Stupor Mundi”, che appare sotto le sembianze di un fantasma. Oppure come Crisostomo che, benché vittorioso sul campo di battaglia, non riuscì a sfuggire alle pene d’amore e impazzì. Dulcinea, donna di bianco vestita, custode del ventre della terra, del lago e della caverna (luoghi chiamati “Mofete”), ha il compito di narrare le gesta sventurate di questi cavalieri solitari e maledetti.

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l mondo sta finendo» – dice Don Chisciotte agli attori in teatro. La sua Apocalisse è già cominciata. Nel suo sguardo abbagliato dalla follia, che scambia mulini a vento per giganti. Nella sua fantasia alimentata dai libri, fatta di avventure che si illude possano lasciare una traccia nella storia dell’umanità. Il celebre hidalgo de La Mancha, che ha il volto austero e impenetrabile di Peppe Servillo, storico fondatore del gruppo musicale degli Avion Travel, ha un appuntamento non procrastinabile con la Morte, che gli «cammina accanto» già da tempo. E la partita in gioco non ammette errori, se è vero che la Signora dal mantello nero (un Remo Girone più che mai ispirato) non hai mai fatto un passo falso. Il suo fedelissimo compagno di viaggio Sancho, intento a mangiare trofei di frutta, oppure a parlare o vaneggiare durante il sonno appoggiato a botti di vino, lo accompagna nella sua ultima avventura, attraversando le campagne deserte del Sannio.Tra curiosi rantoli e accenni di canzoni napoletane, il signorotto panciuto e tarchiato, dall’inseparabile cappello, compartecipa al delirio dell’amico (che nel finale gli domanda perdono per averlo trascinato nel suo mondo finto di immaginazione e di follia). Fino a diventare un po’ la “voce” della sua coscienza. L’istrionico Lucio Dalla, con questo ruolo disegnatogli su misura, ancora una volta si mette in discussione come artista

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brillante e proteiforme (cantante, compositore, direttore d’orchestra, autore, regista, attore). E, soprattutto, si mette a nudo esibendo il suo talento e la sua predisposizione per il cinema e la recitazione. L’artista Mimmo Paladino rivisita in modo personalissimo un mito intramontabile della cultura mondiale “sporcando” qua e là la rievocazione storica con materiali ibridi. Dalle citazioni nobili di Borges e Joyce, recitate dal poeta Sanguineti in pose anomale (di spalle o di profilo), agli strani componimenti quasi surrealisti declamati da Alessandro Bergonzoni. Dalle musiche di Dalla, al teatro puro “dei cardinali e delle duchesse” (dove spicca una Carla Tatò in stato di grazia). Pur essendo al suo primo esperimento filmico, che arriva nelle sale dopo ben sei anni dal primo passaggio al Festival di Venezia (sezione “Orizzonti”, 2006), il pittore e scultore campano dimostra un’ottima padronanza dello spazio cinematografico. Che grazie a un’originale messa in scena, riesce a rivelare nella sua essenza metafisica con frequenti carrelli in avanti, vere e proprie incursioni nell’inconscio tormentato del protagonista. In ogni immagine di Quijote si respira la quinta essenza dell’Arte: dalle inquadrature costruite secondo un principio compositivo pittorico, alle scenografie allestite con le opere dell’artista-regista della Transavanguardia. Diego Mondella

IL VOLTO DI UN’ALTRA Italia, 2012 Regia: Pappi Corsicato Produzione: Tilde Corsi e Gianni Romoli per R&C Produzioni, in collaborazione con Rai Cinema Distribuzione: Officine Ubu Prima: (Roma 11-4-2013; Milano 11-4-2013) Soggetto: Pappi Corsicato, Monica Rametta, Gianni Romoli Sceneggiatura: Pappi Corsicato, Monica Rametta, Gianni Romoli, Daniele Orlando (collaborazione) Direttore della fotografia: Italo Petriccione Montaggio: Cristiano Travaglioli Scenografia: Andrea Crisanti

ella, di nome e di fatto, conduce un programma televisivo sulla chirurgia plastica insieme al marito chirurgo, Renè che effettua interventi dimostrativi sugli ospiti che partecipano al programma. Il calo degli ascolti porta però i responsabili della trasmissione a non rinnovare la fiducia alla bellissima conduttrice, che

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Costumi: Roberto Chiocchi Interpreti: Laura Chiatti (Bella), Alessandro Preziosi (René) Lino Guanciale (Tru Tru), Iaia Forte (Suora Infermiera), Angela Goodwin (Proprietaria negozio animali impagliati), Franco Giacobini (Proprietario negozio animali impagliati), Fabrizio Contri (Produttore televisivo),Giancarlo Cauteruccio (Sponsor programma), Arnaldo Ninchi (Dottore assicurazione), Paolo Graziosi (Assicuratore), Elisa Di Eusanio (Moglie camperista), Emanuele Salce (Marito camperista), Daniele Orlando (Fotografo), Rosalina Neri (Paziente Clinica), Clelia Piscitello (Paziente Clinica) Durata: 84’

interrompe la riunione e se ne va indispettita incontro al suo strano destino. Lungo la strada di casa infatti la sua macchina è colpita da un water che un inserviente della clinica, il belloccio Tru Tru, stava trasportando sul suo camion: gravemente ferita e sfigurata Bella è operata in clinica dal marito che in quattro e quattr’otto le restituisce la bellezza di prima.

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I due però si pentono del bel risultato perchè, essendo alla rovina, avrebbero proprio bisogno dei dieci milioni di euro previsti dall’indennizzo assicurativo. Renè allora combina un falso stato del volto della moglie iniettandole delle fiale il cui risultato convince il medico dell’assicurazione circa la veridicità e la gravità dell’infortunio.

Film L’opera di spionaggio di Tru Tru e della suora infermiera svelano però l’inghippo ordito da Bella e Renè, a cui viene chiesto così di mollare parte del malloppo. Per evitare spartizioni dolorose i due decidono di operare in diretta Bella durante il programma televisivo, in tutta fretta ripristinato e attesissimo. Poco prima che tutto abbia inizio, Bella si rifiuta di procedere nella finzione, svela tutto e se ne va mentre la clinica e i relativi ospiti sono sommersi dai liquami esplosi dalla conduttura fognaria. Si vede che il destino apprezza il comportamento della ragazza, perchè la sua macchina è colpita questa volta dal frammento di un asteoride caduto dal cielo che la lascia, però, indenne e felice. appi corsicato non è regista comune: le esperienze di cultura e spettacolo del suo passato come la coreografia, la danza, la recitazione, l’arte contemporanea, il documentario lo hanno formato in maniera del tutto unica e originale. Il suo cinema non può quindi

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restare nelle “ristrettezze” di un racconto, anche se ben girato e interpretato, perchè questo diventa ben presto un’altra cosa, una visione grottesca, surreale della vita, come se solo in tale modo questa valga la pena di essere approfondita e presentata. Non interessa a Corsicato raccontare un argomento che pure lo interessa perchè il girare diventa per lui ribaltare, vedere il fondo di rapporti umani che non possono essere descritti semplicemente e decentemente perchè orribili e terribili; neanche è possibile utilizzarli a scopo didattico-morale, esemplificativo, né storico-sociale. Ecco quindi il trasporto dei water, preludio dei fantasmagorici fuochi d’artificio di escrementi; ecco la bellezza osannata e subito svilita, insultata e utilizzata per farne dell’altro; ecco un volto bellissimo di donna che, al momento in cui raggiunge il suo apice, si copre, si annulla per predisporsi alla trasformazione, per essere qualcos’altro perchè sempre di qualcos’altro c’è bisogno in queso mondo stravolto; ed ecco i personaggi biechi, orrendi, deformi

come i monaci di Goya, neri demiurghi di questa realtà antiumana che non possono fare altro che essere buttati al cesso e dal suo contenuto essere seppelliti; al centro è fantastica la danza in albergo dei due protagonisti, perfetta contaminazione grottesca di un gioco esistenziale giunto alla fine, il vertice della intelligente prova di attori fornita da Laura Chiatti e Alessandro Preziosi, epigoni di un bellissimo twist seducente, surreale e mortuario ballato dalla Thurman e Travolta in un film di Tarantino. Una luce, però, esiste, abbagliante, che rende la fotografia di Italo Petriccione di un forte spessore cromatico nel caratterizzare la scena che in più di un momento ci riporta alla moltitudine felliniana delle terme: non proiezione onirica dell’inconscio di un regista sublime, ma visione deturpante di un cineasta di oggi che non può che constatare come la nostra storia di uomini non meriti altro che asteroidi traccianti, cessi impazziti, liquami avvolgenti. Fabrizio Moresco

THE WEDDING PARTY (Bachelorette) Stati Uniti, 2012

Musiche: Andrew Feltenstein, John Nau Scenografia: Richard Hoover Costumi: Anna Bingemann Interpreti: Kirsten Dunst (Regan), Rebel Wilson (Becky), Lizzy Caplan (Gena), Isla Fisher (Katie), Hayes MacArthur (Dale), Kyle Bornheimer (Joe), James Marsden (Trevor), Adam Scott (Clyde), Paul Corning (Jack Johnson Guy), Andrew Rannells (Manny), Ann Dowd (Victoria), Ella Rae Peck (Stefanie), Shauna Miles (Theresa), Arden Myrin (Melissa), Candy Buckley (Sheila), Sue Jean Kim (Wedding Planner) Durata: 94’

Regia: Leslye Headlan Produzione: Will Ferrell, Adam McKay, Jessica Elbaum, Claude Dal Farra, Brice Dal Farra, Lauren Munsch per Gary Sanchez Productions, Bcdf Pictures Distribuzione: Key Films Prima: (Roma 18-10-2012; Milano 18-10-2012) Soggetto: dalla pièce teatrale “Bachelorette” di Leslye Headlan Sceneggiatura: Leslye Headlan Direttore della fotografia: Doug Emmett Montaggio: Jeffrey Wolf

uattro amiche dai tempi del liceo. La meno avvenente delle quattro, Becky, che si sposa. Questo l’inizio di The wedding party. Le quattro amiche (o come si chiamavano a scuola “Le scoppiate”) quindi si ritrovano insieme dopo tanto tempo e la partecipazione delle damigelle è un pretesto in realtà per far sfoggio della loro persona. Nel gruppo la più cinica (Regan), la damigella d’onore, è accompagnata dalla svampita del gruppo (Katie) e dal maschiaccio di turno (Gena). Le tre amiche la notte prima del gran giorno vogliono boicottare la noiosa programmazione della sposa dell’indimenticabile “ultima notte” e decidono di divertirsi in ogni modo. Becky, per loro “faccia di maiale”, è ber-

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saglio delle loro prese in giro. Ma la vera avventura comincia quando per sbaglio strappano il suo vestito da sposa. Durante la notte cercano il modo di rimetterlo a nuovo prima chiedendo alla stireria dell’albergo e poi andando in uno strip club dove sanno di poter trovare lo sposo con i rispettivi amici per l’addio al celibato. Tra gli amici ci sono un donnaiolo interessato a Regan, l’ex di Gena e James , infatuato di Katie. Grazie all’aiuto della madre dell’ex di Gena , le tre riescono a riparare il vestito ridotto dopo diverse vicissitudini a uno straccio. Il matrimonio si celebra, Gena e l’ex si rimettono insieme, Katie e il suo spasimante anche, mentre Regan rimane prima della classe, ma sola. 49

otremo forse considerare questo film metaforicamente come il vestito della povera Becky. Dilaniato da un rispetto dell’istituzione che non c’è più e da tante macchie: il vomito di chi rifiuta la serietà della vita, i residui organici di chi ha scarsa considerazione dei veri valori e, infine, il sangue della nostra società malata. Forse non potremmo riassumere meglio questo film come un agglomerato di disvalori e di volgarità. Non tanto per il linguaggio quanto per tutte le tematiche serie trattate con grande leggerezza. L’aborto, l’uso del corpo femminile e maschile, il rispetto per gli altri, la lussuria, la droga, l’alcol, la violenza, l’ invidia, l’egoismo, il cinismo e l’edonismo. Reale rappresentazione della società

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Film moderna o iperbole di un sessismo portato all’estremo? I critici di buon senso le appellano come “politicamente scorrette”. Può darsi... Quel che è certo è che il pubblico al quale si consiglia la visione deve essere dai valori ben saldi. Un buon filtro interpretativo per una ennesima commedia americana sul matrimonio è necessario. Forse più che mettere in crisi l’istituzione matrimonio, qui la vera emergenza riguarda la generazione femminile del XXI secolo e della sua umanità. L’ipocrisia è a farla da padrone e un completo rovesciamento dei valori è ciò che con-


traddistingue questa pellicola. Interroghiamoci se in tempi di emergenza educativa sia questo il modo di rappresentare questa istituzione. La buona fede di una ragazza che ha trovato l’amore ideale (un uomo bello, ricco e innamorato tanto da andarsene quasi disgustato dallo strip club) e l’invidia della “perfettina” del gruppo che non ha trovato l’uomo della sua vita. Sarà un messaggio per tutte quelle che “se la tirano” e, alla fine, sono costrette a rimanere sole? Si può definire questa come “commedia”? A chi sostiene un legame di sangue con la fortunata serie

di Sex and the city penso davvero che si sbagli. Lì le protagoniste sono in fissa per lo shopping qui per tutto ciò che può rendere una ragazza una “bad girl”. I discorsi di Jena sull’aereo all’inizio del film e quello del suo ex al pranzo di nozze sono l’emblema di una volgarità esplicita, ma quasi didascalica e gratuita. Insomma come si può dire... Tra sbroccate e sboccate c’è una bella differenza. Capisco il non essere bigotti, ma anche alla volgarità c’è un limite. Giulia Angelucci

C’ERA UNA VOLTA IN ANATOLIA (Bir Zamanlar Anadolu’da) Turchia, Bosnia-Erzegovina, 2011 Regia: Nuri Bilge Ceylan Produzione: Zeynep Özbatur, Mirsard Purivatra, Eda Arikan, Ibrahim Sahim, Müge Kolat, Murat Akdilek, Nuri Bilge Ceylan per Zeyno Film, Prod2006, 1000 Volt, Turkish Radio Tv Corporation, Imaj Fida Film, Nbc Film Distribuzione: Parthénos Prima: (Roma 15-6-2012; Milano 15-6-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Ercan Kesal, Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan Direttore della fotografia: Gökhan Tiryaki Montaggio: Bora Göksingöl, Nuri Bilge Ceylan

a notte dell’altopiano anatolico è bucata dai fari di tre macchine che viaggiano in processione: a bordo sono un commissario con i suoi poliziotti, un procuratore, un medico legale e un assassino reo confesso con un presunto complice. Lo scopo della trasferta notturna è quello di trovare il cadavere dell’uomo che l’assassino ha ucciso e seppellito chissà dove: all’atto dell’omicidio era infatti ubriaco e i suoi ricordi, uniti probabilmente ai tentativi più o meno inconsci di depistaggio, sono molto confusi. Questo peregrinare inizialmente a vuoto è l’occasione per i tre protagonisti di rivelarsi brandelli della propria vita, dei rimpianti e delle difficoltà che l’hanno caratterizzata. Il commissario si arrabatta in continuazione tra il lavoro mal considerato dai suoi superiori, gli straordinari, i soldi che non bastano mai per sostenere le spese di famiglia di cui fa parte un figlio sempre ammalato e una moglie sempre persecutoria. Il procuratore è ossessionato dal suicidio della moglie, avvenuto a causa del tradimento di lui e che lei non aveva mai perdonato.

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Scenografia: Cagri Erdogan Interpreti: Muhammet Uzuner (Dott. Cemal), Yilmaz Erdogan (Commissario Naci), Taner Birsel (Procuratore Nusret), Ahmet Mümtaz Taylan (Arap Ali), Firat Tanis (Kenan), Ercan Kesal (Mukhtar), Cansu Demirci (Cemile, figlia di Mukhtar), Erol Eraslan (Yasar), Nihan Okutucu (Gülnaz, moglie di Yasar), Murat Kiliç (Poliziotto Izet), Emre Sen (Sergente Onder), Burhat Yldiz (Ramazan), Aziz Izzet Bicici (Propietario ristorante Kazim), Celal Acaraip (Farmacista Saim) Durata: 157’

Il medico è separato da tempo, senza figli e questa sua totale privazione di affetto sta diventando un peso sempre più insopportabile da cui lui non riesce ormai più a liberarsi. Il gruppo passa attraverso un paesino rurale dove sono ospiti del sindaco, appiccicoso postulante che chiede appoggi politici per dei finanziamenti chiesti per la ristrutturazione del cimitero e mai arrivati. L’unica luce del posto è data dalla presenza della figlia del sindaco che, silenziosa e in disparte, svolge le faccende di casa aiutata dai bagliori del caminetto e delle lampade a petrolio, visto l’altalenante flusso della corrente elettrica. Comunque, dopo alcune fermate infruttose, il luogo della sepoltura dell’assassinato è finalmente rinvenuto: fatto il verbale il cadavere è piegato alla meglio, avvolto in una coperta e caricato nel portabagagli di una delle macchine che fanno ritorno verso la provincia. Qui il drappello è accolto da un piccolo gruppo che inveisce contro il prigioniero, presto disperso e dalla moglie e dal figlio del morto; il ragazzo riesce a scagliare una pietra sulla faccia dell’assassino del padre prima che lo portino via, la donna

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provvede con una lacrima e molta compostezza a riconoscere il corpo del marito. Il dottore resta solo con la sua autopsia e i suoi pensieri. personaggi sono insieme per ore, nel particolare spazio temporale della quiete notturna che già di per sé spinge a guardarsi dentro, abbassa le difese e rende disponibili al contatto e all’interesse di un altro essere umano. Non possono muoversi, costretti come sono nello spazio angusto di un automobile, stanchi, provati da lunghe ore di indagine e per di più partecipi di una sorta di girotondo all’infinito a cui sembra sottoporli il prigioniero che, forse, sta facendo di tutto per ritardare la resa dei conti e farsi beffe dell’autorità costituita. Tutto ciò significa fornire alla macchina da presa un meccanismo perfetto su un piatto d’argento. Lo abbiamo rilevato tantissime volte come la costruzione cinematografica di una storia in uno spazio limitato come una diligenza del far west, un sommergibile, un’aula di tribunale possa far affiorare le intimità dei personaggi e dilatarne al massimo gli incubi, le bassezze, le miserie, la generosità.

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Film I pretesti della conversazione sembrano minimali come una chiacchera adatta a una sala d’attesa: la routine quotidiana che avvolge ogni tipo di professione, qualche acciacco che il passare degli anni porta in superficie, le sigarette che vanno e vengono alternandosi a reciproci progetti di smettere, sempre disattesi e sempre riproposti, i gusti per qualche pietanza, i ricordi di una ubriacatura etc. Poi, in questa melassa di banalità cade una goccia acida che fa il vuoto intorno come l’accenno che il procuratore fa alla storia lontana di una donna che conosceva il giorno in cui sarebbe morta e che il medico cerca di approfondire basandosi sulla sua conoscenza farmacologica, senza risultato. Ancora un altro accenno, un’altra smembratura di ricordi e il quadro rivela che si tratta di una moglie amata, tradita e suicida per la quale il procuratore vorrebbe oggi strapparsi il cuore, ma non può fare altro che coprire tutto alla meglio con quei baffi alla Clark Gable per cui lo prendono tutti in giro e con quel sorriso che si muta ogni volta in una maschera fonda e amarissima di rimpianto. Il medico risponde con la propria solitudine che sembra acuita dall’ambiente circostante, una terra arida e ostile che tocca con mano quando lo squarcio di un lampo gli fa intravedere il profilo di una roccia come un mostro che lo perseguita e che lo mette in fuga facendogli preferire lo


spazio soffocante di una macchina, buio come i suoi ricordi che è impossibile tenere a bada. Ancora normalità, ovvietà: è difficile il trasporto del morto senza un’attrezzatura adeguata, una macchina deve ripartire a spinta perchè ingolfata e tutto ciò fa riprendere le geremiadi del commissario che ha un’altra occasione per fare un rendiconto delle proprie giornate, ma è solo un intervallo perchè in tanta oscurità e freddo desolato, gli uomini possono solo riconoscere con se stessi le proprie afflizioni e tentare una pur difficile ipotesi di riscatto. Accompagna questa constatazione virile dei propri errori la splendida fotografia

di Gokhan Tryaki, che fa dell’altopiano anatolico un terreno dell’anima difficile da dissodare come il campo di atterraggio di un pianeta lontano e insieme colmo di colori e di bagni improvvisi di luce, dati dalla presenza fuggevole e misteriosa di due figure femminili lontane ma presenti, a simboleggiare l’unico mezzo possibile di redenzione. Gran Premio della Giuria a Cannes 2011, ottimi gli attori, sconosciuti fuori della Turchia, capaci di esprimere l’ironia, i limiti e le incapacità, il dolore e i silenzi propri di ogni essere umano. Fabrizio Moresco

DREAM HOUSE (Dream House) Stati Uniti, 2011 Regia: Jim Sheridan Produzione: Cliffjack Motion Pictures, Morgan Creek Productions Distribuzione:Universal Pictures Intenational Italy Prima: (Roma 3-8-2012; Milano 3-8-2012) Soggetto e Sceneggiatura: David Loucka Direttore della fotografia: Caleb Deschanel Montaggio: Barbara Tulliver, Glen Scantlebury Musiche: John Debney Scenografia: Carol Spier Costumi: Delphine White

ill Attenton è un editor di successo che decide di lasciare il proprio lavoro per ritirarsi in una cittadina del New England. Nel piccolo centro, l’uomo ha acquistato una bella casa dove vuole dedicarsi solo alla sua famiglia, la moglie Libby e le sue due bambine, e per scrivere un libro. Ma, ben pre-

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Effetti: Digiscope, Gradient Effects Interpreti: Daniel Craig (Will Atenton), Rachel Weisz (Libby Atenton), Naomi Watts (Ann Patterson), Marton Csokas (Jack Patterson), Claire Geare (Dee Dee), Taylor Geare (Trish), Rachel G. Fox (Chloe Patterson), Mark Wilson (Dennis Conklin), Jonathan Potts (Tony Ferguson), Lynne Griffin (Sadie), Elias Koteas (Boyce), Gregory Smith (Artie), Sarah Gadon (Cindi), Jane Alexander (Dott.ssa Greeley), Chris Owens (Tom Barrion), Bernadette Quigley (Heather Keeler), Marlee Otto (Zara), Joe Pingue (Martin) Durata: 92’

sto, quella dimora tanto sognata sembra nascondere terribili segreti e gli strani rumori che si sentono si fanno sempre più sospetti. Inoltre, la dirimpettaia, la signora Ann Patterson, sembra conoscere i fatti sanguinosi avvenuti nella villa. Col passare dei giorni, Will si rende conto che nella sua casa c’è ancora una presenza sinistra. 51

Giorno dopo giorno inizia a emergere la verità: cinque anni prima, in quella casa, un uomo, Peter Ward, aveva compiuto un’efferata strage uccidendo sua moglie Elizabeth e le sue due figlie. Nonostante si fosse professato innocente, Ward fu rinchiuso in manicomio. Dopo aver appreso che l’uomo ora si trova in libertà, Will si

Film reca al manicomio per sapere la verità. Da alcuni giorni, le bambine dichiarano di vedere una figura nera fuori dalla loro casa e Will teme che quell’uomo voglia tornare a far del male alla sua famiglia. Al manicomio, il direttore gli mostra il video del paziente e così Will scopre una sconcertante verità. L’assassino era lui. Rifiutando la realtà, Will si era creato una nuova identità non potendo sopportare l’idea di aver ucciso la sua famiglia. Will però non riesce a ricordare nulla anche a causa di una ferita da arma da fuoco che le aveva provocato la moglie. Sebbene combattuto, decide con coraggio di vivere in quella casa perché vuole a tutti i costi scoprire la verità. Si fa aiutare anche dalla moglie che non accetta l’idea di essere morta. In città tutti si scagliano contro Will, l’unica persona che riesce a dargli un po’ di conforto è la vicina di casa Ann. Un giorno, Ann si reca a casa di Will che finalmente ricorda: non fu lui a uccidere la sua famiglia, ma un assassino col quale ebbe un corpo a corpo. La moglie Libby morente, prese la pistola e, nel tentativo di sparare al suo assassino, colpì per sbaglio Will permettendo all’omicida di scappare. Ora anche Libby ricorda tutto. Ma Will e Ann vengono attaccati da Jack, l’ex marito di Ann, e dall’uomo che compì la strage. Cinque anni prima, infatti, Jack aveva pagato un uomo perché uccidesse la moglie per poter entrare in possesso dell’eredità attraverso la custodia della figlia. Ma, appunto, quel giorno maledetto di cinque anni fa, l’uomo sbagliò casa e, trovandosi davanti Will, aprì il fuoco compiendo una strage. Con il ritorno di Will nella cittadina, Jack intravide la possibilità di portare a termine il suo piano, uccidendo la moglie Ann e facendo ricadere la colpa su Will. In cantina Jack uccise il suo complice e appiccò il fuoco alla casa, ma Libby


riuscì a svegliare Will in tempo utile per salvare Ann portandola fuori dalla casa mentre Jack restò intrappolato tra le fiamme. Poi Will rientrò in casa dove rivide per l’ultima volta la moglie Libby e le due figlie. Libby lo spinse ad andarsene e, dopo avergli detto addio, scomparve con le bambine permettendo a Will di salvarsi. Nell’ultima scena, Will osserva una vetrina dove è esposto il libro di cui è autore dal titolo “Dream House”. n caso singolare questo Dream House, dalla storia piuttosto travagliata. Dopo l’uscita negli Stati Uniti, dove si è rivelato un clamoroso flop, si è diffusa la notizia che il regista irlandese Jim Sheridan (cineasta tutt’altro che mediocre che ha all’attivo pellicole importanti come Il mio piede sinistro e Nel nome del padre che ottenne sette candidature agli Oscar) aveva deciso di disconoscere la pellicola addirittura inoltrando la richiesta presso l’organismo della Directors Guild of America per far cancellare il suo nome. Le ragioni di una decisione così radicale stanno, a quanto pare, in alcuni disaccordi con la casa di produzione riguardanti soprattutto il taglio finale del film che si allontanerebbe molto alla sua idea iniziale. Le tensioni si sono acuite quando il regista decise di ignorare i dialoghi scritti dallo sceneggiatore David Loucka (autore anche del soggetto) decidendo di improvvisare una parte del film. A questo punto la produzione, con un colpo di mano, prese in mano l’opera decidendone il montaggio finale senza consultare il regista. A causa di questi fatti, e con la successiva aggravante di un trailer “sciagurato” e fin troppo rivelatore, il regista e gli attori Daniel Craig e Rachel Weisz si sono rifiutati di promuovere questo film evitando interviste e tour promozionali.

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In effetti la pellicola non può definirsi certo riuscita. I rimaneggiamenti di cui sopra escono allo scoperto man mano che il film procede, sempre più confuso e sempre più indeciso sulla risoluzione finale della vicenda. Una storia da psico-thriller con tentativi di pennellate horror troppo contaminata da rivisitazioni e riscritture. Certo, ci sono alcune cose francamente sprecate, come il colpo di scena rivelatore per il protagonista intorno alla metà del film e la professionalità di attori del calibro di Craig, Weisz e Naomi Watts. Ma il piatto della bilancia pende decisamente dalla parte delle troppe trovate scontate, come lo spunto narrativo della “casa infestata” da qualcosa di sinistro e misterioso (e la mente va subito ai numerosi capitoli de La casa e a un ‘cult’ come Amityville Horror) e la presenza di due bambine nella suddetta dimora (anche qui una sfilza di precedenti cinematografici illustri e non, da The Others a Il sesto senso). Aggiungiamo poi “pasticciati” scherzi della memoria, gli echi di un passato confuso e perfino i probabili giochi di una mente malata e il piatto è servito. Infine, ciliegina sulla torta, l’impossibilità di accettare la morte di persone care con inevitabile ritorno in vita tra realtà e sogno. Tutto sa di troppo visto. Davvero. E non stupisce affatto il disconoscimento fatto da regista e cast. Siamo certi che il film, oltretutto relegato a un fugace passaggio estivo nelle sale italiane con incassi da minimo storico, passerà alla storia solo per essere stato il set galeotto per la scintilla (sfociata nel matrimonio) tra Daniel Craig e Rachel Weisz. Ma un gossip, per quanto gustoso, non fa un film. Elena Bartoni

END OF WATCH – TOLLERANZA ZERO (End of Watch) Stati Uniti, 2012 Regia: David Ayer Produzione: David Ayer, John Lesher, Nigel Sinclair, Matt Jackson per le Grisbi Productions, Envision Entertainment Corporation, in associazione con Eff-Hedge Fund Films, Crave Films Distribuzione: Videa-Cde Prima: (Roma 22-11-2012; Milano 22-11-2012) V.M.: 14 Soggetto e Sceneggiatura: David Ayer Direttore della fotografia: Roman Vasyanov Montaggio: Dody Dorn Musiche: David Sardy Scenografia: Devorah Herbert

Costumi: Mary Claire Hannan Effetti: LOOK! Effects Inc. Interpreti: Jake Gyllenhaal (Agente Brian Taylor), Michael Peña (Agente Mike Zavala), America Ferrera (Agente Orozco), Anna Kendrick (Janet), Natalie Martinez (Sig.ra Zavala), Frank Grillo (Sarge), Cody Horn (Agente Davis), David Harbour (Van Hauser),Cle Sloan (Sig. Tre), Jaime FitzSimons (Capitano Reese), Shondrella Avery (Bonita), Corina Calderon (Jazmine), David Fernandez Jr. (Spooky), Kristy Wu (Sook), Maurice Compte (Big Evil), Candace Smith (Sharice) Durata: 110’

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Film os Angeles. Brian e Mike sono due poliziotti in servizio a South Central. Oltre ad essere colleghi, i due sono anche degli ottimi amici e condividono la stessa passione per la giustizia che per le loro donne. Mantenere ordine nella zona di Los Angeles non è semplice. L’area è sotto lo scacco della mafia messicana (narcos) e le forze dell’ordine sono costrette quotidianamente in questa guerriglia urbana che vede come protagonisti neri, messicani e poliziotti. I loro interventi sono legati alla piccola e alla grande criminalità. Un giro di droga, armi e soldi, in cui l’unica costante è la lotta del bene, ovvero la polizia, contro il male. La dedizione di questi due agenti di pattuglia li porta a un finale drammatico ma che ci fa riflettere sulle morti quotidiane di questo eroico mestiere.

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na visione interna ( da tutti i punti di vista) della vita di alcuni poliziotti americani nella


zona Newton di Los Angeles. Una fusione tra sfera pubblica e privata, a cui lo spettatore viene invitato a partecipare grazie all’uso delle telecamere interne, ad esempio, alla macchina di pattuglia e, in generale, tutte le riprese in soggettiva. Altro aspetto da sottolineare è che questo espediente del video interno al film fa sì che il tutto sia accentuatamente più realistico, o almeno in misura maggiore rispetto alla tradizione fiction filmica per sua natura. Una sorta di metavisione che ci consente di essere spettatori piuttosto partecipi, come a essere testimoni degli eventi e che offre a chi lo guarda un prodotto che può essere certamente qualificato come documentario. Senz’altro una escalation di immagini piuttosto forti anche se giustificate dalla storia e forse dei dialoghi un po’ grevi a sfondo sessuale totalmente inutili ai fini della trama. Un film che per i suoi contenuti dovrebbe avere un target prettamen-

te maschile. Le inquadrature a colori si alternano a quelle in bianco e nero e a quelle in notturna a infrarossi. Scene drammatiche, quindi, che si alternano a quelle goliardiche sul mondo delle forze dell’ordine. Queste visioni parziali aumentano la tensione dello spettatore ( scene come quella dell’incendio, o quella del’inseguimento). Un mockumentary a tolleranza zero per i deboli di stomaco. Il sipario di David Ayer cala su una realtà che ha poco a che fare con una trasmissione. Una end of watch molto realistica e incompleta che, come accade per la scena finale, temporalmente precedente all’epilogo, ci lascia dell’amaro dentro e ci ricorda che fiction e realtà possono fondersi, ma fino ad un certo punto. Giulia Angelucci

LE PALUDI DELLA MORTE – TEXAS KILLING FIELDS (Texas Killing Fields) Stati Uniti, 2011 Regia: Ami Canaan Mann Produzione: Michael Mann e Michael Jaffe per Blue Light, Block/Hanson, Watley Entertainment, in associaciozione con Infinity Media Distribuzione: 01 Distribution Prima: (Roma 15-6-2012; Milano 15-6-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Donald F. Ferrarone Direttore della fotografia: Stuart Dryburgh Montaggio: Cindy Mollo Musiche: Dickon Hinchliffe Scenografia: Aran Mann Costumi: Christopher Lawrence Interpreti: Sam Worthington (Mike Souder), Jeffrey Dean

ike Souder e Brian Heigh, due detective, dopo il ritrovamento del cadavere di una ragazzina, si mettono a indagare su alcuni efferati omicidi avvenuti nella zona paludare di Texas City. I pochi indizi e la scarsa collaborazione della comunità rendono le indagini estremamente difficili. A questo si aggiungono nuovi omicidi a opera dello stesso criminale. I due poliziotti analizzano ogni particolare e proprio quando sembrano vicini a una svolta, subiscono un contraccolpo inaspettato: Little Ann, una ragazzina problematica di cui Brian si prende cura, viene rapita. I detective sono convinti sia nei pressi della palude come le altre vittime e, grazie

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Morgan (Brian Heigh), Jessica Chastain (Pam Stall), Chloë Grace Moretz (Little Anne Sliger), Jason Clarke (Rule), Annabeth Gish (Gwen Heigh), Sheryl Lee (Madre di Annie), Stephen Graham (Rhino), Leanne Cochran (Lila), Sean Michael Cunningham (Sean Heigh), Deneen Tyler (Lady Worm), Donna DuPlantier (Reba), Lyle Brocato (Jim), James Hébert (Eugene Sliger), Marcus Lyle Brown (CSI), Elise Fyke (Vittima), Doc Whitney (Rankin), Erin Booth (Shalene), Seth William Cunningham (Seth Heigh), Coryn Elizabeth Cunningham (Coryn Heigh), Mark Adam (Mike),Corie Berkemeyer (Shauna Kittredge), Samantha Beaulieu (Sheila),Tony Bentley (Capitano Bender), Cassidy Smith (Marie) Durata: 105’

all’aiuto di un cane, riescono velocemente a trovarla. La bambina in fin di vita viene consegnata alle cure dei medici, mentre Brian decide di rimanere sul posto per attendere il ritorno del rapitore. L’attesa non è vana; dopo qualche ora due persone si avvicinano al luogo dove era stata lasciata Little Ann. Il detective sfodera subito la pistola, ma viene colpito da uno dei due e lasciato agonizzare fra la sterpaglia. Mike, intanto, seguendo una pista informatica, riesce a scoprire il numero di un telefono rubato durante il precedente omicidio e così intercettare la zona di provenienza. Con suo grande stupore è proprio la casa di Little Ann. Per avere conferma si apposta davanti l’abitazione e prova a fare diversi squilli. Dalla finestra

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nota che uno dei tanti uomini di Lucy, madre di Little Ann, e suo figlio iniziano ad agitarsi senza rispondere fino a quando non è la donna a prendere il cellulare. Mike le dice di sua figlia. Lucy fra le lacrime si avventa sul suo amante e inizia una lotta furibonda che vede come prima vittima il figlio. Il detective intuendo la situazione entra in casa, ma ormai sono tutti e tre morti. Passano parecchi mesi, Little Ann, ormai ristabilita, rivede Brian che, dopo la tragica nottata del rapimento, è rimasto invalido. a provincia americana, arida, sporca devastata dalla sonnolente attesa di una qualche forma di felicità è lo scenario scelto da Ami Canaam

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Film Mann per il suo secondo lavoro da regista Le Paludi della Morte. La storia, liberamente ispirata ad alcuni fatti cronaca, si sviluppa su una serie di efferati omicidi e la conseguente ricerca di un colpevole da parte di due detective. Ma, nonostante la forte identificazione di genere, la pellicola è lontana dal potersi definire “poliziesca”. Mann, fin dalle prime scene, sembra voglia scrollarsi di dosso ogni regola prestabilita. Il suo scopo non è incantare lo spettatore con raffinate tecniche investigative o colpi di scena al cardiopalma, ma offrirgli un affresco anonimo e doloroso di una umanità alla deriva. Dietro a ogni steccato lordato dall’incu-


ria, infatti, si affaccia una casa le cui finestre nascondono crimini inconfessabili che diventano normalità. Una normalità accettata e condivisa , quasi fosse il naturale proseguimento di una vita priva di speranza. Le paludi, citate nel titolo, oltre al luogo fisico, dunque, rappresentano uno stato interiore in cui l’individuo viene risucchiato e costretto a morire soffocato dalla melma, senza possibilità di riscatto. Un’immagine dura che si contrappone alla tenacia e al rigore dei protagonisti sovrastandoli. Nonostante i due riescano a trovare il colpevole, infatti, si percepisce un senso di sconfitta nel finale come se ogni sforzo fosse stato vano. Mann è molto abile nel curare questo

particolare, il senso di desolazione, la sconfitta arrivano senza indugi allo spettatore, ma, allo stesso tempo, sorvola su alcuni tecnicismi che avrebbero reso la pellicola sicuramente più interessante. Tutto ciò che riguarda la narrazione, ad esempio, viene messo in secondo piano in favore di un’atmosfera non sempre esplicita a cui si aggiunge una sceneggiatura decisamente essenziale. In definitiva, come già ampiamente sottolineato, la pellicola non è un giallo classico, ma il disincantato ritratto di un Paese che guarda lontano, ma è incapace di ascoltare le urla silenziose e mortali che provengono dalle sue paludi. Francesca Piano

ATTACCO AL POTERE – OLYMPUS HAS FALLEN (Olympus Has Fallen) Stati Uniti, 2013 Regia: Antoine Fuqua Produzione: Gerard Butler, Ed Cathell III, Mark Gill, Alan Siegel per Millennium Films, Nu Image/Millennium Films, West Coast Film Partners, Sony Pictures Entertainment Distribuzione: Notorious Pictures Prima: (Roma 18-4-2013; Milano 18-4-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt Direttore della fotografia: Conrad W. Hall Montaggio: John Refoua Musiche: Trevor Morris Scenografia: Derek R. Hill Costumi: Douglas Hall Effetti: Evan Jacobs Interpreti: Gerard Butler (Agente Mike Banning), Aaron Eckhart

’agente CIA Mike Banning ricopre da anni l’incarico di capo della sicurezza personale per il Presidente degli Stati Uniti, ruolo di grande responsabilità che, di là dal semplice rapporto di lavoro, ha portato i due uomini a sviluppare una sincera amicizia. Tutto cambia dopo il tragico incidente nel quale trova la morte la First Lady, che, nonostante i propri sforzi, Banning non riesce a salvare. Allontanato dalla Casa Bianca, tornerà spontaneamente in servizio attivo per scongiurare una terribile minaccia nazionale: un agguerrito gruppo terroristico nordcoreano, infatti, prende d’assalto la residenza presidenziale di Washington con l’aiuto di alcuni agenti CIA corrotti, sequestrando l’intero stato maggiore statunitense e lo stesso Presidente. L’intento è quello di estorcere agli ostaggi i codici segreti che disattivano l’arsenale nucleare degli Stati Uniti, ren-

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(Presidente Benjamin Asher), Angela Bassett (Lynn Jacobs, Direttore Servizi Segreti), Morgan Freeman (Portavoce Trumbull), Dylan McDermott (Forbes), Melissa Leo (Ruth McMillan, Segreatario della Difesa), Ashley Judd (Margaret Asher, First Lady), Rick Yune (Kang), Robert Forster (Generale Edward Clegg), Cole Hauser (Agente Roma), Radha Mitchell (Leah Banning), Finley Jacobsen (Connor) Phil Austin (Vice Presidente Charlie Rodriguez), Freddy Bosche (Diaz), Lance Broadway (O’Neil), Sean O’Bryan (Ray Monroe), Keong Sim (Lee Tae-Woo), Kevin Moon (Cho), Malana Lea (Lim), Sam Medina (Yu),Tory Kittles (Agente Jones), Shane Land (Agente Davis), Shanna Forrestall (Mary Jane Fuller), Dorothy Deavers (Sig.ra Mosely), James Ingersoll (Ammiraglio Nathan Hoenig) Durata: 120’

dendo il paese vulnerabile a un massiccio attacco balistico straniero. Sfruttando le proprie capacità, Banning si infiltrerà in una Casa Bianca trasformatasi in un cruento campo di battaglia e tenterà di evitare l’olocausto atomico della propria nazione e di salvare l’uomo che considera ancora suo amico dalla tortura e dalla morte certa. hriller bellico-politico d’azione, Attacco al potere rispetta abbastanza fedelmente le caratteristiche canoniche del genere: una situazione di crisi che coinvolge i destini di decine (in questo caso milioni) di persone; un eroe solitario, abile, efficiente e un po’ sbruffone, che si fa carico con coraggio di risolvere il conflitto; un’ambientazione buia e claustrofobica, che consente apparentemente pochi margini d’azione e nella quale il pericolo è sempre in agguato; il ricor-

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so frequente, ma diluito nel corso della pellicola, alle armi e al corpo a corpo. Nella meccanica dell’emergenza e del pathos trovano spazio anche i sentimenti, come l’amicizia che lega i due protagonisti e il rapporto di affettuosa emulazione nutrito per l’agente CIA dal figlio del Presidente, oltre alla presenza di un conflitto psicologico latente, dominato dal senso di colpa per una morte non evitata, che condiziona la vita privata e professionale di Banning. Nel complesso, tuttavia, la pellicola risulta forse troppo stereotipata e legata alle più comuni aspettative su un film d’azione e lo sviluppo della trama non viene purtroppo sostenuto dai dialoghi, piuttosto poveri e di maniera, non all’altezza del ritmo incalzante degli avvenimenti. Anche la figura dell’antagonista, il terrorista freddo, intelligente e spietato interpretato da Rick Yune, risponde troppo fedelmente a figure rinvenibili in pellicole analoghe e, seppure

Film ben sostenuto dall’interpretazione, non aggiunge originalità alla storia. Contribuisce di certo a variare il tema della minaccia esterna, così frequente nel cinema


americano dopo il 2000, la presenza di collaboratori dei terroristi stranieri, sfumando nelle tinte del tradimento e nella ricerca del nemico interno la classica opposizio-

ne bene/male tanto cara ai film d’azione di ogni latitudine. Sara Garofalo

COME UN TUONO (The Place Beyond the Pines) Stati Uniti, 2012 Regia: Derek Cianfrance Produzione: Eletric City Entertainment in associazione con Verisimilitude Distribuzione: Lucky Red Prima: (Roma 4-4-2013; Milano 4-4-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Ben Coccio Darius Marder Derek Cianfrance Direttore della fotografia: Sean Bobbitt Montaggio: Jim Helton, Ron Patate Musiche: Mike Patton

uke è un ragazzo privo di riferimenti, che ha come unica certezza il suo lavoro di stuntman per cui si esibisce in tutto il mondo. Un giorno, dopo aver rivisto per caso la sua ex ragazza, Romina, scopre di aver avuto da quella breve relazione un figlio, che ha già un anno. Così decide di rimanere nella cittadina di Schenectady, dove vive la ragazza con il nuovo compagno. Luke però non ha una personalità facile: è instabile anche se animato da buone intenzioni. Dapprima si impegna a lavorare come meccanico, ma il guadagno non è sufficiente per garantirgli il mantenimento del figlio. Deciso a riconquistare la donna, non vede altra strada che quella di compiere un’operazione criminale. Infatti l’uomo da cui ha trovato lavoro e alloggio lo convince a fare delle rapine in banca: soldi facili con cui poter contribuire alla crescita di suo figlio. Così, coperto da tuta e casco, Luke inizia a rapinare una serie di banche, fuggendo dalla polizia alla velocità di un fulmine, a bordo della sua moto. Avery Cross è una recluta della polizia in servizio da pochi mesi, pronto a tutto per una scalata sociale. In seguito a una rapina, Avery si ritrova sulle tracce di Luke e, una volta uno di fronte all’altro, il poliziotto non si fa scrupoli ad aprire il fuoco e lo uccide. Anche lui padre, non ha però difficoltà a smaltire il senso di colpa. Il poliziotto è diventato infatti un eroe commettendo un omicidio e, grazie a questo riconoscimento, inizia il suo percorso verso i vertici del comando di polizia. Quindici anni dopo Avery viene costretto a occuparsi del figlio adolescente Aj, un ragazzo sbandato, trascurato dai

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Scenografia: Inbal Weinberg Costumi: Erin Benach Interpreti: Ryan Gosling (Luke), Bradley Cooper (Avery Cross), Eva Mendes (Romina), Dane DeHaan (Jason), Emory Cohen (AJ), Ray Liotta (Deluca), Rose Byrne (Jennifer), Bruce Greenwood (Bill Killcullen), Mahershalalhashbaz Ali (Kofi), Harris Yulin (Al), Robert Clohessy (Weirzbowski), Olga Merediz (Malena), Gabe Fazio (Scott), Ben Mendelsohn (Robin Van Der Zee) Durata: 140’

genitori e fervente consumatore di droghe. Aj inizia a frequentare il liceo della cittadina e qui conosce Jason, figlio di Luke, che spesso per noia spaccia droga. Inizia tra i due disadattati un burrascoso rapporto di amicizia, a base di fumo e droghe varie. L’unico rifugio per loro allora sembra essere un posto che, nel linguaggio Mohawk, viene definito “al di là del bosco di pini”. Dopo essere stato arrestato per detenzione di stupefacenti e aver trascorso una notte in prigione per colpa di Aj, Jason inizia a investigare sulle sue origini e scopre la verità. Suo padre non era morto in un incidente stradale come gli aveva fatto credere la madre, ma era stato ucciso da un poliziotto. E precisamente dal padre di Aj. Così, entrato in possesso di una pistola, il ragazzo decide di farsi giustizia. Al momento del faccia a faccia con il poliziotto, che in ginocchio disperato gli chiede perdono, Jason non ce la fa a sparare. Mentre Avery diventa procuratore, Jason scappa da casa diretto verso l’ovest, in sella ad una moto. Proprio come suo padre. opo il successo di Blue Valentine, il regista Derek Cianfrance torna a collaborare con Ryan Gosling, attore dotato di una grande presenza scenica, talento che conferma sin dalla prima lunga scena, in cui lo vediamo entrare prepotentemente sullo schermo in un piano sequenza che segue il protagonista dalla sua roulotte al globo per l’esibizione in moto. Il personaggio di Gosling, moderno James Dean, si pone fin da subito come stereotipo dell’uomo sprezzan-

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te del pericolo, che ha fascino da vendere. Cianfrance scrive una sceneggiatura ben strutturata, in cui è forte l’idea di “successione” e “ripetizione”. Il film copre un arco temporale lungo, raccontando una saga familiare, da padri in figli, sui quali pesa un’enorme eredità di violenza, che sembra essere insita anche nei loro geni, teoricamente innocenti. La pellicola, lunga ben 140 minuti, copre infatti quindici anni e si può facilmente dividere in tre sezioni, che sembrano tre film a sé. I generi si contaminano, noir, drammatico e thriller, ma il leitmotiv di tutta la pellicola sembra essere la bugia. Mentendo si cerca appunto di cancellare, di pulire e sgombrare il campo. Per se stessi e per le persone amate. Come un tuono è un film sul perdono, ma anche sull’indissolubile bisogno di assenza di pietà per l’altro. È un film anche sull’impossibilità di essere padri, in una società sempre pronta nell’atto di consacrare la vendetta e l’ipocrisia. Ma è anche un film sui figli, per i quali è valido il “violenza genera violenza”. Per questi non c’è espiazione che regga. Così come dice il complice a Luke “se guidi come un fulmine, ti schianti come un tuono”. Non c’è parafulmine che regga. Eppure il gesto di Luke, sebbene sia eticamente sbagliato, è colto dallo spettatore con comprensione e accettazione, perché consapevole della buona volontà del protagonista. L’uomo, diviso tra giustizia e dovere individuale, infrange la legge sperando così di poter aiutare la sua famiglia. Così nonostante i figli si formino sull’immagine dei padri, esempio e modello archetipico, la colpa non si eredita. La colpa è solo propria in quanto sin-

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goli individui, in quanto persone, a prescindere dall’essere padri o figli. La pellicola è tutta al maschile: quattro personaggi che


camminano parallelamente, senza che mai nessuno diventi il principale o prenda il sopravvento sugli altri. L’impatto vi-

sivo è forte, perché è tutto costruito su un racconto fatto di piani sequenza lunghissimi e complessi, ma anche soggettive frenetiche, che movimentano il ritmo della narrazione. Fondamentale anche il commento sonoro che è sempre funzionale alla scena e al momento di maggiore tensione emotiva. Con maestria l’autore adatta il suo stile al personaggio che in quel momento del racconto è il protagonista. Luke e Avery sono diversi, il primo è incontenibile, l’altro è posato; in base a questi caratteri, la macchina da presa si “calma” o si “agita” e la fotografia cambia i toni. Si lascia ampio spazio alla parte emotiva della vicenda: spesso alle parole vengono preferiti i silenzi dei protagonisti, documentati da una camera a mano, utilizzata proprio per ottenere un’introspezione psicologica. Buono il cast di attori: tra tutti Ryan Goslin e Bradley Cooper, giustamente candidati all’Oscar. Veronica Barteri

PADRONI DI CASA Italia, 2012 Montaggio: Walter Fasano Musiche: Cesare Cremonini (canzoni), Gabriele Roberto, Stefano Pilia Scenografia: Francesca Di Mottola Costumi: Antonella Cannarozzi Effetti: Dalia Colli Interpreti: Valerio Mastandrea (Cosimo), Elio Germano (Elia), Gianni Morandi (Fausto Mieli),Valeria Bruni Tedeschi (Moira Mieli), Francesca Rabbi (Adriana), Mauro Marchese (Calzolari) Lorenzo Rivola (Davide), Alina Gulyalyeva (Alina), Giovanni Piccinini (Giovanni) Durata: 90’

Regia: Edoardo Gabbriellini Produzione: Massimiliano Violante, Marco Morabito, Luca Guadagnino, Valentina Avenia per First Sun, Relief, Rai Cinema in associazione con Alexandra Della Porta Rodiani Productions Distribuzione: Good Films Prima: (Roma 4-10-2012; Milano 4-10-2012) Soggetto: Edoardo Gabbriellini, Pierpaolo Piciarelli Sceneggiatura: Edoardo Gabbriellini, Francesco Cenni, Michele Pellegrini, Valerio Mastandrea Direttore della fotografia: Daria D’Antonio

osimo ed Elia sono due fratelli di Roma e fanno i muratori. È estate e i due ragazzi sono stati chiamati a rifare la pavimentazione del terrazzo di una grande villa in un paesino sull’Appennino Tosco-Emiliano. Il loro committente è Fausto Mieli, un cantante dal passato glorioso che spera di tornare sulla cresta dell’onda grazie a un concerto che gli è stato commissionato dall’ente del turismo locale a fini promozionali. Fausto è sposato con Moira, una donna molto bella costretta sulla sedia a rotelle e quasi completamente paralizzata a causa di una grave malattia che non le permette neanche di parlare. Nonostante l’apparenza di un matrimonio perfetto, in realtà nella coppia vive ritirata nella propria villa e ha

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pochissimi contatti con l’esterno. Tra i due coniugi ci sono moltissime difficoltà che spingono Fausto a chiudersi sempre di più nel sogno di un ritorno alla ribalta. Cosimo ed Elia, ignari di tutto e abituati a una dimensione di vita completamente diversa, si accorgono in ritardo della diffidenza che gli abitanti del posto gli riservano. L’astio si acuisce quando Cosimo affronta con arroganza alcuni ragazzotti ed Elia incomincia una relazione con quella che sembra essere la fidanzata del figlio di uno degli uomini più influenti del paese. Il giorno del concerto di Fausto, mentre si trova da solo in casa, Cosimo scopre il cadavere di Moira riverso a terra, ma anziché chiamare i soccorsi scappa a gambe levate. Intravisto dalla badante di Moira, vie56

ne subito sospettato di averla uccisa. In realtà Moira è morta perché, durante l’ennesima crisi epilettica, Fausto non le ha somministrato le medicine necessarie, lasciandola volutamente nella sua fatale agonia. Intanto, mentre Mieli sta per incominciare il suo concerto, Elia si apparta con la ragazza, ma il suo ex fidanzato ormai accecato dalla gelosia e dall’orgoglio, organizza una spedizione punitiva e lo uccide con un colpo di fucile. Appresa la notizia, Cosimo decide di vendicare l’omicidio sparando anche lui contro l’assassino di Elia e gli altri suoi complici.

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opo B.B. e il Cormorano, Edoardo Gabbriellini torna dietro alla macchina da presa per dirigere

Film Padroni di casa. Nella sua seconda pellicola, il giovane regista di avvale innanzitutto di un cast assolutamente nuovo. Troviamo, nei panni di Elia e Cosimo, Elio Germano e Valerio Mastandrea a formare artisticamente una coppia dagli esiti davvero molto interessanti. I due interpreti infatti sembrano non fare alcuna fatica a interagire nei panni di due fratelli dai caratteri così diversi, ma anche così complementari. Alla loro affinità fa da contraltare la distanza fisica ed emotiva dei due coniugi Fausto (Gianni Morandi) e Moira (Valeria Bruni Tedeschi), dei quali lo spettatore respira ogni attimo di tensione. Potremmo dire che grazie al film di Gabbriellini si assiste a un ritorno al ci-


nema di Morandi e con un ruolo che il popolare cantante sa interpretare con grande naturalezza. Tuttavia, alla fine, si ha la netta sensazione che troppo sia affidato alla bravura degli attori. Se cercassimo di immaginare altri interpreti nei panni dei quattro protagonisti, ci risulterebbe molto difficile pensare che i risultati sarebbero stati gli stessi. Questo non perché ogni attore abbia un modo personale di interpretare il proprio personaggio, piuttosto perché si ha la forte sensazione che la sceneggiatura sia troppo piena di nodi non risolti. Si tratta di veri e propri vuoti che non danno la possibilità allo spettatore di capire dove si vuole arrivare con una partico-

lare battuta o una particolare scena. Molti di questi “buchi” sono ben colmati dalla bravura degli attori, ma restano sempre dei momenti in cui questo non basta e in cui si ha la sensazione che il regista abbia cercato la soluzione utilizzando degli eccessi inutili. Accade, ad esempio, nella scena in cui Cosimo si ubriaca nel bar del paese. Una scena la cui finalità dovrebbe essere di sottolineare il distacco tra il ragazzo e il contesto in cui si trova, ma che, alla fine, risulta assolutamente superflua visto che lo spettatore l’ha capito almeno venti minuti prima. Marianna Dell’Aquila

IL DITTATORE (The Dictator) Stati Uniti, 2012 Regia: Larry Charles Produzione: Sacha Baron Cohen, Alec Berg, David Mandel, Jeff Schaffer, Toddo Schulman, Anthony Hines e Scott Rudin per Four By Two Films Distribuzione: Universal Pictures International Italy Prima: (Roma 15-6-2012; Milano 15-6-2012) Soggetto: ispirato al romanzo “Zabibah and the King” di Saddam Hussein Sceneggiatura: Sacha Baron Cohen, Alec Berg, David Mandel, Jeff Schaffer Direttore della fotografia: Lawrence Sher

icco di petrolio, Wadiya è un isolato Stato nord africano, governato dal tiranno antioccidentale Ammiraglio Generale Haffaz Aladeen. Supremo Leader dalla tenera età di sei anni, dopo la sfortunata morte del padre, tristemente ucciso in un incidente di caccia, Aladeen sin da subito è stato fedelmente guidato dallo zio Tamir, capo della polizia segreta, della sicurezza e procuratore di donne. Entrato nel mirino delle Nazioni Unite, sanzionato più e più volte e minacciato di un’ispezione del consiglio di sicurezza per portare alla luce il temuto impianto segreto di armi, Wadiya è forse a un punto di svolta: anche a seguito di un tentativo di assassinio (scampato grazie al ricorso di un sosia…), Aladeen – ovviamente dietro il consiglio di Tamir – decide di mettere piede in Occidente, a New York, per parlare all’ONU. Ad accoglierlo, ovviamente, un nutrito manipolo di contestatori. Ma non solo: il fidato Tamir vende il suo protetto, lo sostituisce con un sosia a dir poco ebete e punta a far sì che il dittatore (fasullo) spieghi al mondo come Wadiya sia

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Montaggio: Eric Kissack, Greg Hayden Musiche: Erran Baron Cohen Scenografia: Victor Kempster Costumi: Jeffrey Kurland Effetti: Eric J. Robertson Interpreti: Sacha Baron Cohen (Generale Aladeen), Anna Faris (Zoey), Ben Kingsley (Tamir), Jason Mantzoukas (Nadal), Megan Fox (Herself), Samed Dadreya (Omar), Aasif Mandvi (Dottore), Ian Roberts (Poliziotto di New York), Anna Katarina (Angela Merkel), Bobby Lee (Mr. Lao) Durata: 83’

pronta a trasformarsi in una democrazia. Le grandi potenze (soprattutto economiche) sono pronte a fare affari d’oro, ma Aladeen sfugge al controllo dell’uomo incaricato di ucciderlo. Senza barba, seminudo, viene scambiato per un oppositore al regime da Zoey, manifestante nonché proprietaria del Collettivo Terra Libera, negozio di alimenti salutari di Manhattan. L’equivoco non si risolve, Aladeen comincia a lavorare per lei. Ma nel frattempo incontra Nadal, brillante scienziato di Wadiya che in precedenza aveva condannato a morte, vivo e vegeto nella Grande Mela. E pronto ad allearsi nuovamente con il suo signore affinché il loro paese non venga trasformato in una democrazia. acha Baron Cohen è un genio. Politicamente scorretto, e capace allo stesso tempo di indurre alla riflessione con un film dichiaratamente e ostentatamente “demenziale”. È ovvio, molto fa anche lo sguardo dello spettatore: Il dittatore – “ispirato al romanzo Za-

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bibah and the King di Saddam Hussein” e terzo film che segna la collaborazione tra Larry Charles e l’attore londinese (dopo Borat e Brüno) – non risparmia niente e nessuno, oltrepassa il concetto del “buongusto” (la scena del parto nel negozio, con Aladeen improvvisato ostetrico, il telefono cellulare nella vagina e le mani che si intrecciano con quelle di Anna Faris, è lì a manifestarlo) e costringe la risata a esplodere dalle viscere. Il pubblico un po’ più smaliziato, però, non farà fatica a comprendere quanto e più di molti film “impegnati”, Il dittatore riesca a dire dell’attuale situazione geopolitica mondiale: la tecnica dello “sberleffo al potere” è sovrastata, cannibalizzata dalla stessa – enorme – idiozia che ne caratterizza tanto l’immagine quanto alcune decisioni. La scommessa è proprio questa: annichilito da anni di bombardamenti mediatici, “democrazie esportate”, sovraesposizioni più in linea con gli standard divistici che politici, l’uomo comune, l’elettore, lo spettatore, ritroverà in Aladeen – sovraccarico da ogni punto di vista (a partire dal-

Film la divisa imbottita di infinite decorazioni) – l’iperbole, l’esagerazione di ciò che già è abituato a “sopportare”. È naturale, e la cosa è forse addirittura più evidente rispetto ai due precedenti, il film non è semplicemente con Sacha Baron Cohen, il film “è” Sacha Baron Cohen: il trasformismo, l’ormai inconfondibile “parlata” (anche stavolta, sarebbe


doveroso vedere il film in lingua originale), l’onnipresenza dell’attore inglese in ogni fotogramma finiscono per sovrastare il lavoro di Larry Charles, che rimane però volutamente in disparte. Quello che conta – oltre al discreto approccio nell’integrare lo sguardo su politica, media e opinione pubblica – è la capacità di tenere il racconto sempre su di giri, senza mai far sce-

mare il ritmo. Tutto d’un fiato. Un po’ come i 100 metri piani che Aladeen corre “sbaragliando” letteralmente – a colpi di pistola... – la concorrenza. Alla fine, vincerà lui su tutta la linea: rinnovando il discorso chapliniano del Grande Dittatore, a modo suo, senza fare prigionieri. Valerio Sammarco

I TRE MARMITTONI (The Three Stooges) Stati Uniti, 2012 Regia: Bobby Farrelly, Peter Farrelly Produzione: Bobby Farrelly, Peter Farrelly, Bradley Thomas, Charles B. Wessler per C3 Entertainment Inc., Conundrum Entertainment, Wessler Entertainment Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 27-6-2012; Milano 27-6-2012) Soggetto: Bobby Farrelly, Peter Farrelly Sceneggiatura: Bobby Farrelly, Peter Farrelly, Mike Cerrone Direttore della fotografia: Matthew F. Leonetti Montaggio: Sam Seig Musiche: John Debney Scenografia: Arlan Jay Vetter Costumi: Denise Wingate

bbandonati ancora in fasce, Moe, Larry e Curly sono tre fratelli cresciuti in un orfanotrofio. L’istituto è gestito da un gruppo di suore che sembra proprio non riescano a tenere lontani dai guai i tre ragazzi, nonostante i numerosi tentativi. Moe, Larry e Curly infatti non fanno altro che prendersi in giro, fare scherzi e combinare continuamente guai. Nessuno vuole adottarli per la loro scarsa capacità di ragionare e, visti tutti i guai che combinano, rischiano ogni volta di essere espulsi. Per questi motivi Moe, Larry e Curly trascorrono gran parte dei loro anni nell’istituto fino a diventare degli uomini di ben trentacinque anni, almeno dal punto di vista anagrafico... Un giorno le suore ricevono una comunicazione molto importante da parte della Curia: mancano i fondi necessari a garantire che l’orfanotrofio continui la sua attività. Tutti quelli che vivono nell’istituto inclusi Moe, Larry e Curly rischiano quindi di rimanere senza casa. Come fare per rimediare al rischio di chiusura? Servono ben 830 milioni in trenta giorni. Per la prima volta Moe, Larry e Curly decidono di affrontare il mondo esterno per trovare un modo che gli consenta di guadagnare i soldi necessari. Vengono ingag-

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Effetti: Robert Vazquez Interpreti: Sean Hayes (Larry), Will Sasso (Curly), Chris Diamantopoulos (Moe), Jane Lynch (Madre Superiora), Sofía Vergara (Lydia), Jennifer Hudson (Suor Rosemary), Craig Bierko (Mac), Stephen Collins (Sig. Harter), Larry David (Suor Mary-Mengele), Kirby Heyborne (Teddy), Carly Craig (Sig.ra Harter), Kate Upton (Suor Bernice), Marianne Leone (Suor Ricarda), Brian Doyle-Murray (Monsignor Ratliffe), Michael Sorrentino (The Situation), Nicole Polizzi (Snooki), Jenni Farley (Jwoww), Ronnie Magro (Ronnie), Samantha Giancola (Sammi), Avalon Robbins (Murph), Max Charles (Peezer) Durata: 92’

giati come killers dall’avvenente e sexy Lydia che vorrebbe far uccidere il marito per mettere fine alle sue sofferenze. Moe, Larry e Curly si ritrovano inaspettatamente coinvolti in una situazione fuori controllo che diventa ancora più assurda quando scoprono che l’uomo che dovrebbero uccidere è Larry, un loro amico d’infanzia ed ex compagno di orfanotrofio. La situazione quindi diventa ancora più ingarbugliata e i tre uomini incominciano a sospettare che dietro l’atteggiamento di Lydia ci sia qualche strano motivo. Rapiti in un vortice di situazioni stravaganti e fuori controllo, Moe, Larry e Curly si ritrovano inaspettatamente a diventare i protagonisti di un reality show molto popolare, di cui Moe sembra avere tutte le carte per diventarne la nuova star. er parlare di I tre marmittoni di Bobby Farrelly e Peter Farrelly è necessaria una piccola premessa. Il film è ispirato a una della serie televisive comiche più popolari negli Stati Uniti, The Three Stooges. La serie televisiva era, a sua volta, ispirata a una storia degli anni Trenta che raccontava le avventure tragicomiche dei tre protagonisti, Moe, Larry e Curly. Almeno fino agli anni

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Ottanta, le avventure dei tre personaggi, anzi le avventure di un personaggio detto “marmittone” identificato di solito con la figura di un soldato pasticcione (soprattutto in Italia) hanno ispirato moltissimi prodotti sia per il cinema che per la televisione, passando per il fumetto fino al videogame. Un nuovo progetto del 2001 voluto dalla Warner Bros prevedeva che fossero delle star internazionali come Sean Penn e Benicio Del Toro a vestire i loro panni. Nel film dei fratelli Farrelly troviamo invece Chris Diamantopoulos, Sean Hayes e Will Sasso. Attori molto meno popolari, ma che, alla fine, risultano essere la cosa che funziona di più in tutto il film. I tre marmittoni di Bobby e Peter Farrelly infatti non fa ridere come ci si aspetterebbe. Non c’entra nulla la differenza tra il pubblico italiano e quello degli States. Il film non fa ridere per la sua comicità grossolana e un po’ troppo “vecchio stile” fatta di gag, botte in testa e schiaffi, proprio come accadeva nelle storie originali della serie televisiva. In questo caso, infatti, la risata scaturiva da una comicità molto fisica, costruita con una successione di gag improvvise e divertenti, in cui i movimenti impacciati dei tre personaggi scatenavano situazioni rocambolesche. Alla fine,

Film quindi, si ha la sensazione di avere a che fare con l’ennesimo caso di “sfruttamento” di una popolarità molto legata alla televisione senza alcun tentativo di appro-


fondimento. Non basta neanche la divisione in tre episodi che richiama la struttura originale del racconto a farci pensare che i fratelli Farrelly, già registi di Tutti

pazzi per Mary e Scemo&più scemo siano capaci di fare molto meglio. Marianna Dell’Aquila

UN ANNO DA LEONI (The Big Year) Stati Uniti, 2011 Interpreti: Jack Black (Brad Harris), Owen Wilson (Kenny Bostick), Steve Martin (Stu Preissler), Rosamund Pike (Jessica), Brian Dennehy (Raymond Harris), John Cleese (Narratore “V.O.”), Kevin Pollak (Jim Gittelson), Joel McHale (Barry Loomis), JoBeth Williams (Edith Preissler), Paul Campbell (Tony), Cindy Busby (Susie), Bill Dow (Dott. Paul Elkin), Barry Shabaka Henley (Dott. Neil Kramer), Dianne Wiest (Brenda Harris), Zahf Paroo (Prasad), Calum Worthy (Colin Debs), Anthony Anderson (Bill Clemont), Jim Parsons (Crane), Anjelica Huston (Annie Auklet), Rashida Jones (Ellie), Tim Blake Nelson (Fuchs), Joey Aresco, (Frank Falucci), Ryan Caltagirone (Frank Jr.), Andrew Wilson (Mike Shin) Durata: 100’

Regia: David Frankel Produzione: Red Hour Films, Deuce Three, Sunswept Entertainment, in associazione con Dune Entertainment, Ingenious Media Distribuzione: 20th Century Fox Italia Prima: (Roma 27-7-2012; Milano 27-7-2012) Soggetto: dal libro omonimo di Mark Obmascik Sceneggiatura: Howard Franklin Direttore della fotografia: Lawrence Sher Montaggio: Mark Livolsi Musiche: Theodore Shapiro Scenografia: Brent Thomas Costumi: Monique Prudhomme

rad Harris ha 36 anni, fa il programmatore, è divorziato, sovrappeso e vive ancora con i suoi genitori. Sturat Preissler invece fa l’amministratore delegato di un’azienda e sogna la pensione, senza però riuscire veramente a lasciare il lavoro. Sturat ha a che fare con il nuovo bilancio aziendale, dovrebbe essere il punto di riferimento per i più giovani, invece appare insicuro e distratto. Infine Kenny Bostick, un appaltatore senza scrupoli che, in fondo in fondo, non sogna che di tenere unita la sua famiglia. Brad, Sturat e Kenny sono uniti da una passione, il “bird watching”, l’avvistamento di uccelli. Si tratta di una passione talmente forte, da spingerli a mettere in gioco tutto quello che di pi caro e sicuro hanno nelle loro vite. Grazie a questa passione, Brad è un vero e proprio fan di Kenny in quanto detentore del record dei primati della The big year, una gara che consiste nel vedere il maggior numero di specie e di razze di uccelli nell’arco di un solo anno nel Nord America. Kenny, che in un anno ha avvistato più di settecento specie di uccelli correndo come una scheggia da un paese all’altro, cerca in tutti i modi di conservare il suo titolo e decide, nonostante il parere contrario della moglie, di partecipare alla nuova edizione della gara. Intanto Brad, che gode del sostegno della madre nel perseguire la sua

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passione, riesce finalmente a superare la contrarietà del padre e decide di partecipare alla gara anche lui. Sturat invece approfitta della The big year per occuparsi di qualcosa di diverso dal suo lavoro. La gara si rivelerà alla fine per tutti e tre un modo per affrontare la propria vita e trovare la strada giusta per ognuno. Brad troverà attraverso la propria passione soprattutto un modo per ricomporre i pezzi di una vita privata andata in frantumi, mentre per Sturat rappresenterà il momento per capire i suoi limiti. Altra storia per Kenny che, attraverso la The big Year, vedrà riaffermarsi l’unica cosa che veramente è riuscito a concludere con successo nella sua vita. l bird watching non è certamente uno dei temi più accattivanti da affrontare al cinema, ma bisogna dire che Un anno da leoni, l’ultimo film firmato da David Frankel è un film tutto sommato molto piacevole. Sarà la presenza di un cast di rilievo formato da Steve Martin, Jack Black e Owen Wilson nei panni dei tre protagonisti o sarà perché Frankel ha già dimostrato una discreta dimestichezza nelle trasposizioni cinematografiche di romanzi popolari (Un anno da leoni è infatti tratto da The Big Year: A Tale of Man, Nature and Fowl Obsession di Mark Obmascik, ma il regista si era già cimentato con pellicole come Il diavolo

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veste Prada). Sta di fatto che il film è una commedia molto gradevole che non solo diverte, ma da cui emerge anche la volontà di indagare nella psicologia dei tre personaggi. Se la passione per il bird watching fa da conduttore all’azione, ciò che alla fine ne viene fuori è infatti una sorta di “nuova luce” nelle vite di tutti e tre i personaggi. Ognuno di loro, infatti, viene mosso dalla propria passione per tirare fuori quella intraprendenza necessaria non solo ad affrontare la gara, ma, soprattutto, la vita. È grazie alla gara e alla competizione che ne deriva che i tre uomini riescono a superare i propri limiti e a rimettere a posto i pezzi mancanti della propria vita. Alla fine, dispiace solo aver avuto la sensazione di uno Steve Martin un po’ limitato rispetto agli altri due attori. Il personaggio che lui interpreta, Sturat Preissler, è forse il più interessante dal punto di vista drammaturgico e quello su cui andava puntata di più l’attenzione. L’aspetto naturalistico, che è parte fondamentale della trama e il lato più interessante per chi è appassionato di certe tematiche, è supportato da un’ottima fotografia. Il film infatti si avvale anche di location molto belle (è stato girato in Canada anche se è ambientato negli Stati Uniti), che rendono ancor più piacevole la visione allo spettatore. Marianna Dell’Aquila

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SCUSA, MI PIACE TUO PADRE (The Oranges) Stati Uniti, 2011 Regia: Julian Farino Produzione: Olympus Pictures, Likely Story Distribuzione: M2 Pictures Prima: (Roma 6-12-2012; Milano 6-12-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Jay Reiss, Ian Helfer Direttore della fotografia: Robbie Ryan Montaggio: Carole Kravetz, Jeffrey M. Werner Musiche: Klaus Badelt, Andrew Raiher Scenografia: Dan Davis

est Orange, quartiere residenziale del New Jersey. Due famiglie sono vicine di casa e amiche da anni. Sono i Walling, David e Paige, e gli Ostroff, Terry e Cathy. Come racconta la narratrice del film, la figlia minore dei Walling, Vanessa, le due famiglie condividono tutto: footing, cene, hobby, barbecue e, naturalmente, le feste comandate. D’amore e d’accordo. Fino a quando la loro tranquilla esistenza è sconvolta dal ritorno a casa, per il Giorno del Ringraziamento, della ventiquattrenne figlia di Terry e Cathy, Nina Ostroff, tornata in famiglia dopo cinque anni di assenza. Reduce da una vita movimentata e da una rottura col fidanzato Ethan, Nina porta uno scossone nelle tranquille esistenze di West Orange. Nonostante le due famiglie caldeggino una relazione tra Nina e Toby, figlio maggiore dei Walling, la giovane cade vittima di una fatale attrazione per il padre del ragazzo, David che ricambia le attenzioni. In breve tempo i due allacciano una relazione. Ma, al primo appuntamento in un motel, la madre di Nina, Cathy, li sorprende. La notizia provoca un vero terremoto tra le due famiglie. Paige, moglie tradita, affronta David e va a vivere in un bed & breakfast, mentre Nina si trasferisce da un’amica. Vanessa infine, si sente tradita dalla sua amica d’infanzia. I due amanti cercano di stare lontani ma, non riuscendoci, vanno a trascorrere uno spensierato weekend ad Atlantic City. Al ritorno, riuniscono la famiglia e dichiarano il loro amore a tutti. Nei giorni successivi accadono cose strane: tutto cambia, nessuno riconosce più l’altro. Mentre Nina inizia a lavorare come aiuto chef in un ristorante, Paige inizia a trovare piacevole la vita anche senza David e si impegna con fervore per un’associazione umanitaria. Una sera, Paige va a cena da sola nel ristorante dove lavora Nina; incontrato per caso David, i

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Costumi: David C. Robinson Interpreti: Hugh Laurie (David Walling), Catherine Keener (Paige Walling), Oliver Platt (Terry Ostroff), Allison Janney (Cathy Ostroff), Alia Shawkat (Vanessa Walling), Adam Brody (Toby Walling), Leighton Meester (Nina Ostroff), Sam Rosen (Ethan), Aya Cash (Maya), Hoon Lee (Henry Chart), Tim Guinee (Roger), Lucas Papaelias (Mikhalay), Heidi Kristoffer (Meredith), Cassidy Gard (Samantha), Jennifer Bronstein (Amy), Laura Flanagan (Diane) Durata: 90’

due cenano insieme. A causa di un battibecco, quella stessa sera, Nina viene licenziata. Il giorno dopo, a sorpresa, arriva Ethan ex ragazzo di Nina. Il giovane è determinato a riallacciare i rapporti con la ragazza e corteggia Nina con sempre maggior insistenza. A complicare ancora di più le cose, ci si mette Tobey, figlio dei Walling, che torna a casa per Natale e resta di stucco alla notizia della “relazione scandalosa”. La situazione è sempre più tesa, finché Paige, sull’orlo di una crisi di nervi, si avventa con l’auto nel giardino davanti casa sua, distruggendo tutti gli addobbi. Sconsolato, David ammette che i rapporti tra le due famiglie non potranno essere più come prima. Poco dopo, la relazione tra Nina e David finisce. La ragazza rompe con tutti e si allontana dalla famiglia. Tempo dopo, le vite delle due famiglie sono cambiate radicalmente, in particolare quelle dei Walling. Vanessa è andata a vivere da sola e ha un nuovo lavoro, Paige ha intensificato il suo impegno umanitario, David, dopo un periodo di depressione, cerca di riprendere in mano la sua vita. atale fa rima con famiglia e famiglia fa rima con... guai. Al cinema e non. Ecco la nuova commedia natalizia indipendente “made in Usa” 2012. Nuova e diversa. Scusa, mi piace tuo padre, un titolo italiano fuorviante e “mocciano” (ma perché?) per una commedia il cui titolo originale ha molto più senso, The Oranges, dal nome degli abitanti di Orange Drive nel New Jersey. Il quartiere residenziale, fatto di classiche villette, giardini, viali alberati, gente che va a fare footing e tipiche famiglie americane, fa da sfondo alla vicenda. Storia anticonvenzionale per una commedia natalizia. La relazione tra un cinquantenne e una ragazza di ventiquattro

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anni, uno spunto rischioso a prima vista, ma capace di dar vita a un efficace ritratto di psicologie e sentimenti, tra sorrisi e malinconie. Sospeso tra toni agrodolci e una comicità garbata priva di sentimentalismi zuccherosi o pericolose derive grossolane, il film vanta una prima parte piena di verve mentre nella seconda metà tira un po’ il fiato alla ricerca di un finale adatto all’improbabile love story. Proprio nella prima parte si concentrano le trovate più divertenti, come il ritratto delle piccole manie o idiosincrasie dei protagonisti (le prove per il coro di Natale di Paige Walling che iniziano ad agosto, la buffa mania di Terry Ostroff per i più inutili gadget tecnologici) o le esilaranti reazioni allo shock che la relazione scandalosa procura nelle due famiglie. La regia è affidata all’inglese Julian Farino (che negli States ha firmato la regia di serie TV come Entourage e Big Love) che ben dirige una truppa di interpreti che funziona davvero, dall’inglese HughDr.House-Laurie, perfetto nel tratteggiare il personaggio di David, paterno e sensuale allo stesso tempo, un uomo maturo che sa ben dosare fascino e intelligenza, alla brillante Leighton Meester (divenuta popolare come interprete della serie televisiva Gossip Girl) capace di rendere con freschezza e brio il personaggio del cicloneNina. Ma anche gli altri attori meritano un applauso: da Catherine Keener, moglie rifiutata capace di mantenere in piedi comunque le tradizioni del Natale (anche se il suo sfogo finale proprio su un “vistoso” addobbo è una delle scene più riuscite del film), a Allison Janney, mamma composta della giovane rovina-famiglie, a Oliver Platt, padre imbarazzato e americano medio con la mania dei gadget. Mariti e mogli, figli e figlie, amicizia, amore e... un pizzico di trasgressione, il film è una commedia scorretta quanto ba-

Film sta (ma senza esagerare), non irresistibile, ma comunque adatta a augurare la ricerca della felicità (quella vera, molto diversa da quella presunta, anche a costo di qualche egoismo o sacrificio) davvero a tutti.


Insomma una riflessione sul vero significato della felicità a tratti acuta e nel complesso piacevole anche se priva di particolari “guizzi”. Comunque meglio del solito semplice e scontato “Buon Natale” e meglio

(ma ci vuole davvero poco) dei tanti cinepanettoni nostrani (si, anche di quelli in versione riveduta e corretta targati 2012). Elena Bartoni

DI NUOVO IN GIOCO (Trouble with the Curve) Stati Uniti, 2012 Regia: Robert Lorenz Produzione: Clint Eastwood, Robert Lorenz, Michele Weisler per Malpaso Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia Prima: (Roma 29-11-2012; Milano 29-11-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Randy Brown Direttore della fotografia: Tom Stern Montaggio: Gary Roach, Joel Cox Musiche: Marco Beltrami Scenografia: James J. Murakami Costumi: Deborah Hopper Effetti: Steve Riley, Michael Owens Interpreti: Clint Eastwood (Gus), Amy Adams (Mickey),

us Loben fa da una vita l’osservatore in caccia di talenti (e nel corso della sua carriera ne ha scovati tanti) per una squadra di baseball professionista, l’Atlanta Braves. Nonostante il suo enorme bagaglio professionale e l’esperienza accumulata sui campi di ogni città, la sua vita sembra arrivata a decisioni fondamentali: Gus rappresenta per i boss della sua società un personaggio fuori del tempo, più legato alla carta stampata e al suo istinto piuttosto che all’uso del computer e alle varie soluzioni che questo potrebbe offrirgli, in più soffre già da un po’ di problemi alla vista che compromettono la padronanza del suo lavoro e la serenità delle sue giornate. A questo aggiungiamo la presenza di una figlia, Mickey, che, pur amandolo molto se ne sta prudentemente lontana, ancora ferita dai suoi abbandoni quando lei era bambina subito dopo la morte della madre. Per questo la ragazza ha preferito dedicarsi anima e corpo alla carriera d’avvocato (sta per diventare associato di un importante studio legale) senza cadere nella trappola di facili innamoramenti che avrebbero potuto metterla di fronte a ulteriori delusioni maschili. Ora Pete, dirigente della società e grande amico di Gus lo manda in missione in Nord Carolina per valutare le qualità di una promessa che gioca nella squadra locale; contemporaneamente però, per tenerlo d’occhio e per aiutarlo, seppur con

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Justin Timberlake (Johnny), John Goodman (Pete Klein), Matthew Lillard (Phillip Sanderson), Robert Patrick (Vince), Scott Reeves (Billy Clark), Ed Lauter (Max), Matt Bush (Danny), Chelcie Ross (Smitty), Rus Blackwell (Rick), Brian F. Durkin (Matt Nelson), Joe Massingill (Bo Gentry), Raymond Anthony Thomas (Lucious), Clifton Guterman (Neil), George Wyner (Rosenbloom), Bob Gunton (Watson), Jack Gilpin (Schwartz), Louis Fox (Lloyd), Ricky Muse (Jimmy), Tom Dreesen (Rock), Peter Hermann (Greg), James Patrick Freetly (Todd), Norma Alvarez (Grace Sanchez),Tyler Silva (Carlos Sanchez), Jay Galloway (Rigo Sanchez), Seth Meriwether (Wilson) Durata: 111’

molto tatto, nel suo lavoro convince Mickey ad accompagnarlo. Naturalmente il rapporto tra padre e figlia che non stanno insieme da tanto diventa subito scoppiettante per la forte personalità di entrambi e per il fatto che hanno vissuto in solitudine dopo la scomparsa della moglie e madre da loro amatissima. A questo si aggiunge la presenza di Johnny, una vecchia scoperta di Gus presto fuori gioco per infortunio e ora anche lui osservatore per i Boston Red Sox. È ovvio che Johnny s’innamori di Mickey e che questa, pur attratta da lui, inizialmente lo respinga per le sue innate difficoltà di avere fiducia nell’altro sesso. Intanto il giocatore che Gus deve visionare rivela dei limiti, anche se ben nascosti, che spingono il vecchio a non suggerirne l’ingaggio, fortemente però voluto da un dirigente dell’Atlanta Braves, Sanderson, uno dei rampanti dell’ultima generazione che vuole liberarsi di Gus definitivamente. Mickey non è però stata con le mani in mano: del tutto per caso ha scoperto ad allenarsi al baseball dietro il motel un ragazzo messicano di cui intravede delle straordinarie qualità. Convince così i dirigenti della squadra a fare un provino anche a Carlos che oscura con una serie di lanci il valore dell’altro ragazzo, i cui difetti sono alla fine messi in evidenza. Il finale vede tutti i tasselli a posto: Sanderson è licenziato su due piedi, Carlos 61

esordirà in prima squadra, Mickey si convince di essere innamorata di Johnny e del baseball a cui si applicherà anche dal punto di vista legale. Gus potrà continuare a dedicarsi al suo lavoro e finalmente anche al rapporto con la figlia per il tempo che il destino vorrà ancora lasciargli. l vecchio Clint torna dove era partito fumando, o meglio masticando e strapazzando sigari monumentali in ricordo di quei mozziconi di cigarillos che Sergio Leone gli faceva girare tra le labbra per strappare qualche varietà espressiva a un volto statico che, pure, in quei lontani western fece epoca. Ora, quasi cinquant’anni dopo, Clint si mette al servizio di un amico che collabora con lui in produzione da decenni, Robert Lorenz, per celebrare la monumentalità del proprio personaggio in una storia americana che più americana non si può: intanto il baseball, materia poco conosciuta e sempre ostica e che non è mai riuscita a coinvolgere emotivamente la platea dei nostri spettatori; le problematiche tra padre e figlia sui quali continuano a pesare dispiaceri antichi sempre brucianti anche se accantonati con la falsa durezza, il lavoro e la carriera; i dirigenti ottusi della società sportiva; l’entrata in scena di un altro osservatore, in questo caso giovane, belloccio e romantico che rappresenta la sostituzione generazionale del padre; la

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Film scoperta di un nuovo asso del gioco in grado di svergognare i dirigenti scemi; l’amore che finalmente spazza via le vecchie sofferenze; il possibile, luminoso, ultimo futuro riservato al grande vecchio, demiurgo di tutta la storia. Tutto è onestamente prevedibile e sa di stantio in questo gioco di rapporti e di piccole storie incrociate di cui è possibile prevenire lo svolgimento scena dopo scena e inquadratura dopo inquadratura; molto probabilmente il tutto rientra nel flusso di


vecchiume di questi anni che così frequentemente ci propone sullo schermo storie di vegliardi in gamba che dimostrano le capacità e la ragione di una vecchia guardia ancora in piedi nel mordere la vita e la gente. In più abbiamo qui un vecchio magnifico che è Clint Eastwood che regala al film e a tutti noi la sua umanissima recitazione fatta di nervi, di errori, di antichi sorrisi e di una meravigliosa dignità di uomo e di attore.

Resta solo, confessiamolo pure, un fondo di amarezza: non vogliamo che siano film facili come questo ad accompagnare il tramonto del giovane pistolero col sigaro in bocca, del poliziotto violento e di tanti cavalieri pallidi e spietati; abbiamo ancora bisogno di una storia asciutta e dura che esalti il finale di Clint ed esorcizzi quello personale di tutti noi. Fabrizio Moresco

LA SCELTA DI BARBARA (Barbara) Germania, 2012 Regia: Christian Petzold Produzione: Schramm Film Koerner & Weber, Zdf Distribuzione: Bim Prima: (Roma 14-3-2013; Milano 14-3-2013) Soggetto e Sceneggiatura: Christian Petzold Direttore della fotografia: Hans Fromm Montaggio: Bettina Böhler Musiche: Stefan Will Scenografia: Kade Gruber Costumi: Annette Guther Interpreti: Nina Hoss (Barbara), Ronald Zehrfeld (Andre), Jasna Fritzi Bauer (Stella), Mark Waschke (Jörg), Rainer Bock (Klaus

980. Barbara, chirurgo pediatrico, ha richiesto un visto di espatrio dalla Germania dell’est. Per punizione, è stata trasferita da Berlino in un piccolo ospedale di campagna. Il suo compagno, Jörg, che vive dall’altra parte del muro, sta pianificando la sua fuga. Nell’attesa, Barbara sopravvive nel suo nuo-

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Schütz), Christina Hecke (Assistente Schulze), Claudia Geisler (Caposala Schlösser), Peter Weiss (Studente di medicina ), Carolin Haupt (Studente di medicina), Deniz Petzold (Angelo), Rosa Enskat (Custode Bungert), Peer-Uwe Teska (Cameriere), Elisabeth Lehmann (Cameriera), Peter Benedict (Gerhard), Thomas Neumann (Pensionato), Anette Daugardt (Impiegata Schütz), Susanne Bormann (Steffi), Jannik Schümann (Mario), Alicia von Rittberg (Angie), Selin Barbara Petzold (Maria), Jean Parschel (Impiegato Schütz), Christoph Krix (Vicino), Kirsten Block (Friedl Schütz), Irene Rindje (Sorella di Friedl), Thomas Bading (Accordatore pianoforte) Durata: 105’

vo appartamento. È un bravo medico ma distante: i rapporti umani sia coi colleghi che coi pazienti sono una perdita di tempo, vista l’imminente fuga. Nonostante questo, inevitabilmente, Barbara viene coinvolta da due pazienti in particolare e dal suo capo, Andrè, che la confonde. La fiducia che le dimostra nelle sue capacità

professionali, il suo atteggiamento affettuoso, la sua cultura come medico e uomo la disorientano. Barbara non è più sicura di niente: i suoi progetti, il suo amore per Jörg, la sua fuga. Alla fine, Barbara, per seguire l’importante operazione che Andrè farà per salvare un giovane paziente, per continuare il suo lavoro di chirurgo pediatrico e pur di restare accanto al suo nuovo amore, decide di restare nella Germania dell’Est. a scelta di Barbara rientra in quella categoria di film che raccontano persone e non storie. Il regista Christian Petzold affronta il tema degli anni in cui la Germania era divisa in due e l’Est era sotto il controllo esasperante del Partito comunista. Il punto di vista, l’occhio con cui racconta la storia di Barbara è puramente estetico e punta maggiormente sulla vita personale della protagonista, sul suo micro mondo, senza mai sfociare nel macro, ovvero la suddetta storia della Germania divisa. Il regista preferisce giocare sui contrasti della freddezza in cui si ritrova a vivere Barbara, coi colori caldi della campagna e dell’autunno. Purtroppo, la bellezza del film

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Film termina qui. Il finale, già intuibile dal titolo stesso del film, è un susseguirsi di eventi che ricordano tanto un romanzo rosa di serie B e appesantisce una storia che poteva davvero regalare bellissime emozioni. La nascita progressiva di un sentimento così forte da porre in secondo piano il


desiderio di libertà viene mal utilizzata. La sceneggiatura di Petzold, mostra una freddezza che non giustifica la fantomatica scelta di Barbara. La bravura dei due attori protagonisti Nina Hoss (Barbara) e Ronald Zehrfeld (Andrè) non riesce a salvare lo script. Il film ha vinto l’Orso D’Ar-

gento per la miglior Regia al Festival di Berlino dello scorso anno. Sicuramente un buon film ma forse un Premio così importante è eccessivo e odora di autoreferenzialità. Elena Mandolini

E LA CHIAMANO ESTATE Italia, Francia, 2012 Regia: Paolo Franchi Produzione: Nicoletta Mantovani per Produzione Pavarotti International 23 Srl, in associazione con A Movie Productions Distribuzione: Officine Ubu Prima: (Roma 22-11-2012; Milano 22-11-2012) V.M.: 14 Soggetto: Paolo Franchi Sceneggiatura: Paolo Franchi, Daniela Ceselli, Rinaldo Rocco, Heidrun Schleef Direttore della fotografia: Cesare Accetta, Enzo Carpineta Montaggio: Alessio Doglione, Paolo Franchi

ino e Anna sono una coppia sposata, si amano oggi, in una casa di una città di oggi. Dino però non riesce a vivere con la moglie una normale vita sessuale e ha eliminato quindi dal loro rapporto qualsiasi contatto fisico; né Anna, incantevole oggetto del desiderio di qualsiasi uomo, riesce ad aiutare il marito a superare questa impasse che sta affliggendo entrambi e mettendo in seria difficoltà il proseguimento del loro stare insieme. Dino è disturbato da una serie di avvenimenti accaduti nel suo passato come il suicidio del fratello e l’abbandono della famiglia da parte della madre, cose che hanno fatto dentro di lui terra bruciata di qualsiasi espressione d’amore; prova così a farsi aiutare da uno psicoanalista che concentra la sua indagine sul fatto che Dino non riesce a sentirsi capace né degno di rapporti che possano farlo felice, ma solo di situazioni morbose ed estreme in cui eccelle; da qui il suo desiderio ossessivo e reiterato fino allo sfinimento di rapporti con prostitute e coppie scambiste, facilmente incontrate in uno dei numerosi luoghi disponibili della città. Un’altra strada che Dino tenta di percorrere è quella di ricercare gli uomini che in passato Anna ha avuto per sollecitare un loro possibile ritorno di interesse che possa supplire alle proprie incapacità: riceve da tutti un meravigliato, fermo e anche violento rifiuto che mina ancora di più il suo equilibrio. Anche Anna prova a lasciarsi andare cedendo alla passione e all’entusiasmo di

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Musiche: Philippe Sarde Scenografia: Gian Maria Cau Costumi: Alessandro Lai Effetti: M.A.G. Special Effects Interpreti: Isabella Ferrari (Anna), Jean-Marc Barr (Dino), Luca Argentero (Alessandro), Filippo Nigro (Scambista), Eva Riccobono (Prostituta sfregiata), Anita Kravos (Prostituta), JeanPierre Lorit (Ing. Laudani), Christian Burruano (Giovane amante di Anna), Maurizio Donadoni (Carlo), Romina jr Carrisi (Chiara) Durata: 89’

un ragazzo incontrato per caso, ma è un fallimento, dura tutto lo spazio di un paio di notti: Anna ama il marito che considera l’amore della sua vita e non si sente in grado di fare nulla per risolvere la situazione. Tutto ciò acuisce il senso di colpa di Dino che non può fare altro che uccidersi scomparendo in mare. l tema non è nuovo al cinema, possiamo farlo risalire all’incapacità di darsi e capirsi splendidamente raccontata dal bianco e nero di Antonioni; lo abbiamo visto così crudamente (e in maniera altrettanto commovente) espresso in Shame dall’azione dolorosa e compulsiva del bellissimo Fassbender. Qui, nel film di Paolo Franchi, fischiato e sbeffeggiato al Festival di Roma 2012 e contemporaneamente, e misteriosamente, vincitore del premio della giuria e di quello per l’attrice, Isabella Ferrari, tutto sembra risolto in una narrazione elegante, bianca e candida addirittura quanto a interni e arredi che vorrebbero sottolineare e raggelare questa connotazione “in bianco” di un amore, pur esistente, tra un marito e una moglie. Tutto poi è reso molto cerebrale, rarefatto e la vicenda erotica è sospesa in un vuoto spersonalizzato, lontanissima da qualsiasi piacere dei sensi che si mostrano inconcludenti, incapaci di prendere spessore e comunicare eccitazione in una sterile ossessività senza costrutto. Questo quindi lo scopo del regista, concentrato a mettere in risalto l’incapacità del protagonista a tuffarsi nel piacere per lui a disposizione,

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rappresentato dalla sua carnalissima e desiderabilissima moglie e il suo preferire piaceri che proprio perchè meccanicamente realizzati non possono che rivelarsi del tutto inutili e insignificanti. Il modo di raccontare è, però, ugualmente rarefatto, superficiale, vuoto, non affronta mai in profondità il forte e oscuro legame tra i due protagonisti, né l’umanità di cui entrambi dovrebbero essere dotati per poter generare la forza di quel dolore capace di sommergerli entrambi. La situazione si è confinata in un esercizio di stile, supportato da una sceneggiatura estremamente semplicistica e banale (con i dialoghi presi di mira dalla platea del Festival) e in un tono di maniera senza inquietudini né coinvolgimenti. Tutto quindi è trascinato nel vortice di un lavoro sbagliato in più punti, a cominciare dall’inadeguatezza degli attori, soprattutto il francese Jean-Marc Barr (quali impegni di coproduzione hanno imposto questa scelta così debole?) a cui si aggiunge l’errore della voce italiana (quella pur bella di Adriano Giannini ma del tutto inadeguata); affascinante, certo, la Ferrari che non va però oltre uno sguardo perso nel vuoto. L’intramontabile canzone di Bruno Martino, questa sì carica di spessore, forza evocativa e interrogativi struggenti non basta, da sola, a conferire quel nerbo capace di sostenere una così debole intelaiatura. Fabrizio Moresco

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VITRIOL Italia, 2012 Regia: Francesco Afro De Falco Produzione: Salvatore Mignano per S.M.C. S.R.L. Distribuzione: Distribuzione Indipendente Prima: (Roma 15-11-2012; Milano 15-11-2012) Soggetto e Sceneggiatura: Giovanni Mazzitelli Direttore della fotografia: Luca Cestari Montaggio: Alessio Perisano, Francesco Afro De Falco

apoli. La giovane Lola Verdis, studentessa di architettura presso l’Università degli Studi Federico II, è impegnata in un ambizioso progetto di tesi: individuare le tracce della simbologia massonica presenti negli edifici di epoca borbonica. Il ritrovamento di un antico medaglione, dalla provenienza ignota, costituisce solo l’inizio di una serie di inquietanti scoperte archeologiche che la trascinerà nel mondo dell’occulto, in una realtà completamente sconosciuta poiché celata nei sotterranei della città. L’oggetto, infatti, sembrerebbe rivelare l’esistenza di un’antica setta esoterica denominata Ordine Osirideo Egizio, realmente esistito nella Napoli borbonica, la cui fondazione è attribuibile all’alchimista principe di Sansevero, Raimondo de Sangro. Ad aiutare la ragazza nell’indagine, giunge il fidato amico Davide, giovanissimo esperto di massoneria, esoterismo e misteri occulti. I due si ritrovano a esplorare numerosi luoghi in cui la setta si riuniva segretamente tra i quali i cimiteri di Poggio Reale e Santa Maria del Pianto, la reggia di Portici, le ville storiche di Torre Del Greco e Torre Annunziata fino a spingersi sulle rive del mitico fiume Sebeto.

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Musiche: Claudio Luongo Scenografia: Flaviano Barbarisi Costumi: Francesca Balzano Interpreti: Roberta Astuti (Lola Verdis), Yuri Napoli (Davide), Stefano Jotti (Il Professore), Leonardo Bilardi (Manuel), Gabriella Cerino (Emma) Durata: 80’

Lola e Davide decidono di documentare questo “viaggio” per mezzo di una telecamera a mano, registrando passo dopo passo ogni fase della ricerca che diventa sempre più criptica e inaccessibile. L’intreccio si complica con una vera e propria discesa nelle profondità terrene in cui ostacoli e misteri evocano epoche ormai dimenticate e innescano una spirale di eventi che cambierà inevitabilmente le sorti dei protagonisti e non solo. ’opera prima di Francesco Afro De Falco si inserisce in una zona molto marginale del cinema italiano contemporaneo. Innanzitutto nasce dal lavoro di una troupe (cast, autori e tecnici) formata da giovanissimi con una media di età sotto i 30 anni, realizzato con un budget limitatissimo. Le tematiche affrontate risultano essere assolutamente nuove per il panorama cinematografico nostrano: l’esoterismo e il mondo dell’occulto. Tutta la vicenda viene giocata su diversi piani estetico/narrativi che creano una forte impronta stilistica all’opera. Le premesse sembrano le migliori per una novità tanto attesa, ma il risultato non soddisfa le aspettative a pieno. Certo il genere scelto non è dei più semplici da af-

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frontare, soprattutto in Italia e soprattutto con un budget così basso, ma durante lo svolgimento della trama ci si perde quasi subito tra le nozioni storiche, le date e le scelte di rappresentazione. Il tentativo di unire lo stile home-made alla Blair Witch Project e la spettacolarità dei grandi blockbuster hollywoodiani sul genere di Il mistero dei templari fallisce e confonde lo spettatore con un mescolamento di stili e generi, rischiando di diventare ostico non solo da seguire, ma anche da comprendere. Attraverso la discesa nei sotterranei della città alla ricerca di questo mondo occulto si tenta di fornire una lettura più profonda anche all’interiorità dei personaggi che, però, non si svelano mai completamente al pubblico e restano come bloccati, forse in un corpo attoriale ancora troppo acerbo per una prova così impervia, o forse ancora non sfruttato nelle sue massime possibilità. Nonostante le difficoltà nella comprensione, bisogna considerare nel film una buona prova come opera prima, che ha sicuramente migliore qualità il coraggio di aver affrontato tematiche e modi di rappresentazione inusuali e, in un certo senso, poco praticate dal nostro cinema. Giulia Giletta

VALUTAZIONI PASTORALI Amanti passeggeri (Gli) – complesso / scabroso Amore inatteso (L’) – consigliabile / problematico Anno da leoni (Un) – consigliabile / semplice Attacco al potere – consigliabile / semplice Ballata dell’odio e dell’amore – complesso / scabroso Bed Time – complesso / problematico Benvenuto Presidente! – futile / superficialità Bianca come il latte, rossa come il sangue – consigliabile-problematico / dibattiti Cacciatore di giganti (Il) – consigliabile / semplice Cecchino (Il) – consigliabile / realistico C’era una volta in Anatolia – consigliabile-problematico / dibattiti Città ideale (La) – consigliabile-problematico / dibattiti Ci vediamo domani – consigliabile / brillante Come pietra paziente – Syngué Sabour – consigliabile-problematico / dibattiti Come un tuono – complesso / problematico Croods (I) – raccomandabile / poetico Di nuovo in gioco – consigliabile / semplice Dittatore (Il) – complesso / grossolanità Dream House – consigliabile / problematico E la chiamano estate – sconsigliato-non utilizzabile / negativo End of Watch: Tolleranza zero – n.c.

È stato il figlio – complesso / problematico Famiglia perfetta (Una) – consigliabile-problematico / dibattiti Figli della mezzanotte (I) – consigliabile / semplice Giorno devi andare (Un) – consigliabile-problematico / dibattiti Grande e potente Oz (Il) – consigliabile / semplice Host (The) – consigliabile / problematico Innocenza di Clara (L’) – n.c. Iron Man 3 – consigliabile-problematico / dibattiti Jack Reacher – La prova decisiva – consigliabile / problematico Lato positivo (Il) – Silver Linnings Playbook – consigliabile-problematico / dibattiti Lawless – Senza difetti – discutibile / scabroso Melina – Con rabbia e con sapere – n.c. Ministro (Il) – L’esercizio dello stato – n.c. Moonrise Kingdom – Una fuga d’amore – raccomandabile / poetico Mundial dimenticato (Il) – La vera incredibile storia dei mondiali di Patagonia 1942 – n.c. Nave dolce (La) – consigliabile-realistico / dibattiti Outing – Fidanzati per sbaglio – futile / superficialità Padroni di casa – complesso / problematico Paludi della morte (Le) – Texas Killing Fields – complesso / violento

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Pinocchio – consigliabile / semplice Quijote – n.c. Scelta di Barbara (La) – consigliabile-problematico / dibattiti Scusa, mi piace tuo padre – consigliabile / semplice Sinister – futile / superficialità Streghe di Salem (Le) – sconsigliato-non utilizzabile / negativo Studio illegale – consigliabile / semplice Take Shelter – consigliabile-problematico / dibattiti Tre marmittoni (I) – n.c. Troppi amici – Praticamente fratelli – consigliabile / semplice Tutti i santi giorni – complesso / superficialità Un’estate da giganti – n.c. Upside Down – consigliabile / semplice Venuto al mondo – consigliabile-problematico / dibattiti Viaggio sola – n.c. Vicini del terzo tipo – futile / grossolanità Vitriol – n.c. Volto di un’altra (Il) – futile / superficialità Wedding Party (The) – sconsigliato-non utilizzabile / volgarità Zambezia – consigliabile / semplice



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di sam raqimi


la scelta DI baRbaRa - di christian petzold glI amantI passeggeRI - di pedro almodóvar



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